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September 25 [转帖]架势潮起广州之跟民谣探西关源自:可乐生活
听歌可以放松心情，听民谣更可以勾起许多儿时回忆。
流行曲越来越多，跟不过来的明星，出一张专辑都出来开演唱会的偶像级，如浮光掠影般闪过即逝。广州仔女于是重新追捧起自己的记忆，广州音乐制作人黄毅成改编的广州民谣成为今年最受本地潮人支持的作品。
“但是斋听歌还不够喉，最好就是亲身到民谣里唱到的地方，尝到民谣里唱到的东西，才能品味最真切的广州最local的架势潮流！”黄毅成说。小记也觉得，鬼佬餐厅遍地开花，正侵蚀一些商业价值较小的地方。令广州的城市本色越来越少，再不看，就没了。
趁着广州还有自己的特色，我们就听着童谣带大家寻访广州古迹，探访自己旧时的家。
“那么你带我去哪里啊？”跳蚤仔女问《唱好广州》制作人黄毅成。
“西关！” 虾饺夹埋叉烧酥 斋面姜葱捞一捞…… 很多人（甚至外省人）对《广州好》这首民谣中关于广州美食的描写的印象最为深刻。黄毅成当然要带大家品尝一下地道的西关小吃啦！西关的小吃店，无论何时都是人头涌涌，连多宝路都是隔几步就有面店，欧成记的云吞面，味浓且弹牙、陈添记的鱼皮、爽口又不腥、银记肠粉、粉皮薄用料足、仁信双皮奶润肺养颜、顺记红豆冰批，真材实料，怀旧味重、街边串烧和牛杂，每间试点，都吃得顶胃！ 黄毅成觉得咸煎饼最好吃，而雯雯和龙猫就始终觉得茶楼的虾饺和烧卖最好吃最有西关风味，因为广州人去喝茶，这两盅是必点名吃，用料足，咬下去啖啖肉，又“烟韧”！
你那美态犹如像弯弯月儿…… 近年来水晶和Bling Bling的钻石大热，令到玉器在年轻人心目中的地位日益下降，真的不知道什么时候这条贵为全国的玉器专业市场什么时候会消失不见。 其实以前的西关小姐最爱逛的地方就是玉器铺啦，大家来到位于广州市下九路与长寿路之间华林街的“西来初地”的华林玉器街。自清末民初开始，这里就已经是广州粤文化的重要一环。这次行程唯一的女性雯雯到玉器街前说想买金链跟秋冬的风潮，谁知道一入玉器街就指着橱窗说好想买。再加上这里没有汽车和废气，看着古玩玉器，仿佛真的变成西关小姐，在玉器商场内流连忘返！
远远我望见街中深处…… 西关最风情的大屋，就是那些楼高高、有骑楼、趟栊门、青砖墙、麻石街的旧式大楼。不过一条康王路横截南北，旧式楼房都全部变成小区装修。想要整条街都古色古香保留广州的粤文化确实有点难度。不过好彩，在去恒宝广场的路上（长寿西转入），我们终于发现这条长达120多米的耀华大街，不要说趟栊门，连有色玻璃窗都有，内里30多栋高楼，住宅、社区服务中心、自行车棚、小卖部都街坊味十足，周遭弥漫着一个“古”字。一班老街坊坐在路边的石级上扑扇聊天，比起兽笼式的小区生活，要有人情味得多。
好靓鸡公大个榄…… “好靓鸡公大个榄……”耳边还萦绕颜老师唱出的那首鸡公榄民谣，大家都对鸡公榄的好奇又多了几分。“颜老师说现在的上下九还有个铺子，里面有鸡公榄卖，我们去找吧？”雯雯的提议得到大家的一至赞同。 大家来到上下九路，这里除了陶陶居、莲香楼和广州酒家，还有出了名的零食集中地第十甫商店。不过时移势易，这一切都好景不再，反而颜老师提到的鸡公榄就引得黄毅成和两个跳蚤仔女食指大动，废话少说一于去马！以前经过上下九，真的有人会背着纸扎鸡吹唢呐（广州俗成“嘀哒”）叫卖，不过今日走访时发现，这只价值900大元的彩色公鸡好安静地躺在路边。龙猫奋不顾身一个箭步冲过去，用尽全身力气，将鸡背到身上———整个Look好搞笑，不过能够亲身体验西关文化，他真是笑得合不了口，雯雯立刻变身西关小姐顾客买了两包一咸一辣，令整个行程好开心，他们还得出一个结论，“原来只纸扎鸡好重,怪不得没人背啦！”
好靓鸡公大过榄，止咳又化痰，名扬西关风情榄，好味道，真够醒，快点帮衬莫迟慢 讲古佬讲新稿 今日电台做…… 以前的人，没有电视、没有游戏机，当然也没有卡拉OK场，最大的喜好是一齐听讲古佬讲故事，“原文再续书接上一回”这句相信对许多广州人都不会陌生。所以黄毅成在创作《广州好》时，很自然就将讲古佬这个角色加了进去。这次来到西关，黄毅成觉得第一步当然要先到本地首席讲古佬家探访一下，于是带着跳蚤仔女来到住在纸行路上的颜志图老师家。首次踏足颜老师家，当然要他讲关于西关的一段古，顺便让我们学讲古架势。颜老师给我们讲起了西关“鸡公榄”的故事，颜老师声情并茂地描述道，还现场演绎了两段鸡公榄叫卖小曲，黄毅成和跳蚤仔女们听得出耳油。一个小小的鸡公榄都有段古，西关文化果然够架势！
颜老师不少折扇都有名人写字和签名，而且每把都被fans预订，比什么Master Mind Japan的产品还要抢手
讲古佬三件宝，折扇、茶杯（当然要有茶啦！）以及手稿，当然再穿上唐装就可以以假乱真了。手稿其实就是将原著内容丰富化，而且抄在纸上，这里只是颜老师的一小部分，如果晒冷，恐怕要一间房才装得下 （卓珩／编制） September 05 齐撑广州本土音乐--东山少爷最新单曲*肥仔个头肥仔个头 作曲，作词：黄毅成 又站在越秀山边看雨下， 这小子十岁个年水边抓青蛙。 湿佐身归家哈你就听打， 玩颠佐乜都不怕。
是我珍馐百味， 花蜜甜于心扉。 紫荆花微香气味， 细路哥的把戏， 折只兔仔唱你：
肥仔只手佢细过荷兰豆。 如风的歌儿随童年飘走， 嬉戏里光阴过去， 欢笑相片中记取。
肥仔只手佢细过荷兰豆。 如此的歌儿还会唱几首？ 经太远忆得半句， 个半句跟花雨飘去。 请大家支持本土原创音乐！！ 买正版CD支持东山少爷！！！ 诠释广州酒吧别样"音乐"文化源自:大洋网
音乐文化：广州引进音乐具绝对优势
酒吧的酒都大同小异，音乐才是判断一个酒吧优劣的至关因素。一定程度来说，广州酒吧的火爆正是因为引进音乐的带动。广州是国际主流CLUB音乐在中国的启动点，广州酒吧的“引进音乐”具有绝对优势，party的制作与创造也是花样百出，这些都奠定了广州酒吧音乐在全国酒吧行业中的地位。 观点一 穗是外来音乐在华启动点 王者指出，广州是中国改革开放以来，酒吧音乐导入的基地，目前的音乐元素也非常的多元化，内地很多地方的酒吧音乐都是从广州引进过去的。而酒吧音乐当中，有95%都是外来音乐，即使是中国本土的音乐，在制作当中也加入了摇滚等西方化、电子化的创作元素。泡吧迷黄峰指出，目前的酒吧根据音乐或者表演方式的不同，可以分为演绎吧、宣泄吧和清吧，而北京则更多元化，一种音乐就形成一个酒吧的主流风格，比如专门演绎拉丁音乐的酒吧，而广州则比较少这样的酒吧。 观点二 音乐文化更多是音响文化 虽然广州酒吧音乐发展很快，地位也很稳固，却也不能说酒吧音乐已经成为了一种文化。黄峰认为，很多人来酒吧就是追求节奏，而不是真正地欣赏音乐，音乐往往是作为一种背景而存在。温志恒认为，酒吧的音乐文化，让人更多联想到的是音响文化，有人说过，做酒吧什么都可以不好，音响就一定要好。这也就从另一方面说明了在酒吧谈音乐文化也是太早了。陈靖欣则说：“酒吧的音乐就是一个酒吧的氛围和风格，我所营造的酒吧气氛很大的功劳就是通过音乐来实现的。” 观点三 “人”是音乐文化的核心 在会议当中，与会人士提到，“人”的因素在一个酒吧的音乐文化的形成中起着很重要的作用，由于“人以群分”的原理，怎样的人就会有怎样的音乐。陈靖欣也非常赞同酒吧音乐与“人”的关系，她说：“比如我们的酒吧放的音乐就是比较轻柔和舒缓的，那么就决定了我们的氛围和风格是比较高雅的，而我们的顾客也是比较成熟有内涵的，所以从这个层面上说，“人”对于一个酒吧的音乐风格，或者更深远的文化风格是有很大的影响。” December 30 回顾广东原创的历史，把握原创音乐的脉动！
September 29 人类最伟大的十张死亡金属唱片人类最伟大的十张死亡金属唱片
The Sound Of Perseverance Nuclear Blast 1998 它是良好的技术与超前的意识结合出来的产物！在专辑中吉它，贝司，鼓，都“炫”得厉害，但他们做的很适度，没有说为了表现而表现，他们在自己的空间中发挥着最大的能量！在这些乐器中，鼓的表现是最突出的。我真不敢想，如果不是这个鼓手敲，那这张专辑要变成什么样。我不知道怎么形容他的表现，只知道他的表现是无懈可击的，听他敲这些歌，你就会感觉你脑子里 上下左右都在响，鼓的每个地方能用的全用了（这不是夸张）！我在写碟评中很少提到乐队的贝司，但这次不提不行了，我觉得他把爵士乐的很多套路放到了 Death音乐中，这样的结合倒真是不多见（第三首歌开头的那段就是个明显的例子）。吉它在继承了上一张的旋律特点的同时抛弃了上一张的温柔，但还不像早期时那样重，而是一种硬朗的感觉！这次录音也是非常的棒，就没有你听不到的乐器，而且每样乐器的音色十分饱满，使整个音乐听上去很有力度。在专辑中，每首歌曲的速度总是时快时慢，我觉得这快慢转化的太自然了，感觉不出有什么雕琢的痕迹。如果要简单的评价这张专辑的话，我觉得可以用几个“最”来形容： Death专辑中最技术化，最随心所欲的，最硬朗的，录音最好的。当然，这也是Chuck和Death最后的疯狂！ 2.CANNIBAL CORPSE]
Tomb of the Mutilated Metal Blade 1992 这是乐队的第3张作品，也是Cannibal Corpse到目前为止所有作品中本人认为最出色的一张作品，而且专辑封面设计也是最精彩的。与前两张专辑相比，这张专辑给人最突出的感觉就是随着 THRASH METAL味儿的进一步削减，重型、凶狠的DEATH METAL风格得到了完全的确立。CHRIST BARNES的主唱可以说一张专辑上一个台阶，他在这张专辑中的表现更加突出，犹如猛兽沿着地面肆意怒吼般的唱腔最大限度地体现了“兽吼”这个词的真正含义。鼓也有很大改变，BLAST BEAT使用的频率也有了极大的增加，而随着中、慢速鼓击小节更多地被采用，使得专辑中的歌曲很有起伏凹凸感，前两张专辑中那种很“平”的感觉得到了彻底的改善。而吉它RIFF也变得更加丰富，虽然没有那么复杂，但有时侯会令人联想到纽约另一支伟大的死亡金属乐队—SUFFOCATION。连同出“色”的封面设计；猎奇的歌词及典型的DEATH METAL音乐，Cannibal Corpse为全世界的死迷们贡献了一张伟大的作品。
Necroticism: Descanting The Insalubrious Earache 1992 CARCASS的这张唱片完全变成了一张死亡金属专辑。CARCASS用无穷无尽的吉他RIFF把他们的教科书从“大学教材”提升到了“博士” 的水平。“MILLION RIFFS PER SECOND”是国外一些歌迷对这张专辑的评价，也许太夸张了，但也很好的体现了CARCASS音乐的复杂程度，甚至复杂到追 寻一个RIFF何时开始何时结束都会令你感觉晕头转向的地步。专辑中AMOTT还奉献了不少精彩的吉他SOLO，为整体音乐注入了更多的旋律性，由于音色的控制和合理的编排，不会给人丝毫的“甜腻”的感觉。总体上看，CARCASS的这张专辑比前作更复杂，音乐技巧更高超，而且仍然很好的保留了他们独特的病态气质。但我要投诉的是，歌曲实在是太长了，全碟八首歌曲超过四十八分钟，如此复杂而冗长的歌曲对于从任何角度来欣赏的人来说都是一件很疲劳的事情，而且非常容易迷失在局部的细节中而忽略了歌曲的整体效果。但毫无疑问，这是一张出色的死亡金属专辑，是一种只属于CARCASS的死亡金属风格。 4.CRYPTOPSY
NONE SO VILE WRONG AGAIN 1996 伟大的死亡金属杰作！乐队更换了节奏吉他手和贝司手，而LORD WORM仍然在队中，可以说这张专辑中CRYPTOPSY拥有迄今为止最为出色的阵容，每一位成员在这张专辑中都有精彩的表现，吉他RIFFS是超高速的、超复杂的，极具能量，同时拥有令人吃惊的准确度。鼓手FLO的鼓击速度快到令人晕眩，很难让人相信是人类所能达到的水准，绝对是世界上最快、最具有活力的死亡金属鼓手之一。贝斯的音色一如既往的饱满、清晰，并且时有画龙点睛之笔。LORD WORM的低沉多变的咆哮更加凶狠，充满了愤怒和歇斯底里，而且他还负责了专辑的大部分词作。所有这些出色的表现混合在一起，营造出的音乐的强大和丰富是可想而知的。整张唱片的每一首歌曲都非常出色，复杂，各具特色，绝对不会让听众有一丝一毫单调厌倦的感觉，大量的变调变速，令人惊异的急停，几乎每一段都令人回味无穷印象深刻的吉他SOLO，甚至有深沉悲壮的钢琴INTRO和低沉的贝斯SOLO出现在第六首歌曲PHOBOPHILE中，CRYPTOPSY 在短短的30多分钟的时间里用八首精彩绝伦的歌曲，向我们展示了死亡金属音乐的魅力所在！我曾经把这张NONE SO VILE称作是值得用所有收藏来换取的一张唱片，现在看来有些夸张，不过到现在我仍然认为这是每一位死亡金属乐迷必不可缺的一部作品，无可置疑的经典之作！
Legion Roadrunner 1992 非常黑暗和邪恶感的一张专辑，这也许是杀神者最快刀法的一张，他们用无以伦比的速度和力度展示着死亡金属乐队能达到的最极端程度，他们的歌词也是直白到了极点，甚至比一些黑暗金属乐队还要狠毒。要注意，这是在1992年，要知道那时就连MayheM都还没有发行过全长专辑呢。 10 年之后的今天有多少乐队更狠更辣仍旧默默无闻，但是有谁能忽略当年DEICIDE的影响呢？整长专辑仅有8首歌，只有短短的不到30分钟，但每一曲中鼓手和吉他手的体力都叫人感叹！和很多死亡金属乐迷一样，LEGION也是我心目中DEICIDE乐队的最佳专辑！尽管开始时伴随着山羊叫声的引子 “Satan Spawn, The Caco-Demon”令我们感受到了一丝渎神的邪恶气氛，但随后DEICIDE带给我们更猛烈、更凶残的岩浆般炙烈的音乐。比起他们的首张专辑， LEGION中的音乐无论是编排还是演奏以及录音制作都有了很大的提高，复杂的歌曲架构和多变的节奏令人赞叹，Glen Benton的演唱声音稍感靠前，但清晰而激烈，如此猛烈愤怒的咆哮只出现在这张唱片里，即使是在后来的专辑中Glen的演唱也从来达到这样的水准。 Steve Asheim的鼓击完全令人难以置信，象鼓机一样快速、准确、能量无限，同时又通过节奏力度的起伏变化表现出鼓机不可能带来的激情。而Hoffman兄弟的吉他RIFFS和SOLO依然是技术化和高速度的，而且配合着Glen清晰可辨的贝司演奏，整体音色显得更加厚实、平衡。通过这张专辑也许我们依然不会更多的感受到那种“渎神主题”应有的邪恶阴暗的气氛，但在DEICIDE无休止的猛烈轰击之下，我们很容易沉浸于他们制造的血肉横飞的屠戮之中。歇斯底里的愤怒和全然无情的残忍是这张专辑的魅力所在，时至今日能够将愤怒和残忍真正宣泄到如此地步的作品也是寥寥无几。DEICIDE又为我们奉献了一张光彩照人的经典之作，不过令人感到有些悲哀的是，这张LEGION也许是他们最后的杰作。 6.IMMOLATION
Failures For Gods METAL BLADE 1999 黑暗的气氛，邪恶的旋律，配合精妙的双吉他，复杂的打击乐，紧张的音乐情节发展，低沉的朗诵式唱腔。据说这张专辑的录制是一次性完成的，其中的复杂技巧更叫人刮目相看，引领听众体会更多的感觉和情绪和氛围，激烈的鼓声和错综复杂的吉他燃起真正的地狱烈焰。IMMOLATION乐队一向非常注重唱片艺术概念的完整性 - 封套设计以及歌词，专辑一录完，乐队就将他们专辑封面设计的创意和相关资料交给了他们的好朋友Andreas Marschall（IMMOLATION所有的专辑封面均由他设计），但是由于他的工作太忙，封套设计工作的延迟，这张专辑一直拖到99年6月才发行。歌词亦是乐队非常注重的环节，如果有人仔细阅过这张专辑的歌词部分，你会发觉IMMOLATION是一支非常有内涵的乐队，这张专辑的歌词直接抨击了某些宗教组织的背景，专辑一开始给人建立一种魔鬼比上帝还要强大的印象，其中描写了很多魔鬼内心的人性成分，但最后出人意料的描写是，魔鬼既是我们所知的耶苏基督，这里面的逻辑性和词句背后深刻的含义，值得每一个喜欢思考的乐迷喝彩。Failure For Gods理所应当地被众多媒体评为99年的最佳重金属唱片，也成为了Brutal Death Metal历史上的里程碑。这种“非主流”死亡金属的类型，这也成了IMMOLATION音乐的标志，这张辑虽然很优秀，但还是有一些乐迷无法接受，因为他们的音乐太不“通俗”了，很多想法不是那么直白地犹如疯子，对于生活在美国的传统死亡金属乐迷还是很难接受Black/Death Metal这种形式，乐队不止将这种不可思议变成可能，而且给这种音乐带来了更多可能发展的空间。
Altars of madness Earache Records 1989 整张专辑充满了邪恶,黑暗的气息!能明显感觉到morbid angel受slayer的影响比较大。吉它的旋律极为晦涩,运用了很多无调式的理念,这不禁让我想起巴赫的音乐!solo部份尤为明显,他用电吉它特有的"摇把"使solo的每个音符都很扭曲的"蹦出来"。哈!就象是恶魔在呐喊!整张专辑两把 琴和声的部份非常多,听起来就象两条火蛇交织在一起!这种演奏方式在当时的极端音乐里不多见。贝司在专辑中没什么很抢眼的表现,只是跟着吉它走。但同时作为主唱的DAVID在演唱上表现的极为出色,在这张专辑里他的嗓音很"黑",攻击性很强,歌声犀利,象在嘲讽什么!耶酥?!(只是唱的有一些死板)鼓在今天看来似乎不快也不花,但和其它声部配合的恰倒好处,相互呼应。值得一提的是pete的双踩,颗粒感好,力度很平均!!!死亡金属历史上最具影响力的专辑！这是1989年乐队在Earache公司发表了第一张正式专辑，这也是这家公司发行的第一张真正意义上的死亡金属作品，因为他们之前发行的专辑现在看来都和死亡差距很大。作为第一批死亡金属乐队，乐队在金属界中进行了一次革命性的尝试，黑暗残忍死亡金属的开创者。当时他们的歌词就充满了拜撒旦主义的倾向，而且David的唱腔也不是标准的低吼。吉他使用大量阴暗的Solo和快速轮拨技术，很多的地方也把这张唱片划分经典黑暗金属专辑之一！专辑中的每一句歌词，每一个Riff，鼓点、变化... 甚至是唱片的设计，那样的质朴，直接，但是即使现在看起来仍然都是美仑美焕。这张专辑由Tom Morris在佛罗里达Tampa著名的Morrisound Studios制作，其制作的效果显然已经比当时英国的那些录音作品好了很多，在当时可以代表了世界最先进极端金属录音水平。也是从这开始，全世界的乐队都注意到了Morrisound。无论从哪个角度：对于唱片公司、录音室、死亡金属风格、编写造诣、演奏技术... 这张专辑都是一张完美的答卷，也是具有划时代意义的一张，伟大的MORBID ANGEL开创了一个时代！ 8.SUFFOCATION
Effigy Of The Forgotten The All Blacks B.V. 1991 从听觉角度考虑，这张专辑没有任何一个地方能让人“接受”。所有歌曲的旋律线条都和人的听觉习惯背道而驰；所有的节奏让你来不急做出任何反应就已经变了；音色厚重而且犀利，就像一座大山压在你的身上。这张专辑确立了SUFFOCATION独一无二的风格，这种风格也被后来很多乐队争相效仿。 Riff的层出不穷是专辑最大的特点。每首歌都包含着大量且复杂的Riff，它们就像一个“迷宫”，让你进的来而出不去。举个例子，在第一首歌SOLO之前的2分16秒中，吉它共用了8个Riff,也就是说平均十七秒钟就会变一个Riff。而且每个Riff还包含着很多细小的变换。比如在同一个吉它的 Riff中，鼓有时候会用两个Riff与之相配，再加上唱的配合使每个段落都显得十分饱满。有人说这张专辑录的不好，觉得低频太多了。但我觉得这正是专辑最成功的地方！！低频虽然多，但并不“浑浊”，非常结实有力。而且，在那个年代能把层次感做的这么出色还真是难得。在听这张专辑时发现它和美国 Disgorge2002的新专辑有许多类似的地方。可见effigy of the forgotten对后来新派Brutal death的影响之大。
Slowly We Rot Roadrunner 1989 这是他们乐队史上第一张也是最重要的一张，这一张的份量甚至超过后面的“Cause Of Death” 。如果您对此观点表示不屑一顾的话，这至少证明了您不是一个“老死亡迷”，眼光回到80年代，这样的音乐可以说是恐怖至极，血腥至极，个性至极。同名曲 “Slowly We Rot”就象一部 经典的老式恐怖电影，里面没有任何电脑特技，可是那种真实感和发自内心的冲动的是高科技无法替代的。这张专辑里面的一些编曲手法很简单，但里面表现出的沉稳和大气是非常有魅力的。由于当时录音的条件，这张作品的录音品质不高，可能影响到它的整体水准。但我看见很多自称是资深死亡金属乐迷的人在网上说他们不喜欢这张专辑，但他们会喜欢很多其实是受OBITUARY影响的乐队。老实说，除了口味的不同以外，我怀疑他们是否真的认真听过这张优秀的专辑。 10.BRUTAL TRUTH
Extreme Conditions Demand Extreme Responses Earache Records/Relativity Records 1992 如果你是一个碾核音乐的爱好者,那么来自纽约州的BRUTAL TRUTH是你绝对绕不过去的一支乐队，而这张“Extreme Conditions Demand Extreme Responses”也是你绝对绕不过去的一张专辑。可以说这张作品是碾核音乐有史以来最经典的几张作品之一，必将继续在很长的时间内为歌迷所津津乐道。其实，很长时间以来我一直认为BRUTAL TRUTH的这张Debut，并不应算作是一张纯粹的碾核作品，我更愿意将这种风格叫做DEATHGRIND。因为很明显，乐队的一些手法，特别是吉它演奏与当初很多DEATH METAL乐队几乎没有什么太大的区别，其邪恶感十足的、气势逼人的RIFF很容易让人联想到当时大红大紫的佛罗里达很多乐队的常用手法。乐队完全表现出 GRINDCORE气质的或者说真正厉害的应该是他们的鼓。无论是BLAST BEAT，还是THRASH BEAT，给人的感觉就是一个字--“快”！机关枪扫射般的鼓点呼啸而来，呼啸而去；而碾核音乐鼓击特有的癫狂般的“散射”状态，在这张专辑中表现得尤其突出。而乐队的一高一低双主唱，无论是单个的表现，还是相互之间的配合，即使放在今天来听，都是超一流的水准。BRUTAL TRUTH的这张“Extreme Conditions Demand Extreme Responses”之所以引起了巨大的反响，卓越之处就在于用大量工整、耐听的死亡金属手法酿造出超乎寻常的激烈、疯狂的碾核音乐，是一张好听的、耐听的、动听的碾核作品 August 25 金属武器jackson系列介绍转载自：风华艺校www.liuchuan.net 总体来说jackson的琴够猛够冲,是玩金属的不而选择,加上DOD的效果器,那更没的说了,尤其是DOD的死亡单块,爽!~~但干琴音色偏硬.另外jackson的琴颈都是为提高速度而专制的。在中国大陆内打算花五千块左右买电琴的朋友，JACKSON中档次的琴绝对是首选。1.DXMG Dinky 市场价 4600元 
桤木琴身,枫木琴颈,玫瑰木指版,琴颈琴桥拾音器皆为emg系列,三段拾音器选择开关
原装琴弦为.009, .011, .016, .024, .032, .042 24品
有增益旋钮,使音色更爆裂!做工很棒,适合风格偏向金属和死亡
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这把琴根同档次的比，优点很突出的，它的失真自然不用多说了，一样的棒。干琴音色却很干净饱满，不错!!!拾音器是主动式的，需要电池，用来提高功率！记得tone钮音该可以拉的，也是提高功率用的~缺点嘛~它的大尾巴很容易碰到!!去问问易菲吧!!
3.RR3 市场价4500元
桤木琴身(火焰枫贴面)，枫木琴颈，玫瑰木指版，琴颈琴桥拾音器皆为Duncan Designed DetonatorTM Humbucker 22品 三段拾音器选择开关 全部金属镀铬经典的fiying V造型.造型和音色都没的说,就是因为他的造型,所以坐着弹时较不方便,背着背带能舒服些
4.DK2FS Dinky Firestorm 市场价4000元
桤木琴身(火焰枫贴面),枫木琴颈,玫瑰木指版,24品,五段拾音器选择开关
琴桥拾音器Duncan Designed?HB-102B 双线圈琴颈拾音器Duncan Designed?SC-101 单线圈 中拾音器 Duncan Designed?SC-101 单线圈 5.solo3 
琴颈：硬枫木一体琴指板 枫木面板 琴桥：JT580LP 控制：音量旋钮 音色旋钮 3档拾音器切换开关琴颈 拾音器：Seymour Duncan Cool Rail 中间拾音器：Seymour Duncan Hot Rail 琴桥拾音器：Seymour Duncan Duncan Distortion solo3绝对时日产琴中的经典，是日产琴中的艺术品啊!!基本和solo1相似，但价格却便宜了一半左右~~看看他奶油一样的琴身，大家不要饿啊~~这东西可吃不起的!!!这是一把对得起钱包的琴!!! 市场价 7000左右!! August 23 用吉他来写歌用吉他来写歌
在过去的一周内我被几种有难度的技术折磨着，这甚至推迟了我第二部分的进展。直到这些问题得以解决，我又被重新唤起了希望。在我们开始之前先来做点别的事情吧： 我总是试着发自内心的去创作音乐。可换个角度说这么干简直就是毫无观点可言。（...）曾经的成功和名望的确让人激动和欣喜，但这样的荣耀和你完成一张伟大唱片时的感觉是很不一样的。“是我简单而又伟大的动机成就了我的事业”
-- Greg Lake（出自他的回忆录） 当然，伟大的专集是以伟大的歌开始的。1969年的King Crimson乐队是由Greg Lake担任BASS和主唱的，那年他们发行了首张专集“In the Court of the Crimson King”。如果你从来没有听过这张专集，那么他对你也没任何帮助。这帮小子专干他们自己喜欢的事情。后来专集打入了美国榜的前40位和英国榜的前5。没有一首歌出自精选，但从那时起这张专集改变了一切。 这就是一个生动具体的例子来说明怎样将你自己的勇气和情绪变成现实。当然唱片工业从那个时代起也发生了变化，不过同时也仍有很多艺术家报着决不妥协的态度去做音乐。这是唯一该被载入史册的。 现在来开始我们的东西，你需要用笔和纸来记些东西。 在学习理论和经验之前，你该学着把各种和弦的进行运用自如。A和D（象史普林斯廷，鲍布迪伦这些人用了很多。比如那首著名的(A)Born in the (D)U.S.(A) A).把G加进去再混一下你就能得到7成以上的流行，摇滚和民谣的精典歌曲了！！不信我的话吗？？试试去！！！另一些合成的活儿也是一样的简单。我自己则是滥用Am--G 或者A--G这样的和弦混合多年了。在这开始之前先别问我理论，那不是我的专长。读一下David Hodge的精彩专栏："A" Before "E" (Except After "C"). David 将给出详尽的解释。 先围绕主和弦去弹奏（A-B-C-D-E-F-G,别用小调和弦什么的），并且感觉它们。开放式和弦和小和弦有着完全不一样的感受。小和弦有着忧郁的感觉，他们听起来象是有很多悲剧式的爱情故事在里面！现在来弹奏小调，感觉到不同了吗？现在先来弹一个A 然后再来一个Am并且注意他们的区别。接着弹完G后紧跟着来个Am，用不同的方式去弹。肆意的乱弹一段时间，然后找出一个紧凑快速的模式来。看看你能在这两个和弦上找出几种不同的模式来，每一个模式都能是一首歌。 现在你可以只弹你最喜欢的那种模式。然后用笔在纸上写一些句子。不要超出自己的能力范围，把时常在自己脑袋里浮现的事情写下来就成了。下意识的东西会变成你所想要的，成败的可能性就在于你要有和你喜欢的那个模式相同的感觉。 接着你要一遍接一遍的弹自己喜欢的那个模式，直到你感觉舒服了为止，然后唱你写的句子。是的，每个人都能唱，同样不是每个人都能唱好，但别介意这个。如果你的句子有1到两个特别的音节，你就得把你的模式做1到两处相应的调整。或者你可以你可以从句子里拿一个词出来，或者把一个长的词用一个短的来代替。（有很多你可以做的，但我们在这仍保持简单的态度）。如果你的句子错过了一个音节，那就把其中一个词拖长一拍。 现在来写别的句子。虽然不需要和开头的有什么关系，但有时也可能会有。如果和你的第一部分没关系的话，你得干别特别的工作将他们连接起来。你必须记住在你选出的模式中的音节数（这些事实上比前一部分要麻烦，但在这时要继续保持简单的态度。）接着，别绞尽脑汁想，跟着感觉往下走。如果你实在想不出写点什么，那么就在先前写的句子里加写东西。 现在该把两段连起来了。我建议你再多加两段。然后会到你完成的工作前。好了，现在你有4段Am--G模式的的歌了。这简直就是诗篇！让我们试着开始另一首。还是4段的！... 不要写虚假的东西！！ 听起来怎么样？可能在两段间错过了一些东西。那么在他们间加个D，然后通过先前的模式把他们连起来。现在你可以从新来演奏一下修改了的东西。好的，接下来写和弦。我们试着用C--G的模式。把你先前的那些东西换掉，把这个当成和弦，你会把它用做歌曲的“高潮”部分的。你先前写的发生了些什么？他们给你的感觉是什么？让这些诗句变的有生命！你曾经想到过这些吗？你对这些问题的看法是什么？写好第一段后对第二段有准备吗？试着用F--G的模式来代替。写第三段时再回到C--G的模式。接下来的第四段将是很重要的。如果你不在这里做些改变，你将永远去演奏这些和弦。你的听众也会跟着睡着的。从来F--G的模式，但是再碰到G时将它挂在那。正如你的乐句，将会又一次结束在G上。换句话说就是你把整首歌都挂在那了。 基于以上观点你可以把吉他放下了。但是不论你的感觉是不是很舒服，接着写别的句子。现在你遵从这个规律来写：第一段，第二段，和弦，第三段，和弦。然后弹奏整首歌。瞧，你拥有一个完整的歌了！一首简单的歌，但也是首歌。别着急，关键在于这并不是你的极限。剩下的就是歌名了。我不建议你用简单的词来给歌取个名字，你可以通读你写的歌词，你会发现有几个词突然间跳出来！用这个来当你的歌名。 作业 你是否感觉我写歌变的非常容易？我希望能听到你的东西和看到你的变化。你可能想到去换一些和弦，把一些东西扔掉或者添加一些东西。去尝试不同的东西你就会进步。当然别去掉歌曲中的重要部分或添加那些没用的东西进去。 作者：Darrin Koltow 来源：蓝色空间 翻译：Superwater August 22 每个玩电吉他的人必看每个玩电吉他的人必看
转载自：www.liuchuan.net
自从上个世纪电吉他发明之后，它在现代音乐中的地位就越来越重要，无论是在流行乐、摇滚乐、爵士乐、布鲁斯还是乡村乐、重金属等等各种音乐风格中，电吉他都扮演着举足轻重的角色。 经过半个多世纪的发展，如今世界上和电吉他相关的各种产品品牌、型号已经多的数不清了。即使在国内，现在可以供大家选择的产品也是相当的丰富了，各种档次、各种品牌以及各种风格的产品都很齐全。那么很多初学者在选择入门设备，或者一些中高级水平的朋友想更换设备，有的时候不免有种无从下手的感觉，有的时候觉得什么都好，有的时候又觉得什么都不能让自己完全满意。 笔者根据自己十几年来弹琴、售琴以及教学的亲身经验，从电吉他、电吉他音箱以及效果器三个电吉他设备的主要构成方面写了以下一些建议，希望能够对各位电吉他爱好者能够有所帮助。 首先我们来谈谈关于电吉他的选择，我想大家可以从3个方面来考虑： 1、你需要什么？ 很多人买琴，可能只是看样子好看，或者只知道我要买把电吉他学琴。那么首先你必须清楚的知道，自己买琴是为了干什么，是练习、演出、还是收藏，或者说你需要弹什么风格，BLUES、金属、流行还是JAZZ等。 可能很多人会说，那最好什么都能弹拉。可是问题就在这里，什么都能弹的吉他是不存在的，而且越是好琴风格越是单一。所不同的只是，有些琴适合的风格广一些，有些窄一些。因此对于一个职业的吉他手来说，拥有几把不同风格的吉他是很正常的，也是必需的。但是对于很多业余爱好者来说，同时购买几把不同风格的吉他在经济上会很难承受。所以你必须清楚自己最需要的最常演奏的风格是什么，然后以这种需要为主来考虑问题。比如你喜欢演奏的是金属乐，那么你就应该从那些适合演奏金属乐的吉他型号中去选择。说到这里，可能有的人会说，可是我还想在演奏一些布鲁斯怎么办？刚才我们已经说了，能够胜任所有风格的吉他是不存在的，你想用一把吉他同时来演奏METALLICA和ERIC CLAPTON的音乐，是无法很好兼顾两者。但是请不要忘记，电吉他的音色构成，不仅仅是完全由吉他本身决定的，音箱和效果器的作用也相当重要，因此当你选择了一种风格的琴之后，也许有的时候你需要演奏一些其它风格的音乐，这时候你就可以通过对音箱和效果器的使用以及调节来弥补吉他本身的不足，虽然无法做到完美的效果，但是对于一般学习或者要求不是很高的演出来说，其实也是够用了。 所以把自己需要的要求都列出来，然后根据自身的实际情况给每种需求都进行量化，然后决定自己真正最需要的是什么。 2、你有多少钱？ 一把适合自己的好琴是每个弹吉他的人的追求，但是好琴也往往是和昂贵两字联系在一起的，因此，你必须考虑自己的经济状况，在力所能及的范围内来选择。有多少钱，办多少事。 此外，你还应该在经济能力的基础上根据你自己的需要来考虑，比如你买琴是为了学习，练习用的，那么即使你有这个经济能力买一把很名贵的琴，但这样做就未免有点大材小用了，如果你确实很想拥有这把琴，那么你最好再买一把便宜的琴用做日常练习用（当然前提是经济条件许可，以及便宜的琴质量也要过关）。 也有的人想换琴已经想了好久了，为此也存了一些资金，但是距离自己的目标琴还是不够，这时候有些人就往往会有些心急，总希望赶紧把钱花出去，换把好琴，我把这种行为叫做冲动型购买，这样购买回来的琴可能过不了多久就会后悔，因此还不如继续耐心存钱，一步到位，买到那把你真正想买的琴。 当然如果你的目标是一把很名贵的琴，但是凭你的收入，无法在一个可以预见的时间内达到，那么我建议你还是先买一把适合自己经济状况的琴先玩着，而不要高不成低不就，这样会很痛苦。 3、你如何选琴？ 当你明白自己需要和现在的经济情况之后，你就可以在琴海中开始寻找你的所爱了。 首先你可以把适合你经济状况的琴排列出来，然后你就要认真去查询这些琴的介绍和数据，了解它们的性能，从中找出最能够满足你需要的琴。最后，再在这些琴里面选择你最喜欢的，这时候，才是你考虑琴的样子、颜色等次要因素的时候。而不是上来就考虑这个琴样子我喜欢，就它了。当然这样也可以，自己喜欢最大，特别是对于那些无非是随便玩玩的爱好者来说，这样也可以。但是如果你是一个严肃的吉他手的话，那么记住吉他首先是一件乐器，而不是装饰品，音色和手感才是它的关键。我见过很多人买琴，实际就是买个样子，根本不清楚它的音色和手感，或者说他们也根本不重视，只关心样子。所以当音色、手感和样子存在矛盾的时候，我们应该更多的考虑前者。除非你特别有钱，那样你可以去定做，但是我想，对于大多数人来说，这是不现实的。 另外还要注意一点，现在网络发达了，很多人不愿意花时间去了解研究那些枯燥的数据和资料，不愿意自己动脑筋，而是喜欢上网征询意见，期望别人帮他决定，但是问的人多了，有时候不一定是好事情，因为人各有所好，别人喜欢的，别人适合的，不一定适合你，而且很多人的回答可能是不付责任的，甚至有的人可能还不如你懂，看多了这样的回答反而让你迷糊。所以一定要自己动手动脑！真的无法决定了，再适当的咨询一下别人的意见，特别是内行的意见。千万不要养成完全依赖别人的习惯。 August 09 The Eagles (老鹰乐队)——经典再现
前言 1971年琳达．朗丝黛筹备第三张专辑《Linda Ronstant》时向制作人John Boylan提出一个构想，她希望招集些顶尖的乐手成为超级伴奏团体，在录音室或巡回表演时都能够胜任。于是Boylan为她从Shiloh这个团体选出Don Henley、Richard Bowden、Mike Bowden三位团员加上Longbranch Pennywhistle二重唱里的Glenn Frey组成超级伴奏乐团，Bernie Leadon与Randy Meisner在稍后陆续加入。可是Henley跟Frey却想自己组一个乐团，于是等琳达的专辑完成后Henley和Frey便邀Leadon、Meisner组成合唱团。不过取什么团名呢？他们想到要能代表美国文化的，于是从原住民印第安人想到了此民族的守护使者－老鹰。1971年The Eagles（老鹰合唱团）在加州正式诞生。 1971-1975 1971-1975年是老鹰合唱团的第一阶段，此时期共发行四张专辑，分别是《Eagles》、《Desperado》、《On The Border》和《One Of These Nights》，这时的乐风是乡村摇滚。老鹰合唱团具美国音乐承先启后的地位，其优美的和声上承Everly Brothers、Beach Boys、C.S.N.Y.；流畅的旋律与演奏为民谣＼乡村摇滚The Byrds、Buffalo Springfield、The Flying Burrito Brothers的延续，这些音乐特色影响了日后乡村音乐的发展，九○年代之后像Garth Brooks、Tim McGraw、Restless Heart…等乡村巨星或团体无不受老鹰合唱团的启发，1993年十多位乡村歌手演唱老鹰合唱团的歌曲也是声援大自然的义唱特辑《Common Thread : The Song Of The Eagles》就是最好的证明。首张同名专辑《Eagles》于1972年发行，其中推出三首单曲"Take It Easy"、"Witchy Woman"、"Peaceful Easy Feeling"。1973年的第二张专辑禗esperado》以十九世纪末美国中西部的法外之徒为概念，虽然单曲是"Tequila Sunrise"、"Outlaw Man"，不过常听到其他艺人包括琳达．朗丝黛、卡本特兄妹翻唱的却是未曾发行过单曲的标题作"Desperado"。 第三张专辑《On The Border》发行于1974年，录制期间原制作人Glyn Johns认为应回归到首张专辑轻松主题并多加些乡村色彩，不过团员却倾向多些摇滚节奏，于是制作人更换为Bill Szymczyk；长久配合的吉他手Don Felder也在1974年专辑即将完成时正式加入使老鹰合唱团成为五人乐团。英美两地录音室的长途跋涉使团员们都感心力交瘁，不过一切辛苦终于有了代价，"Already Gone"、"James Dean"之后的抒情单曲"Best Of My Love"终于为老鹰合唱团拿下Billboard杂志第一首流行冠军曲。接下来1975年的第四张专辑《One Of These Nights》更趁胜追击，不仅拿下冠军金唱片，其中三首单曲"One Of These Nights"、"Lying Eyes"、"Take It To The Limit"也都成绩斐然，至此老鹰合唱团的名气终于响彻云霄，登入超级乐团之林。就在乐团名气达到巅峰同时，原吉他手Bernie Leadon与新音乐方向相行渐远，所以1975年底Leadon正式离团。1976年3月精选辑《Eagles / Their Greatest Hits 1971-1975》收录老鹰合唱团Bernie Leadon时期的10首畅销曲，为乐迷们回顾了第一、二张专辑中那些当年被忽略的单曲。这张精选是美国唱片协会（RIAA）宣布的第一张白金唱片专辑；经过25年的销售，仅在美国一地就卖出两千八百万张，为史上最畅销专辑之一。 1976-1982 Bernie Leadon离团后主吉他手的空缺由来自硬式摇滚团James Gang的Joe Walsh取代，他为老鹰合唱团带来新气象，不仅摆脱前期萧瑟的乡村风格加强了电吉他的部份，更添一作曲主力。这些影烀飨苑从υ?976年底的钜作《Hotel California》之中。它一举拿下专辑榜第一名，同时也是畅销百万的白金专辑，其中单曲"New Kid In Town"、"Hotel California"更是双双夺得冠军。尤其后者在台湾只要是做现场演唱的乐团无不表演此曲，因而被封为Pub的圣歌。"Hotel California"普及率之高，自然被视为该团的招牌作。第三首单曲"Life In The Fast Lane"正是Joe Walsh的大作。第二位离团的是Randy Meisner，贝斯手位置由Timothy B. Schmit入替。1978年3月新的老鹰合唱团著手下张专辑，它原本规划为两张一套的唱片，所以收歌、录制工作更加繁复。终于经过长达18个月的工作期、歌迷也苦等3年之后，《The Long Run》在1979年推出了而且是单张唱片，"Heartache Tonight"、"The Long Run"是其中畅销曲，不过最受乐迷喜爱的却首推由新任贝斯手Schmit以细腻高音所主唱的抒情曲"I Can't Tell You Why"。 由于长年巡回表演的疲惫和成名所累积的压力，加上团员间音乐上的歧见，谁也不愿意等上个两三年才发表一张且只收录十首歌的《老鹰》专辑，于是1980年巡回演唱与年底的现场专辑出版后大夥各奔东西，开始著手个人专辑的录制。1982年老鹰合唱团精选《Eagles Greatest Hits Vol.2》发表前正式宣布解散。五人再同台已是12年之后的MTV不插电演唱会了。 1994-2003 九○年代初就有谣言老鹰合唱团即将重组，1994年他们果然现身MTV的不插电演唱会，现场歌迷无不沈浸在怀旧的气氛中。现场加上4首新歌的专辑《Hell Freezes Over》的CD与DVD仍是万众瞩目、佳评如潮，全球乐迷无不庆幸他们的再出发而大肆购买，同时盼望老鹰合唱团有新作的推出，不过长达两年半的巡回演唱下来，团员们都需要一段长时间的休息，所以1996年8月在苏格兰的演唱结束后团员再次分手。1999年，大家原本认为的千帜瓿夕夜，老鹰合唱团举办跨年演唱会，2000年12月推出的套装精选《Selected Works : 1972-1999》中的第四张CD就是收录其中部份实况。2001年老鹰合唱团在北美只有两场演唱会，分别是7月28日在德州的达拉斯与8月11日在科罗拉多的丹佛市，其他更多的演唱会可能就要等到据Don Henley的说法是“新专辑完成之后”。全新的老鹰专辑似乎一直在只闻楼梯响的阶段，但随著2003年7月全新单曲 "Hole In The World"的推出，这张大众引颈期盼的作品或许真的在不久的将来就会问世，希望这次不要让全球歌迷再度失望。 尾声 老鹰合唱团曾拿过四座葛莱美奖：1975年以"Lying Eyes"得到最佳流行乐团；1977年"Hotel California"是年度最佳单曲；同年"New Kid In Town"获颁最佳和声编排；1979年以"Heartache Tonight"得到最佳摇滚乐团。 1976年之后的老鹰合唱团已从前期的乡村摇滚蜕变为加州摇滚（或称西海岸摇滚），它并无一定的音乐形态，但他们的共同点就是音乐之中透露了西海岸因气候、文化形成的特殊的人文气息，简单说就是一种安逸（Cozy）的感觉，而老鹰合唱团正是此种音乐的代表团体。1998年老鹰合唱团被引进摇滚名人殿堂（Rock And Roll Hall Of Fame）肯定了该团对流行音乐的重大贡献。 摇滚乐的历史 摇滚乐的历史一 、摇滚乐的产生 1、背景 回顾20世纪上半叶的美国历史，从20年代末到30年代中期，欧美发生经济危机，出现了经济大萧条；30年代末，第二次世界大战爆发；1941年日本袭击珍珠港，美国投入反法西斯战争，直到1945年战争才结束。再看50年代以后，50年代，美国是一个相对稳定和繁荣的时期，也经常被视为美国人的繁荣时代。60年代是美国历史上最动荡的年代之一。由于出兵参加越南战争，遭到人民的反对，使全国处于社会、政治极不安宁的状态。 恰好在50年代，特别是1952年艾森豪威尔就任总统后，美国经济开始稳定，整个社会也处于安居乐业的状态。于是，中产阶级逐渐增多，他们养儿育女，出现了一个生育高峰期。青少年的数量空前增长，一下子这个世界成了青年人的天下。当时，孩子们在课余生活里，一般都与家人呆在一起。电视节目也比较健康，在音乐趣味上也没有太大的鸿沟。青老年人欣赏的音乐也基本相同，都是40年代和50年代的\"大乐队\"演奏的音乐，还有就是延续了几十年的叮砰巷歌曲，歌词经常表达单纯的爱情，音乐也不带威协性，尽量给人一种舒适、安宁的感觉。 到了50年代中期，这批青少年由于生活条件优越，没有像父辈那样经历过战争和苦难，同时又倍受家庭的宠爱，因此，他们开始不理解父母们的思维和生活方式，不愿意走父母为自己安排好的道路。他们有了自己的追求和爱好，而且由于人多势众，形成了一股强大的力量，他们不再跟随父母欣赏那些多愁善感的流行歌曲。这时，他们正好在摇滚乐中找到了自己的声音。摇滚乐简单、有力、直白，特别是它那强烈的节奏，与青少年精力充沛、好动的特性相吻合；摇滚乐无拘无束的表演形势，与他们的逆反心理相适应；摇滚乐歌唱的题材，与他们所关心的问题密切相关。 2、摇滚乐的出现 20世纪50年代初期，美国的流行音乐市场出现了一个三足鼎立的现象。黑人欣赏的音乐基本上以节奏布鲁斯为主，中产阶级以上的白人听的都是叮砰巷歌曲，而中西部的农村听众所喜欢的都是与农村生活有关的乡村音乐。然而，到了50年代中期（约1954～1956年期间），唱片市场出现了两个明显的现象，即\"市场交叉\"和\"翻唱版\"的出现。\"市场交叉\"是指原来在一个市场发行的唱片，同时在另一个市场也取得了很好的成绩。如有些歌曲在节奏布鲁斯销售榜上名列前茅，同时在波普（指当时的流行歌曲，叮砰巷歌曲的延续）榜上也倍受欢迎。看到这种有利可图的市场交叉情况，有些大唱片公司很快根据正流行的节奏布鲁斯歌曲制作出自己的版本，由此导致了大量\"翻唱版\"的出现。这个时候，原来隔开的三个市场突然间感觉中间的围墙倒了，在这片废墟中一种新的风格--摇滚乐正式诞生了。 摇滚乐的正式产生是在50年代中期，但是这个名词却在50年代初期就已出现。1951年，克利夫兰电台唱片节目主持人艾伦·弗里德（Alan Freed）从一首节奏布鲁斯歌曲《我们要去摇，我们要去滚》（We\‘re Gonna Rock ，We\‘re Gonna Roll）中创造出了\"摇滚乐\"（Rock n\‘ Roll）这个名词。1955年，电影《黑板丛林》（Blackboard Jungle）的上映对摇滚乐的产生带来了巨大的影响。它讲述的是一群学生造反的故事。一位中学教师面对这群学生唱起了一首歌，这首歌就是影片的插曲《昼夜摇滚》（Rock Around The Clock，例16）。这首歌曲在青少年中引起了极大的轰动。1955年7月，《昼夜摇滚》在波普排行榜上获得第一名，标志着摇滚时代的到来。它的演唱者比尔·哈利，也因此成了青少年崇拜的第一个摇滚乐偶像。从此，摇滚乐开始风靡全国。 1、 摇滚乐的来源 节奏布鲁斯（Rhythm＆Blues） 美国的种族隔离一直很严重，在住宅区、学校、教堂和各种社会设施中，白人和黑人都是分开的。在种族隔离的政策下，黑人保留着自己的宗教、语言、服饰、舞蹈和音乐。节奏布鲁斯像其他黑人音乐一样，拥有自己的群体。它被称作\"种族唱片\"，与白人音乐市场是分开的。 节奏布鲁斯是第二次世界大战以后布鲁斯音乐继续发展的结果。它在城市布鲁斯的基础上结合了摇摆乐和钢琴音乐布吉－乌吉的特点，声音变得更加有力，更加突出持续不断、向前推进的节奏。它还保留了黑人音乐即兴演奏的传统,合奏时仍然采用可以不断反复的12小节布鲁斯曲式与和声框架。第二次世界大战以前，布鲁斯唱片一直由小唱片公司经营，战后,由于黑人社会地位的改变，几家大唱片公司对黑人音乐产生了兴趣，此时，排行榜也开始用\"节奏布鲁斯\"来代替原来\"种族唱片\"的称呼。这个时期的代表人物有路易斯·乔丹（Louis Jordan，1908～1975）、乔·理京斯（Joe Liggins）等。节奏布鲁斯的特点在很多摇滚乐中得到了直接的体现，特别是早期的摇滚乐，好多都是节奏布鲁斯的\"翻唱版\"。70年代，节奏布鲁斯与福音歌（Gospel）相结合之后，使它的发展步伐逐步加快。以致70年代所有的黑人音乐都带有一股浓烈的节奏布鲁斯气息，特别是索尔音乐（详见索尔音乐部分）有时和节奏布鲁斯几乎难以区分（如马文·盖伊、杰克逊五兄弟等人的作品）。80年代以后，节奏布鲁斯融进了更多的流行音乐成分，使其变得更加商业化。比如当今的节奏布鲁斯，好多都已经失去了原有布鲁斯的特征，而强调反拍的律动成了它的主体，有时偶尔在演唱中还能找到几个由滑音而带出的布鲁斯音符。像近几年出现的所谓的节奏布鲁斯歌手白兰蒂和莫尼卡（Brandy＆Monica）、布莱恩·麦克奈特（Brian Mcknight）等人的音乐，其实已经不是真正的节奏布鲁斯了，如果硬要从理论上分析的话，只能把它看作是一种被商业化了的，被流行音乐市场漂白过的节奏布鲁斯。但是并不是所有的节奏布鲁斯都是如此，比如1997年的两首格莱美获奖作品：埃里克·克莱普顿（Eric Clapton）的《改变世界》（Change The World）和翠西·查普曼（Tracy Chapman）的《给我一个理由》（Give Me One Reason，例17）就是既融进流行音乐成分又保持布鲁斯特征的现代节奏布鲁斯佳作。节奏布鲁斯作为摇滚乐的重要来源之一，已成了历史的见证,它在影响了摇滚乐之后,自身的不断发展，又使其变成了当今流行乐坛最受宠爱的乐种之一。 叮砰巷歌曲（Tin Pan Alley） 20世纪50年代初，全国大多数人所听的流行音乐\"波普\"（POP）就是叮砰巷传统风格的延续。它带有好莱坞电影音乐、百老汇音乐剧和三四十年代盛行的摇摆乐的影响。叮砰巷是个地名，位于纽约第28街（第五大道与百老汇街之间）。从19世纪末起，那里集中了很多音乐出版公司，各公司都有歌曲推销员整天弹琴，吸引顾客。由于钢琴使用过度，音色疲塌，像敲击洋铁盘子似的，于是有人戏称这个地方为\"叮砰巷\"（或译为\"廷潘胡同\"）。叮砰巷不仅是流行音乐出版中心，也成为流行音乐史上一个时代的象征、一种风格的代表。它差不多延续了半个多世纪，从19世纪末直到20世纪50年代末。 叮砰巷歌曲一般都由白人专业作曲家所创作。不同时期、不同作者的风格各不相同，但有共同点。从内容来看以爱情为主，充满浪漫情调，或略带怀旧、伤感，或比较欢快、风趣，不管国内外发生什么事情，都很少在叮砰巷歌曲中得到反映。它主要表现生活中阳光的一面，好像美国人都在无忧无虑地享受人生；从表现形式来看，歌唱性的旋律、不复杂的节奏、自然音体系的和声（有时也出现变化和弦和乐句之间的转调），大都采用\"节歌-叠歌\"（Verse-Chorus，即主歌加副歌）形式（例18）。叮砰巷歌曲通常由职业歌手按谱演唱，讲究声乐技巧，有乐队或小合唱队伴奏，经常采用弦乐群作为伴奏的背景音色。如当时的著名流行歌手平·克劳斯比（Bing Crosby，1904～1977）、富兰克·辛纳特拉（Frank Sinatra，1915～1997）等都以演唱叮砰巷歌曲为主。叮砰巷歌曲流传的范围主要是城里的白人，很少扩展到黑人或下层人民中去。50年代摇滚乐的出现，使传统的叮砰巷歌曲在整个流行音乐中的地位受到了挑战。著名的叮砰巷作曲家有欧文·伯林（Irving Berlin，1888～1992），代表作品有《白色圣诞》（White Christmas）；科尔·波特 （Cole Porter，1891～1964），代表作品有《白天与黑夜》（Night and Day）；杰若米·科恩（Jerome Kern，1885～1945），代表作品有音乐剧《老人河》（Old Man River）；理查德·罗杰斯（Richard Rogers，1902～1979），代表作品有音乐剧《音乐之声》（The sound of music）、《蓝月亮》（Blue Moon）；乔治·格什温（George Gershwin，1898～1937），代表作品有《夏天时光》（Summer Time）、《蓝色狂想曲》（Rhapsody in Blue）。 乡村音乐（详见上文） 二、早期摇滚乐 50年代中期到60年代初期，摇滚乐从一个刚学会走路的幼儿迅速的成长起来，在这期间，摇滚乐舞台显现出了一片繁荣盛景。首先是两位先行者为摇滚乐的概念作出了更加完整的定位，接着又在众位摇滚明星的拥护下使其呈现出了三种不同的风格倾向。 1、比尔·哈利（Bill Haley ，1925 ～1981） 比尔·哈利，第一位被青少年崇拜的摇滚乐偶像，经常被人称作\"摇滚乐之父\"。他的音乐风格涉及乡村音乐、节奏布鲁斯和波普三个方面，也正好说明了50年代中期摇滚乐产生的三个源头。 1925年，比尔·哈利生于密西根州，父亲是纺织工人，会弹班卓琴，母亲是钢琴教师。比尔·哈利从小学习吉他，演唱乡村歌曲，也喜欢和熟悉节奏布鲁斯，并于1950年成立\"骑马人\"（Saddlemen）乐队。比尔·哈利在演唱乡村歌曲的同时，偶尔发现用乡村音乐风格演唱节奏布鲁斯歌曲也能被白人听众接受。1953年，他把乐队改名为\"彗星\"（Comets），并有意识地把乡村音乐与节奏布鲁斯强劲有力的节奏结合在一起。1954年，比尔·哈利录制了《昼夜摇滚》，起初只有一般的效果，但当它于1955年与电影《黑板丛林》结合在一起时，却产生了巨大的轰动。 70年代，比尔·哈利患上了狂想症，再加上酗酒的习惯，于1981年死于心脏病。作为摇滚乐先行者之一，比尔·哈利为摇滚乐的产生起到了不可磨灭的作用。 2、埃尔维斯·普莱斯利（Elvis Presley，1935～1977） 50年代最有影响的歌手是埃尔维斯·普莱斯利，素有\"摇滚乐之王\"的称号，他为摇滚乐的推广和普及做出了巨大的贡献。 普莱斯利，1935年出生于密西西比州的图佩洛。自幼家境贫寒，父亲是一名卡车司机，生活在白人社会底层，因与黑人杂居，社会地位与黑人同等。普莱斯利从小就接触白人与黑人两种文化，并在教堂福音歌的熏陶下长大。11岁开始学习吉他，因此，他既吸收白人音乐，又吸收黑人音乐。1948年普莱斯利全家迁往孟菲斯，他经常去城里的黑人区听B·B金等人的演唱。 1953年，普莱斯利中学毕业后，找到了一份卡车司机的工作。那年夏天，他到\"太阳\"唱片公司录音棚录制了两首歌曲，作为给他母亲的生日礼物。这时，唱片公司老板萨姆·菲利普斯（Sam Phillips）发现了普莱斯利的潜力，一个白人，却有着黑人的声音和感觉，于是便与他签约。1954年7月，发行了第一张唱片《那很不错》（That\‘s All Right）,在当地获得了出乎意料的成功。他的舞台表演（如扭动臀部等大幅度的动作），更是赢得了众多青年人的喜爱。1955年秋，他转签RCA胜利唱片公司。1956年随着《伤心旅店》（Heartbreak Hotel，例19）的发行，使其名声大振。1958年在他事业步入辉煌之时，他却离开了歌坛，放弃了演唱，应征入伍，直到1960年复员。从1962年到1968年，普莱斯利除了拍电影外，很少与听众接触，隐居在孟菲斯老家。1967年，普莱斯利与博利尤（Priscilla Beaulieu）结婚。婚后生有一女，但6年后他们因婚姻破裂而离婚，女儿判给了女方，他精神受到刺激，意气消沉。他的体重超过200磅，有损舞台形象。因此，他开始节食、吃减肥药，加上吸毒，健康大受影响。1977年8月16日因心脏病在家中去世，终年42岁。 一代歌王离开了人间，全国为之震动。截止他死时为止，至少售出了5亿张唱片。确实，普莱斯利的成功不是偶然的，有人说他是摇滚乐的化身。他的模样逗人喜欢，带有一种不落俗套的反叛性；他信仰宗教、孝顺父母、爱国（如志愿入伍）、从不逃税。最重要的是他比任何一位歌手都更出色地把两种文化（黑人文化和白人文化）结合在一起。而且，普莱斯利还在两种文化的基础上唱出了更多的音乐风格。他的歌唱既有呼喊型的，也有温和型的，内容涉及爱国的、宗教的、逃避现实的、社会评议的、乡土气息的、浪漫情调的不同方面，以此满足了不同阶层的需要。他成了不同音乐爱好者都喜欢的人物。普莱斯利死后，音乐产业很想再找一位像他那样多面的歌手，但一直没有成功。 3、三种风格倾向 主流摇滚（Main Stream Rock） 在摇滚乐的三个来源中，我们已经提到过，节奏布鲁斯是摇滚乐最重要的来源。节奏布鲁斯的特点也在摇滚乐中得到了保留和发展，由此形成了50年代摇滚乐中的主流风格。节奏的作用在所有摇滚乐中都很明显，但在主流摇滚中更被突出。摇滚乐一般为四拍子，在传统的四拍子中二、四拍是弱拍，许多主流摇滚却强调二、四拍力度，也有的主流摇滚对每小节的四拍同等强调。主流摇滚比节奏布鲁斯在节奏上的变化更快些，反拍的力度更厚重，感觉更强烈。在乐队中，鼓手与其他乐手一样重要，不只是单纯的敲击拍子，钢琴和吉他也经常参与节奏的组成。而且他们还与贝司一起形成明显的低音线条。乡村音乐和波普的低音通常是每拍或每隔一拍有个低音，主流摇滚像节奏布鲁斯那样吸收了布吉－乌吉的元素后，不只是提供简单的和弦低音，而是一个短小的旋律音型，提供和弦的三四个音，有的还增加一二个和弦外音（例20）。 主流摇滚继承了节奏布鲁斯强劲有力的演唱风格。对于白人来说，过去很少有这样的类型，但在节奏布鲁斯那里却有几十年的发展历史了。主流摇滚还经常采用12小节布鲁斯曲式结构，或以此为基础加以变化。如普莱斯利演唱的《猎犬》（Hound dog）、《监狱摇滚》（Jailhouse Rock），小理查德（Little Richard）演唱的《露西》（Lucille，例21）等。50年代最能体现这种呼喊型摇滚乐特点的歌手是小理查德。 小理查德，1932年出生于美国左治亚州的梅肯，是全家12个小孩中的第三个。他从小家境贫寒，在家庭的影响下虔诚的信仰上帝，参加当地教堂的唱诗班。 小理查德的演唱十分狂热，连唱带喊加上跳，总是满头大汗的样子。1957年，他投身于宗教，断绝了一切演出活动。1962年，他赴英国巡回演出时受到披头士的鼓舞，又决心重返摇滚乐坛。到了60年代末，他的风格显得有点过时了，但他的影响仍可从其他摇滚歌手中显示出来。70年代，他企图重整旗鼓，但因卷入吸毒、酗酒和同性恋而未能如愿。80年代初，他再一次放弃狂放的生活方式而转向宗教。 温和摇滚（Soft Rock） 主流摇滚受波普的影响很少，但其他摇滚乐结合了波普的成分，则形成了一种比较温和的摇滚乐风格。有人对这种摇滚乐嗤之以鼻，称它为\"廉价摇滚\"，但它却有着自己的市场。事情往往是相对的，有了比较强劲的主流摇滚风格，一定会出现它的对立面--温和摇滚。普莱斯利为发展温和摇滚树立了样板，如50年代的《想你、要你、爱你》（I want you，I need you，I love you）、《别》（Don\‘t）、《温柔地爱我》（Love me tender，例22）等歌曲。60年代，他有更多的作品朝着温和摇滚的方向发展，有的简直与波普没有区别。 山区摇滚（Rockabilly） 山区摇滚通常是具有乡村音乐背景的白人乐手，因受节奏布鲁斯影响而形成的一种摇滚风格。它由摇滚乐与乡村音乐的前身--山区音乐相结合而成，就像\"rockabilly\"这个词本身所表示的那样：由\"Rock\"和\"Hillbilly\"两个词组合而成。山区摇滚于50年代产生在美国南方，是乡村摇滚的前兆，它按照山区音乐的演唱方式，通常采用原声吉他作为节奏性乐器。另外，在传统乡村音乐中从不使用的鼓也出现在山区摇滚中。从整体看，很难精确地划分山区摇滚与主流摇滚的区别，它与主流摇滚一样，具有强烈的、不断向前推进的节奏，只是强烈程度有所减轻和冲淡，不用呼喊的演唱方式，音高也是清楚的。有人认为它的风格不纯，不是真正的摇滚；也有人认为，这样一来摇滚乐可以被更多的人所接受。其实，比尔·哈利的那首《昼夜摇滚》就是采用了节奏布鲁斯的材料，用它所熟悉的乡村音乐加以修饰而成，它不仅为主流摇滚乐，也为山区摇滚打下了基础。最有影响的山区摇滚代表是\"埃弗利兄弟\"演唱组（Everly Brothers）。 \"埃弗利兄弟\"由唐·埃弗利（Don Everly，1937年出生）和菲尔·埃弗利（Phil Everly，1939年出生）两兄弟组成。它们以普莱斯利为榜样，向着山区摇滚方向发展，取得了很大成功。音乐上，他们没有直接受到节奏布鲁斯的影响，基本上保持了传统的山区音乐风格，演唱时注重和声的运用。1988年，\"埃弗利兄弟\"首批被正式列入《摇滚名人录》。 主流摇滚、温和摇滚和山区摇滚，这些名词只是用来说明摇滚乐风格的不同倾向。每个歌手都有自己的演唱特点，有的典型地体现了某种倾向，有的则不然。即便是同一歌手，不同时期、不同作品也有区别。因此，不宜给歌手硬贴标签。 2、 其他摇滚歌手 在早期摇滚乐中，除了以上提到过的歌手以外，还有很多歌手为摇滚乐的发展都做出过贡献。下面主要介绍几位成绩较为突出的代表歌手： 查克·贝里（Chuck Berry） 1926年，查克·贝里出生于美国的圣路易斯，童年时就在教堂的唱诗班里唱歌，中学时学习吉他，后来又学习钢琴和萨克斯管。贝里从小就在黑人音乐的熏陶下长大，特别是节奏布鲁斯，是他的主要音乐根基。 对于贝里来说，除了他的歌曲以外，它的歌词创作和吉他演奏都对摇滚乐产生过重大影响。贝里的歌词，与当时一般摇滚乐的陈词滥调或无意义的音节相比，水平显得要高些。它一定程度上反映了50年代美国新一代青少年的心理和要求。贝里的演唱采用呼喊式的风格，但发音比较清楚。他的吉他演奏更是迎来了大量的追随者。可以这么说，在吉他天才吉米·亨德里克斯（Jimi Hendrix）出现的前十年，贝里为摇滚乐的吉他风格树立了样板。 杰瑞·李·刘易斯（Jerry Lee Lewis） 杰瑞·李·刘易斯，1935年出生于美国路易斯安那州的费里德，是一位白人摇滚乐手。他出生于南方小城镇的穷苦人家，从小受节奏布鲁斯和福音歌的影响，习惯用12小节的布鲁斯结构和布吉－乌吉式的钢琴演奏。刘易斯擅长表现快速的硬摇滚歌曲，表演姿态十分花哨，弹琴时总有各种不同的身体动作与之配合。 刘易斯在婚姻问题上的越轨行为（多次不合法的婚姻）断送了他的音乐前程。他在摇滚乐界的时间虽然不长，但影响却很大。他独特地结合了乡村音乐和节奏布鲁斯，他的钢琴风格、演唱风格，甚至生活方式都影响了同时代人和后来人。他一直想成为摇滚乐之王，但这梦想却断送在自己的手里。 巴迪·霍利（Buddy Holly） 巴迪·霍利，死后成为传奇人物。他的歌曲直到60年代，甚至70 年代还在流行。 \"胖子\"多米诺（Fats Dimino） \"胖子\"多米诺，1928年生于美国的新奥尔良，音乐家庭出身，9岁开始学习钢琴，14岁中学退学开始参加演出。 多米诺和小理查德一样，都是南方黑人，都是自弹（钢琴）自唱，音乐背景都是节奏布鲁斯。但是，他的风格显得比较文雅，比较有控制，不太猛烈也不那么耀眼。他的演唱也不像小理查德那么粗声粗气，不带威胁性。他的个人生活更是无可挑剔。 50年代的摇滚乐并不全都是新作品，还有一种做法就是根据旧的波普歌曲按照摇滚乐的风格加以改编，增加摇滚乐的低音声部和明显的摇滚节拍。多米诺在这方面取得了较为突出的成绩。 5. 冲浪音乐(Surfing Music) 摇滚乐的兴起,遭到很多人的反对。这种反对来自教育界、宗教界、行政界以及学生家长等各个方面，他们从道德、管理、青少年教育、社会风气等各个角度对摇滚乐提出批评。 到50年代末60年代初的时候，摇滚乐浪潮好像已经过去。前面提到的众多明星中，小理查德转向宗教；刘易斯因生活丑闻退出摇滚乐坛；查克·贝里因雇用妓女而蹲了监狱；巴迪·霍利去世；多米诺和普莱斯利的歌曲也都转向波普方向。主流摇滚、山区摇滚和温和摇滚这三种摇滚乐中，主流摇滚很少再出现新的东西，很难取得前几年那样的主导地位；山区摇滚向温和摇滚靠拢。与此同时，出现了一些新的风格，其中以冲浪音乐的影响最大。 作为摇滚乐的一种，它只是把对流行音乐的兴趣和对冲浪运动的热爱结合起来，歌唱海浪、海滩聚会、摩托车、女孩，冲浪的体验等等。冲浪歌手最关心的社会问题就是当地的药房里防晒油的销售量，而对社会问题却漠不关心。 最早的冲浪音乐出现在1956年，代表作品是罗伊·奥比森（Roy Orbison）的《半蒙面具》（Domion），它有着波浪般起伏的节奏和吉他音响。但冲浪音乐流传开来并产生全国影响，是由\"沙滩男孩\"（The Beach Boys ）乐队于1961年和1962年先后发行的《冲浪》（Surfin\‘）和《冲浪旅行》（Surfing Safari）这两首歌曲引起的。 \"沙滩男孩\"由南加利福尼亚的5名中学生组成，他们是布莱恩·威尔逊（Brian Wilson ）和他的两个弟弟，加上他们的表兄麦克·洛夫（Mike Love ）和一位朋友沃·贾丁（ Al Jardine ）。其中威尔逊是乐队的核心人物。他们的代表作品还有：《美国冲浪》（Surfin\‘ U.S.A）、《冲浪姑娘》（Surfer girl）、《有趣、有趣、有趣》（Fun,Fun,Fun）、《罗达救我》（Help Rhonda）和《加利福尼亚姑娘》（California girl）等。随着时间的推移，威尔逊越来越对录音技术的运用感兴趣，而且开始不满足于那种无忧无虑的冲浪音乐。1966年，他们花了六个多月时间，通过四个不同的录音棚实验，推出了他们最畅销的一首歌曲《良好的精神感应》（Good Vibrations），于同年12月登上流行音乐榜首。当时，一首摇滚乐曲一旦确定了它的速度、节拍、调性和织体后，在持续约二分半钟的时间内，基本上就不会有太大变化。《良好的精神感应》却不同，它在速度、织体、节奏和音色方面都有很多变化，混合了多重音响，也许是直到那时为止最复杂的一首歌曲。与此同时，只有\"披头士\"也在进行着类似的实验。在这之后\"沙滩男孩\"继续推出了一系列作品，但是再没有取得以前那样的成功，在听众的心目中，他们所发出的声音，仍然是与单纯的冲浪游戏联系在一起的。 从历史角度上讲，冲浪音乐只是一种短暂的过渡性音乐，但是，它那极具个性的音乐特征却吸引了当时不少的青年听众。如果为冲浪音乐的特点作一简单归纳，大致可以分为以下几点：（1）音乐以自然音为主；（2）节奏轻快而富有动力；（3）声乐部分有大量的密集和弦构成的合唱；（4）注重电吉他效果的运用；（5）曲式结构多为节歌－叠歌形式。 三、"披头士"与英国摇滚乐 摇滚乐的兴起把原来的流行音乐和流行音乐产业闹得天翻地覆。一些著名的波普歌手的声音被普莱斯利、小理查德和刘易斯等人的摇滚歌声所替代，五大唱片公司统治的唱片工业遭到了几百家小唱片公司的侵袭。一个面向成年白人的市场变成了面向青少年的市场，这些青少年对黑人文化越来越感兴趣。从这个意义上来说，摇滚乐确实迎来了一场革命。但是，这场革命在1964年当它即将进入第二个十年的时候，却失去了当初的锋芒。主流摇滚让位于温和摇滚、波普、冲浪音乐等，一时间，围绕60年代的摇滚乐将如何发展引来众说纷纭。而这个时候的美国社会也正处于混乱之中。在这种情况下，原来属于美国人的摇滚乐却让英国人闯了进来。在"披头士"（ The Beatles）乐队的影响下，美国正趋消散的摇滚乐开始重获生机，由此掀起了摇滚乐历史上的一次新的高潮。 1、"披头士"的发展历程 就像50年代的摇滚乐以普莱斯利为代表一样，60年代推动和支配摇滚乐坛的主要代表是"披头士"。不仅如此，"披头士"也是至今为止世界上最成功的摇滚乐队。 1958年，英国利物浦青年约翰·列农（John Lennon,1940～1980，主唱兼节奏吉他）组织了一个乐队，参加这个乐队的有当地青年保罗·麦卡特尼（Paul McCartney，生于1942年，贝司兼主唱）、乔治·哈里森(George Harrison,1943～2001，主音吉他)和另外两位青年。乐队曾几经易名，开始起名为"甲壳虫"（Beetles），最后列农故意把Beetles拼作Beatles。1962年，另外两名青年先后离队，林格·斯塔尔（Ringo Starr，生于1940年，鼓手）加入其中，"披头士"的四名队员从此固定下来。1961年，利物普唱片公司的老板布莱恩·爱泼斯坦（Brian Epstein）发现了他们的巨大潜力，成了他们的经理人。首先,他所做的事情是包装"披头士"的外形：长头发、无领四扣的上衣、烟囱似的长裤子和矮靴子。1962年，EMI下属的"帕洛风"（Parlophone）唱片公司经理乔治·马丁（George Martin）与"披头士"签约，并与同年9月发行《爱我吧》（love me do，例23）和《附言：我爱你》（P．S．I love you）两首歌曲。1963年3月又推出一首《请让我愉快》（Please，Please me），引起了极大的轰动并登上了榜首。同年由"帕洛风"发行的其他歌曲如《从我到你》（from me to you）、《他爱你》（she loves you）、《我想握住你的手》（I want to hold your hand）接连获得第一。"披头士"因此而名声大振。11月，"披头士"被邀请在皇家综艺剧场参加演出，英王太后和玛格丽特公主都出席了现场。1964年，"披头士热"传到了美国，美国流行音乐排行榜差不多成了披头士的天下。大街小巷到处飘荡着披头士的声音。同年，他们的第一部电影《辛劳之夜》（A hard day‘s night）放映，同样引起了轰动。影片的主题歌使"披头士"荣获当年格莱美最佳演唱小组奖。1965年6月，"披头士"还获得了英国女王伊丽莎白二世颁发的不列颠帝国勋章。 到此为止，主要是"披头士"的早期活动。从他们的歌曲中可以看到，早期的风格都比较简单、明快、无忧无虑，而且还便于舞蹈，在艺术上缺乏创新。 到了1965年末的时候，"披头士"已经取得了很少歌星能够取得的优越地位：不管他们演什么，听众都能接受。听众认为："披头士总是对的。"因此，他们利用自己的有利地位大胆实验，摆脱流行音乐的老一套，从而对摇滚乐的发展做出贡献。正在这个时候，麦卡特尼和列农的不同个性开始显露出来。保罗·麦卡特尼是保守的、易动感情的，渴望给人快乐，愿意顺从习惯的；约翰·列农是反叛的、进攻性的，酷爱讽刺，擅长文学，而且在音乐上没有那么高的天分。 1965年，麦卡特尼完成了一首歌曲《昨天》（Yesterday，例24），并采纳乔治·马丁的建议，用弦乐四重奏形式来伴奏。很快这首歌就登上了排行榜榜首，而且据统计，至今它的翻唱版本已超过了2500多种，创历史之最。但是，列农并不喜欢这首温柔的抒情歌曲。接着，他们推出的三张专辑《橡胶灵魂》（Rubber Soul）、《昨天和今天》（Yesterday and Today）、和《左轮手枪》（Revolver），实验成分逐渐加大，表现了"披头士"已从早期在歌曲中大呼"耶、耶、耶"，开始过渡到艺术上追求专业技巧、力求更加精致的阶段。 《橡胶灵魂》 首先从封面上看就与前不同。"披头士"四个人的面孔都有点变形，这种多多少少的超现实手法暗示了后来被称作"迷幻摇滚"的音乐。专辑中包括了《单字》（The word）、《米歇尔》（Michelle）、《在我的生活中》（In my life）等歌曲，其中另一首歌曲《挪威的森林》（Norwegian wood）中运用了印度的西塔尔琴（Sitar）而独具特色。 第二张专辑《昨天和今天》仅在美国发行。其中《哪里都不去的人》（Nowhere man）的歌词受民谣摇滚的影响，显示了更多的社会评论的性质。 在第三张专辑《左轮手枪》中，《埃莉诺·里格比》（Eleanor Rigby）使用了弦乐八重奏形式，这种歌曲从很多方面预示了后来发表的《佩伯军士的孤心俱乐部乐队》的风格。通过这三张专辑的制作?quot;披头士"积累了大量录音棚实验的经验，于1967年推出了他们最经典的一张专辑《佩伯军士的孤心俱乐部乐队》（Sergeant Pepper‘s lonely hearts club band）。这张专辑由"披头士"与管弦乐队合作，在制作人马丁的监制下用了四个月的时间制作而成。它不仅是"披头士"长时间艺术探索的鼎盛之作，同时在摇滚乐历史上也占有重要的地位。 《佩伯军士》是一套组歌，共12首歌曲。标题曲《佩伯军士》不仅是组歌的开始曲，也作为统一全曲的主题反复出现。这里的佩伯军士实际上就是代表"披头士"乐队自己，他们在一种迷幻音乐会的气氛中进行一系列的演唱。比如《缀满钻石的天空中的露西》（Lucy in the Sky with Diamond），歌名几个单词的开头字母LSD即明显暗示了此曲与麻醉药有关，歌词中又出现了各种迷幻景象，但是列农辩白说，这是从他4岁大的儿子的绘画中获得的灵感。音乐上每段节歌都是从三拍子转到四拍子的叠歌，在摇滚乐中是首次出现拍子的转换，这使歌曲不再具有通常摇滚乐的舞蹈性质。录音效果上运用了加大混响和正常人声的对比等等。《拥有你，失去你》（within you without you）则显得缺少规整，乐句长短不匀；从整体上看，迷幻成分较浓，给人带来一种类似催眠的效果。《当我64岁的时候》（when I‘m sixty-four）是麦卡特尼为他刚过64岁的父亲而写的，歌曲把人们带回到30年代类似拉格泰姆的风格中。《生活中的一天》（A day in the life）是最后一首曲子，歌词明显地涉及吸毒，内容比较消极，表现了对日常生活的厌倦，因此引起了听众的争议。 总的来说，《佩伯军士》是流行音乐历史上一项空前的创举，此专辑荣获1967年格莱美最佳唱片奖，但这也成了"披头士"乐队走向散伙的转折点。 《佩伯军士》以后，"披头士"的道路开始出现滑坡。首先，经理人爱泼斯坦于1967年因吸毒过量而去世，给"披头士"带来了不祥的预兆；而后，乐队内部出现矛盾。特别是列农结识了日本先锋派艺术家大野洋子（Yoko Ono）后给他的生活和艺术带来了极大的影响，列农常把时间花在与她的合作上，而对"披头士"的事情也不再那么热心了。尽管如此，在"披头士"解散以前，除了一些单曲如《嘿，裘德》（Hey Jude）、《革命》（Revolution）外，还是发行了三张专辑：《披头士》（The Beatles）、《修道院路》（Abbey Road）和《顺其自然》（Let It Be）。 《披头士》专辑是一套双张唱片，封面是全白的，故又名《白色专辑》（The white album）。《白色专辑》共30首歌曲，风格极不相同，其实这张专辑并不是乐队的集体创作，只是把个人的作品巧妙的凑到了一起而已。比如：《回到苏联》（Back in the U．S．S．R）是一首主流摇滚歌曲；《为什么我们不在路上这么做》（Why don‘t we do it in the road）采用的是传统的节奏布鲁斯演唱风格和12小节布鲁斯曲式结构；《蜂蜜馅饼》（Honey Pie）是一首古老的波普歌曲复制品；风格最特别的是列农创作并坚持放在其中的《革命之9》（Revolution 9），它的长度超过了8分钟，由各种各样的声音拼接而成；接着同样是列农创作的《晚安》（Good night），是由管弦乐伴奏的一首地道的波普歌曲；《无情的浣熊》（Rocky Raccoon）是一首幽默的叙事歌，由麦卡特尼创作并演唱，用原声吉他和口琴伴奏。《白色专辑》在音乐上和商业上都取得了很大的成功，在专辑排行榜上获第一名，持续9周。 《修道院路》的标题指的是百代公司（EMI）的录音棚所在地，"披头士"在那里录制了大量的作品Ｏ瘛栋咨芬谎母鋈硕脊毕琢俗约旱淖髌罚烧隼侄友莩⒀葑唷Ｕ庹抛邪斯锷摹赌呈隆罚⊿omething）、《太阳出来了》（Here comes the sun）；列农的《一起来》（Come together）、《我需要你》（I want you）；麦卡特尼的《哦，亲爱的》（Oh，darling）、《因为》（Beause）等歌曲，都具有很强的吸引力，使《修道院路》成为"披头士"最畅销的专辑，在排行榜上连续11周夺冠。 《修道院路》以后，"披头士"再也没有聚集在一起录制专辑。1969年，列农和大野洋子发行了一首单曲《给和平一个机会》（give peace a chance），1970年5月，斯塔尔发行了专辑《多情的旅程》（sentimentai journey），麦卡特尼和哈里森也都忙着准备自己的专辑。显然"披头士"的成员们已经分道扬镳、各奔东西了。1970年4月，"披头士"的又一部电影《顺其自然》（Let it be）上映，同时也发行了同名专辑。这些歌曲实际上都是一年以前录制的，"披头士"成员们谁也没兴趣对它投入精力，最后由美国一位制片人帮着编辑、混合而成，但是专辑的主打歌曲《顺其自然》中以"柱式和弦"为主要伴奏织体的方法被日后的摇滚乐队普遍采用。 "披头士"从成立到解散共创作歌曲约200首，其中有强劲的主流摇滚（Mainstream Rock）、先锋派摇滚（Avant-garde Rock）、迷幻摇滚（Psychedelic Rock）、交响摇滚（Symphonic Rock）以及轻松愉快的摇滚小曲等各种风格。主要题材是爱情，也有些歌词（主要是后期）涉及社会事件、人际交往、怀念家乡、和平友爱、药物体验以及一些超现实主义的或无意义的意识流歌词等。他们继承了摇滚乐头十年的成果，以自己的创造和革新，丰富和发展了摇滚乐，把摇滚乐带到了一个新的历史阶段。从此，摇滚乐不再只是一种单纯的娱乐音乐，它有了更多的让人思考的东西，更多的隐藏在音乐背后的东西。60年代成长起来的英美两国的年轻人，很少不与他们的歌声发生联系。可以说他们的歌声影响了一代人的艺术趣味、服装发式、生活方式和人生态度。"披头士"的出现使更多的学者开始研究摇滚乐现象，以及摇滚乐的音乐和歌词，以致后来大学里也开设了摇滚乐课程（这在60年代初还是不可想象的）。 1970年"披头士"解散以后，乐队成员作为个人继续活跃在摇滚乐坛。四人中取得最大成功的是麦卡特尼，他和他的妻子组建?quot;双翼"（Wings）乐队，其中发行的很多专辑都很受欢迎。列农的日子则更带传奇色彩。他与妻子大野洋子组建了"柔顺的洋子"（Plastic Ono）乐队，并于1971年离开英国移居美国纽约，而后卷入各种政治活动，并创作了如《权力归于人民》（Power to the people）等歌曲，同年发行的专辑《遐想》（Imagine）可能更好地代表了他心目中的理想世界。1975年，列农为了和妻子、儿子安静地生活在一起，放弃了一切公开的音乐活动，整整5年没有露面。1980年，他再次复出，发行专辑《双重幻想》（Double fantasy），使乐迷们欣喜若狂。不料，就在当年的12月，在曼哈顿自己公寓前，列农被一名患有精神病的歌迷枪杀身亡，时年40岁。 2．"披头士"的创作手法 1966年以前，摇滚乐被认为是一种简单的、喧闹的音乐，具有较快的、强烈地4/4拍子，一般化的旋律、缺乏新意的歌词、三个和弦的和声；一首曲子的长度约2分半钟左右；结构简单，包含了很多重复。但是，到了1967年下半年时，这种老的模式被打破了。到60年代末，任何摇滚乐队，只要它有足够的创造性，可以奏出任何声音，基本上没有限制。虽然，其他摇滚乐手也对此做出了贡献，但是，主要的贡献却来?quot;披头士"。 （1） 节拍、节奏与速度 传统的摇滚乐的节拍一般都是一贯到底的4/4拍，很少有例外。而在"披头士"的歌曲里，不仅有2/4、3/4、6/4等节拍，还有各种节拍的混合使用，转换十分自如。如：《你所需要的只是爱》（All you need is love）中的一个片断，是3/4拍和4/4拍的混合（例25）。 再如《黑鸟》（Black bird）中的节拍转换更为自由，3／4拍、4／4拍和6／4拍交替出现（例26）。 流行歌曲中很少使用的5/4拍但也能够在"披头士"的歌曲中找到，如《早上好，早上好》（Good morning ，Good morning例27）。 各种节拍的混合使用，使得歌曲的节拍重音律动飘忽不定，所以给人带来一种清新的感觉。 在歌曲的节奏处理上，"披头士"善于运用各种时值的"节奏连音"来改变节拍单位的固有时值，使节奏变得更为生动。如《永远的草莓地》（Strawberrt fields forever）中的一个片断（例28）。 在这个片段中，除了常规的八分音符三连音外，还有四分音符的三连音，再加上正常时值的四分音符和八分音符，在短短的几小节中出现如此多的节拍单位，这在传统的摇滚乐中是十分罕见的。 人为地改变正常节拍中的重音位置，造成一种节奏上的暂时"离调"，这是爵士乐中常用的手法。?quot;披头士"的歌曲中，这种手法也时有所见。如《生活中的一天》（A day in the life）伴奏中的一个钢琴片断（例29）， 它通过对重音的改变，将节拍律动由4/4拍暂时改换成了3/16拍。 从速度上看，传统的摇滚乐大都比较快，人们认为中速和慢速只适合于流行歌曲，"披头士"对此也进行了突破。《一起来》（Come together）和《负重》（Carry that weight）都是"份量"较重的摇滚歌曲，但其速度只有每分钟80拍，《我需要你》（I want you）向来被认为是"重金属"的先驱之作，每分钟却只有45拍。 （2） 曲式结构 直到60年代初，大部分流行歌曲和摇滚乐仅采用有限的几种曲式，如： a．12小节布鲁斯曲式 前奏 |12小节| 12小节| 间奏 | 12小节| 尾声 || b．AABA曲式 前奏| A | A | B | A | 间奏 | B | A | 尾声 || 又如，乐句长度为4小节，全曲长度约2分钟左右等等。在披头士的早期创作中，有许多歌曲的结构也都是遵循以上几种模式。随着创作个性的日趋成熟，他们开始摆脱了这种限制。 首先，他们的歌曲篇幅加长了。如《生活中的一天》，五分多钟；《我需要你》，有七分半；《革命之9》（Revolution 9）超过了八分钟。 当然，通过反复来拉长歌曲的篇幅，这是最简单又常用的方法。"披头士"的《嘿，裘德》和《我需要你》就是这么做的。但是，他们的许多歌曲是通过不同段落的对比组合来建立一个较为庞大的曲式结构的。如《生活中的一天》（例30），曲式结构图如下： ---A--- -B- - A‘- 结 构：前奏 + a1 + a2 + a3 + 间奏 + b + a4 + 尾声 小节数： 4+4+2 4+5 4+5+3 5+5+10 4+5+3 这是个十分独特的结构。从主题材料上看，这首歌有两个主要音乐材料：a与b，构成一个带再现的三段体结构ABA‘。然而，从整个篇幅和音乐发展的逻辑上看，这首歌似乎又是一个二段体：A+B、A‘。再看A、B、A‘每个部分的内部结构又各不相同，形成了一个变化丰富而又高度统一的曲式结构。 这首歌的另一个特点是：它的乐段打破了以4小节及其倍数（8、12、16等）为单位的方整结构。如a3乐段由一个4小节乐句和一个5小节乐句再加上一个3小节的补充乐句而构成。B乐段更为奇特，是两个5小节的乐句加上一个11小节的托腔而构成。 这种非方整性的乐句、乐段结构与上面介绍的"节拍转换"一样，也是"披头士"的常用音乐语汇。如著名的《昨天》的结构就非常独特（例31）。 它是一个七小节的乐段，由一个3小节乐句和两个2小节乐句构成，形成一个3+2+2结构的乐段。这个乐段看似奇怪，但演唱起来却十分自然流畅。 （3） 和声与调性 在"披头士"以前，除了"沙滩男孩"，绝大部分的摇滚乐在和声方面也都比较简单。通常只用自然大调的三个基本和弦 I 、IV、V，而"披头士"的和声既不同于传统的"12小节布鲁斯曲式"中所用的 I-IV-I-V-I 的和声序列，也不同于流行歌曲中的 I-VI-IV-V 的进行方式，而是别出心裁，进行大胆的探索、革新。 在和弦的运用上，他们突破了流行歌曲以"自然音和弦"为主的传统，广泛运用各种类型的"变体和弦"。如《永远的草莓地》中的第一段（例32）。 较多地使用变体和弦，会使音乐的调性发生游移，这种调性游移的和声手法在大型的古典音乐作品中用得比较多，但是在结构短小、曲调简单的流行歌曲中却是极为少见的。 "披头士"还善于将各种非"功能"性的调式化和声语汇用于创作中，使作品的和声呈现出丰富、清新、奇特的面貌。如《为凯特先生的善行》（Being for the benefit of Mr.Kite）中的第一句,除了IIm、V 两个和弦属于C大调，其余三个和弦均来自同主音小调（例33）。 （4） 音色与配器 "披头士"在节奏、曲式、和声等音乐技术上的创新固然重要，但对普通听众来说，最为吸引他们的可能还是音色的运用。 从演唱上看?quot;披头士"最主要的音色是人声。主唱约翰·列农和保罗·麦卡特尼都有着较强的音色变化能力。在《昨天》（Yesterday）、《漫长而曲折的缆贰罚═he long and winding road）中，麦卡特尼的声音温柔而抒情；在《哦，亲爱的》（Oh，darling）和《为什么不在路上这么做》（Why don‘t we do it in the road）中，他的声音又变成传统的"节奏布鲁斯"式的喊唱风格。再如列农在《缀满钻石的天空中的露西》（Lucy in the sky with diamond）中采用了一种懒洋洋的"迷幻式"唱法，但有时候他的声音却非常干净，有时也变得非常的粗犷。 前面我们已经提到，"披头士"的阵容为主音吉他、节奏吉他、贝斯和鼓。但是，他们在制作唱片时，经常加入其他的乐器以加强作品的织体结构。如： 《昨天》（Yesterday）中运用了弦乐四重奏； Yesterday视频 Yesterday试听 Beatles 介绍 《埃莉诺·里格比》（Eleanor Rigby）中运用了弦乐八重奏； 《你得藏起你的爱》（you‘ve go hide your love away）中运用了长笛； 《因为》（Because）中运用了古钢琴； 《潘尼小巷》（Penny lane）中运用了短号； 《黄色潜水艇》（yellow submarine）中运用了铜管乐队； Yellow submarine试听 《为凯特先生的善行》（Being for the benefit of Mr.Kite）中运用了管风琴和低音口琴； 《蜂蜜馅饼》（Honey pie）中运用了双簧管； 《生活中的一天》（A day in the life） 中运用了管弦乐队。 除了常规的西洋乐器外，"披头士"还在歌曲中运用了许多印度的民族乐器。如： 《挪威的森林》（Norwegian wood）中的西塔尔琴（Sitar）； 《拥有你，失去你》（Within you，Withuot you）中的塔布拉鼓（Tabla）和迪尔鲁巴琴（Dilruba）等。 为了丰富作品的表现力，"披头士"的歌曲中还时常融入各种自然音响。如： 《回到苏联》（Back in the U.S.S.R.）中飞机的轰鸣声； 《早上好，早上好》（Good morning，Good morning）中的鸡叫声以及各种动物的鸣叫声； 《黑鸟》（Black bird）中的鸟鸣声； 《黄色潜水艇》（Yellow submarine）中的各种嘈杂声等等。 "披头士"在音乐手法上的创新，对当时和后来的摇滚乐都产生了巨大的影响。因此，"披头士"在摇滚乐历史上被誉为"最伟大的乐队"，他们授之无愧。 3、"滚石"和其他乐队 随着"披头士"在1964年第一次登上美国大陆取得成功以后，英国其他摇滚乐队也纷纷来到摇滚乐的故国演出。摇滚乐已不再是美国的专有产品。在后来的发展中，我们可以看到，摇滚乐的有些重要倾向是由美英两国共同建立，甚至是从英国首先开始的。 如前所述，"披头士"的音乐中既有温和的一面，又有粗犷的一面。它反映了麦卡特尼和列农两人不同的创作个性，但也多少启示了日后访美的英国摇滚乐，以至整个摇滚乐的两大类型，即，一类比较温和、精美，很少反叛性；另一类更加粗犷、猛烈，发展了主流摇滚中的强劲风格。可能由于披头士早期的可爱形象给人留下了深刻的印象，所以，一般人都把"披头士"当作是前一种摇滚乐类型的代表，而把英国另一个重要的摇滚乐队"滚石"当作是后一种摇滚乐类型的代表。 "滚石"（The Rolling Stones）乐队 "滚石"乐队是由主唱迈克尔·贾格尔（Michael Jagger，生于1943年）和吉他手兼创作者凯思·理查德（Keith Richard,生于1943年）为核心于1961年成立的。他们俩人都对节奏布鲁斯有着浓厚的兴趣。后来，又吸收了布莱恩·琼斯（Brian Jones，吉他手）、比尔·怀曼（Bill Wyman，贝司手）和查理·沃茨（Charlie Watts,鼓手）共5人，并以布鲁斯歌手马迪·沃特斯的一首歌曲《滚石》（Rolling Stone）作为乐队的名称。 最初，"滚石"的创作只是模仿披头士的风格，连穿着打扮也和披头士一样。后来，他们决意脱掉披头士式的服装，穿上街上最随便的服装，把头发留得比披头士还长，乱蓬蓬的，树立起"粗鲁、叛逆、威胁"的形象。在音乐上，他们与"披头士"反其道而行之，主要是在黑人传统音乐的基础上，强化布鲁斯音乐的浓烈风格，突出摇滚乐的厚重节拍。1964年，"滚石"发行的一张唱片《滚石》表明了强劲的节奏布鲁斯音乐在英国的真正出现。同年，他们两次来到美国；1965年第三次访美。1969年，"滚石"再一次来到美国，并在西海岸举行了一场类似"伍德斯托克"（Woodstock）的音乐会。由于安排不当，现场出现混乱，造成4人死亡的恶性事件。 70年代，仍然是"滚石"的全盛时期，他们到处巡回演出，从他们的表现和乐迷们的行为来看，它已成为摇滚乐坛最叛逆、最反社会、最享乐主义的典型。 "滚石"是世界上最持久的一个乐队，成立迄今已有30多年，影响波及三代人，但它的音乐总的来说比较简单。"滚石"与"披头士"虽然都基于同一块土壤，即50年代的摇滚乐，但却向着两个不同的方向发展。"披头士"走上了革新的道路，"滚石"则继续主流摇滚风格，突出和强化节奏布鲁斯最原始、最基础的部分。"滚石"为70年代的硬摇滚（Hard Rock），朋克摇滚（Punk Rock）以及80年代的重金属（Heavy Metal）开辟了道路，在这方面，它的影响比其他任何乐队都大得多。 60年代来到美国访问的英国摇滚乐队中，风格比较接近"披头士"的有?quot;赫尔曼的隐士们"等乐队；风格比较接近"滚石"的有："谁"、"动物"和"新兵"等乐队。 "赫尔曼的隐士们"（Herman‘s Hermits）乐队 "赫尔曼的隐士们" 乐队成立于1963年，共五人，领队是彼特·努恩（Peter Noone，生于1947年）。"赫尔曼"的摇滚乐比较温和，很少创新，被称作"泡泡糖摇滚"（Bubble gum Rock），主要表现十几岁年轻人的爱情等日常生活。1965年，他们第一次访美演出。到当年年底，他们的唱片在美国销售量超过1400万张。 "谁"（The who）乐队 "谁"乐队由4人于1963年组成，核心人物是彼特·汤申德（Peter Townshend，生于1945年，作词作曲兼吉他手）。他们以反叛的形象、演奏硬摇滚赢得观众的喜爱。他们把布鲁斯和摇滚乐的强劲力量与自发的极端主义和几乎反对一切的倾向结合起来。他们酗酒、吸毒、说脏话，表演作风无法无天。演出时，总是要把声音的分贝提高到震耳欲聋的地步。1965年，在一次音乐会中，作为他们疯狂行为的高潮，汤申德捣碎了他手中的吉他，而鼓手凯思·穆恩（Keith Moon，1947年出生）接着也敲烂了他的架子鼓，引起了观众的狂热反应。自此以后，每次音乐会上他们都这么做，一直保持到1978年穆恩因服毒过量去世为止。1969年，"谁"推出一部90分钟长的摇滚歌剧《汤米》（Tommy）引起了极大地轰动。 "动物"（Animals）乐队 "动物"乐队原是1960年成立的一个小型伴舞乐队。1962年，埃里克·伯登（Eric Burdon，生于是1941年）加入后成为英国60年代迅速发展的摇滚乐中的一个重要乐队。1966年，乐队解散。伯登成立了"新动物"（New Animals），参加吉米·亨德里克斯乐队的工作，然后又成立了自己的"战争"（War）乐队。 "新兵"（Yardbirds）乐队 "新兵" 乐队由五人组成，其中有埃里克·克莱普顿（Eric Clapton，生于1945年）、吉米·佩奇（Jimmy Page，生于1944年），杰夫·贝克（Jeff Beck，生于1944年）等十分重要的吉他手。起先，他们只是演奏传统的节奏布鲁斯，接着逐渐转向摇滚乐。克莱普顿发展了即兴的间插段（break，一种插在歌声暂停时演奏的片段）形式，使它可以延续30分钟之久。这种长时间的器乐独奏成为60年代旧金山乐队的典型手法之一。从"新兵"的一系列作品中，我们可以追寻出从最初的布鲁斯到以布鲁斯为基础的摇滚乐、最后到重金属这样一条发展线索。1968年，"新兵"解散。吉米·佩奇重新组成"新新兵"（New Yardbirds），后改名为"莱德·泽普林"（Led Zeppelin）乐队。 四、民谣摇滚 1、 背景 20世纪60年代的美国是一个充满了动乱和麻烦的时期。肯尼迪于1963年被暗杀以后，约翰逊继任总统。局势动荡不定，社会问题层出不穷。 首先，是民权运动。严重的种族歧视问题一直干拢着美国社会，不断地引起反抗和斗争。直到1964年美国国会才正式通过民权法案取消了种族隔离制度。 其次，是美国发动的越南战争给美国带来了巨大伤亡。青年学生反对美国卷入越南内战，到处举行群众集会、游行示威。但约翰逊总统不顾国内外舆论的反对，继续扩大战争，使越战在整个60年代逐步升级，造成年轻人对现实社会的强烈不满。加上生态环境日益恶化，如空气和水的严重污染；石油、煤气的短缺；森林被乱砍乱伐等，也使许多人对现代化工业社会的发展前景产生怀疑。在这种情况下，很多年轻人离开了大城市、离开家庭，来到郊区或乡下，组成社团，过着一种简朴的群体生活。他们反对权威、反对传统（包括传统文化）、反对既有秩序。他们在服装和发式方面也反其道而行之，越古怪越好，而且还普遍服用致幻药物。因此他们得到一个外号叫"嬉皮士"（Hippies），指生活在既定社会之外的不顺从的青年人。 最后，性解放也是60年代的一个突出现象。对"性"的传统观念产生怀疑和轻视、不合法的同居被认为是一种可以替代结婚的生活方式。"自由"两字的含义不仅意味着要结束种族歧视，也意味着对上一辈性观念的反叛。 在这种背景下，摇滚乐构成了60年代生活中一个不可缺少的部分。它反映和影响了当时一代青年的情感和愿望，说出了他们对人生、对社会、以及对整个世界的看法。60年代的摇滚乐与50年代相比，思想深度显然更进了一层。这些，特别明显地表现在以鲍勃·迪伦为代表的民谣摇滚（Folk Rock）之中。 2、 鲍勃·迪伦（Bob Dylan） 50年代末60年代初的民谣演唱的都是比较严肃的社会性题材，如"金斯顿三重唱组"（The Kingston Trio）和"彼得·保罗和玛丽"（Peter Paul and Mary）三重唱组等。他们避开商业性的摇滚乐而独自发展，与摇滚乐没有联系。但是，有一位来自民间的歌手，把这两者结合到了一起，而且对摇滚乐产生了重大影响，他就是鲍勃·迪伦。 鲍勃·迪伦于1941年出生于明尼苏达州的德卢思一犹太人家里，6岁时迁往附近的小镇希宾。迪伦从小对摇滚乐就很有兴趣，并自学吉他、口琴和钢琴。他曾广泛旅行，对社会的不平等、人与人之间的冷酷无情等问题都有亲身感受。1959年入明尼苏达大学念了三个学期，退学后，在咖啡馆演唱。这时，他发现了民谣，认为民谣中有关时事的歌词比摇滚乐要有意义得多。1961年，迪伦与哥伦比亚唱片公司签约。1963年一首《随风飘逝》（Blowin‘in the wind ，例34），使其成为青年人的偶像。迪伦的嗓音粗糙，带有鼻音，自己弹吉他伴奏，有时还经常出现口琴独奏（他在脖子上套一个架子，支撑口琴）。 关于迪伦，不论是他的社会抗议、民谣摇滚、乡村摇滚、超现实主义的歌词，还是皈依基督教（1977年，迪伦声称自己是再生的基督教徒）等，争论始终没有停止过。但有一点是肯定的：他是一位出色的歌手和词曲作家。特别是他的歌词创作，含义深刻，富有文学性和哲理性，经常使用隐喻、象征等手法，虽然有时也有点晦涩难懂，但总的说，他对摇滚乐作出了重要贡献，把摇滚乐的歌词提高到了一个新的水准。 3、 其他民谣摇滚 由于鲍勃·迪伦树立了榜样，60年代一下子出现了很多民谣摇滚乐队。其实，民谣摇滚是个很笼统的称谓，虽然都是把民间的曲调、歌词与电声、低音线条和摇滚节拍相结合，但其中的差异是很大的。除了迪伦，还有很多乐队和个人，如"伯兹"乐队、"妈妈和爸爸"演唱组、西蒙和加芬克尔、琼·贝兹、凯特·斯蒂文斯、朱迪·科林斯（Judy Collins）、索尼和雪儿（Sonny and Cher）、布法罗·斯普林菲尔德（Buffalo Springfield）等。现将其中影响较大者介绍如下： "伯兹"（The Byrds）乐队 "伯兹"乐队由五人组成，核心人物是吉姆·麦吉恩（Jim McGuinn），1964年伯兹乐队成立以前，麦吉恩曾与民谣有过密切接触，包括参加鲍勃·迪伦的乐队。1965年，伯兹发行了他们演唱的《手鼓先生》（Mr．Tambourine Man）等4首由迪伦创作的歌曲。这样用电声的、摇滚化的方式来伴奏民谣歌曲，在当时是一件新鲜事物。1965年6月，伯兹的翻唱版《手鼓先生》获第一名，给迪伦带来很大名声，也使他们自己成为了明星。或许，他们本来可以达到与"沙滩男孩"、鲍勃·迪伦，甚至"披头士"同样的地位，可惜的是乐队内部不和，人员经常变换，影响了演奏质量和听众心理。到60年代中期，他们还有几首歌曲把摇滚乐典型的电子音响与乡村音乐相结合，对后来70年代流行的乡村摇滚（Country Rock）起到了示范和引路的作用。1968年，原来的伯兹成员只剩下麦吉恩一人。他与其他不同演奏者合作，继续以伯兹名义发行唱片，但都没超过1965-1968年期间所取得的成绩。1973年，原来的5名成员重新聚集到一起，录制了他们的最后一张专辑《伯兹》，不久，乐队宣告解散。 "妈妈和爸爸"（The Mamas and the Papas）演唱组 如果说"伯兹"是将民谣风格与一种比较强硬的摇滚乐声音相结合的话，"妈妈和爸爸"则是将民谣风格与一种类似?quot;埃弗利兄弟"和"沙滩男孩"那样比较温和的摇滚乐相结合。演唱组由二男二女组成，演唱他们自己（主要是由菲利普斯John Philips）创作的四声部歌曲，如《加利福尼亚梦想》（California Dreamin‘）、《星期一，星期一》（Monday Monday）、《献给我所爱的人》（Dedicated to the I Love）等，在听众中享有很高声誉。 西蒙和加芬克尔（Simon & Garfunkel） 保罗·西蒙（Paul Simon，生于1942年）和阿尔特·加芬克尔（Art Garfunkel，生于1942年）在中学时就以埃弗利兄弟为榜样，录过几首男声二重唱歌曲。后来，两人都上了大学。西蒙在昆斯学院主修英国文学，又在纽约大学主修音乐，因被当时60年代初期城市民歌运动所吸引，开始歌曲创作。当西蒙与哥伦比亚唱片公司签约后，就与加芬克尔重新合作，于1964年推出第一张专辑《星期三凌晨3点》（Wednesday Morning 3A．M．），但销路不佳。不久民谣摇滚兴起，唱片公司选出专辑中的一首歌曲《寂静之声》（The Sound of Silence，例35），在保留原有的人声录音轨道的情况下，加上了电贝司、电吉他和鼓组成的节奏音轨后推出，结果大受欢迎，1966年初，在排行榜上名列第一。西蒙和加芬克尔再次获得第一的是他们为电影《毕业生》（Graduate，1968）配乐中的一首歌曲《鲁宾逊夫人》（Mrs Robinson）。1970年推出的《多难之桥》（Bridge over Troubled water）再次夺冠，唱片销售量超过900万张。 西蒙和加芬克尔的成功是与西蒙的歌词与音乐创作才能分不开的。他注重作品的旋律与和声，避免一般摇滚乐的简单和不断重复的倾向，坚持歌词和声乐的重要性，决不使他们被电声乐所淹没。然而，正当他们的事业取得巨大成功的时候，西蒙和加芬克尔的合作关系破裂，两人分道扬镳，后来都各有所成。 琼·贝兹（Joan Baez） 琼·贝兹出生于1941年，12岁开始学习吉他，后入波士顿大学学习，但几周后放弃学业而去咖啡馆唱歌。1959年和1960年两次出席新港民谣节均获成功。他的第一张专辑《琼·贝兹》（1960）包括了很多首美国传统民谣。她经常把音乐会的收入捐献给她所信奉的事业；拒绝接受过多的演出；一年最多录一张专辑。演出时，她不化装，直接走向话筒开始唱歌，没有打诨，没有商业性显示。贝兹信仰和平，主张非暴力，这不可避免地使她卷入60年代激荡的社会和政治运动之中。1963年起，她的演出曲目中包括抗议歌曲和迪伦的作品。为争取民权，禁止核武器和反对越南战争，她在大街上、集会上和游行队伍中演唱。她是迪伦的好友，也是最早发现和支持迪伦的民谣歌手之一。 凯特·斯蒂文斯（Cat Stevens） 凯特·斯蒂文斯是英国民谣摇滚的代表人物，1947年7月21日生于伦敦，原名史蒂文·乔治乌（Steven Georgiou）。当他成为一名国际明星之后，于1979年皈依宗教并放弃了他的音乐事业。60年代中期，斯蒂文斯在哈默史密斯大学期间就开始自己创作歌曲并于1966年以一首《我喜欢我的狗》（I Love My Dog）走红。1968年，斯蒂文斯感染了肺结核，这迫使他暂时停止了音乐生涯。1970年，他以专辑《Mona Bone Jakon》重返乐坛，并受到一致好评，其中还产生了一首热门歌曲《德，阿班维尔太太》（Lady D‘Arbanville）。以后，他继续推出专辑《舵手的茶叶》（Tea of the Tillerman，1971）、《数字》（Numbers，1975），《Izitso》（1977）和《回到地球》（Back to Earth，1978）均获得一定的成绩。 五、迷幻摇滚 1963年约翰逊继任总统后，继续扩大越南战争，使美国人民陷于严重的分裂之中。有些青年人开始另找出路，他们离开家庭和社会来到北加利福尼亚的旧金山。因为西海岸是"新美国"，代表了新思想、新道路和另一种生活方式。特别是旧金山的海特-阿什伯利（Haight－Ashbury）地区，是嬉皮士经常出入的地方，这些地区的主要活动是"吸毒"、自由的性生活、爱情-和平的哲学，以及音乐。据统计，当时约有500-1500个摇滚乐队在那里演出。与此同时，在那里发出了一种新的声音，他们通过耀眼的色彩、频闪的灯光、电子装备、幻灯、电影、图画、油漆、招贴而产生致幻体验，以提高摇滚乐的兴奋作用。荒唐的或色情的打扮、气球和飘带，进一步增加了这种视觉的刺激，这就是所谓的"旧金山声音"。 1、"旧金山声音" "旧金山声音"（San Francisco sound），有时也被称作迷幻摇滚（Psychedelic Rock）或"酸性摇滚"（Acid Rock）。像民谣摇滚一样，迷幻摇滚的概念不是很容易界定的。单纯的从音乐上看，它和其他摇滚乐的区别不是那么清楚。 大体上来说，首先，它与吸毒有着紧密的联系。虽说过去的摇滚乐已经如此，但不像旧金山那些乐队，吸毒已成为它们重要的表现主题。在迷幻摇滚超现实主义的歌词中，原先的双关语已经不用，而是明白无误地直接表现如痴如醉的致幻意境。迷幻摇滚经常由演员本人在迷幻药物影响下产生出来，或重现自己在吸毒状态下扭曲的体验。比如有些歌手在演唱中经常体现出一种懒洋洋的吸毒后的感受。就像有人所说，"LSD"有着很强的力量，它使服用者产生一种可信的图景或幻景，歪曲他们的时间感觉、触觉、味觉、听觉和推理的能力，它改变了音乐家对声音的感觉，也改变了他们想表达的内容，以及他们想表达的方式。这个时候，乐曲可能持续时间长一些，特别是器乐（如吉他）会有长时间的即兴表演，就像通常所说：时间已经失去意义。它的速度比硬摇滚稍慢，缺乏力量，有时候还会结合一些东方音乐的成分。 其次，迷幻摇滚现场演出的音量提高到了新的强度。虽说摇滚乐从一开始就不是一种安静的音乐，但是现在，他们利用种种电声设备，把音响扩大到无以复加的地步。 最后，演奏这种音乐的整个场景也经常是"迷幻"的，如同旧金山的舞厅所显示的那样，五光十色的色彩和闪烁的灯光，尽量使人从视觉上产生药物诱发出来的体验。与此相一致，演员的服装和发式也是千奇百怪，越反常越好。 60年代以后，迷幻摇滚并没有完全退出历史舞台，甚至到80年代，有些英国乐队还不时地在复兴这种风格。 2、旧金山乐队 60年代后半期，旧金山地区活跃着很多乐队和歌手，其中以"杰斐逊飞机"乐队、"感恩而死"乐队和詹尼斯·乔普林为代表。 "杰斐逊飞机"（The Jefferson Airplane）乐队 "杰斐逊飞机"乐队是由男歌手马特·巴林（Marty Balin）于1965年建立起来的摇滚乐队，共6人。起先他们在俱乐部演奏一些民谣摇滚和披头士的歌曲，后来与RCA唱片公司签约，发行专辑《杰斐逊飞机起飞》（Jefferson Airplane Takes Off ，1966）但销路不佳。 不久，他们采用了迷幻摇滚风格，与吸毒文化相联系，而且由于吸收了一位女歌手格瑞斯·斯利克（Grace Slick，1939年出生），情况才发生了变化。1967年，他们的第二张专辑《超现实主义枕头》（Surrealistic Pillow）取得了巨大的成绩。因此，"杰斐逊飞机"被称为嬉皮士时代"旧金山声音"最主要的代表，成了美国最负盛名的摇滚团体之一。"杰斐逊飞机"随后发行的迷幻摇滚专辑，如《万物之冠》（Crown Of Creation，1968）、《志愿者》（Volunteers，1969）、《吠叫》（Bark，1971）等，也都很受欢迎。虽然其中没有一首单曲进入"最佳十首"，但对旧金山很多乐队来说，这是很寻常的。他们不在乎排行榜，甚至有的还把"上榜"看作是一件不光彩的事情。 70年代初，"杰斐逊飞机"的人员又有变动，其骨干除斯利克外，还有保罗·坎特纳（Paul Kantner ）。他们改名为"杰斐逊（星际）飞船"（Jefferson Starship）。1975年巴林（"杰斐逊飞机"的创立人，后离队）回到乐队。过了三年，巴林和斯利克都退出"杰斐逊飞船"（斯利克于1982年重新加入），乐队风格转向硬摇滚。最初的老队员中只剩下坎特纳一人。最后，连坎特纳也离开了，根据他的诉讼结果，乐队被要求去掉名称中?quot;杰斐逊"，改名为"（星际）飞船"（Star Ship）。尽管如此，"飞船"于80年代后期仍不时地取得成功。 "感恩而死"（The Grateful Dead）乐队 "感恩而死"乐队是"旧金山声音"的典型代表。它的创立人和中心人物是杰里·加西亚（Jerry Garcia，1942～1995），生于旧金山，15岁在中学时学习吉他。60年代初，他被蓝草音乐（Bluegrass Music）所吸引，有时也在咖啡馆里演出这种音乐。1963年，他组织了一个"罐筒"乐队，到1965年已有五人参加，开始用电声乐器演奏。1966年，他们在旧金山的海特-阿什伯利地区与其他人一起过着公社式的生活，给乐队取名?quot;感恩而死"；因受"披头士热"的影响，改而演奏摇滚乐。60年代中期，海特-阿什伯利地区经常举行自由聚会，进行药物试验（acid test），用药者可以进入从错觉到幻觉各种知觉变化状态。伴随着吸毒场面，不可缺少的景象是奇异的穿着和声音很大的摇滚乐。正是在这样的氛围中，"感恩而死"进行了自由的音乐实验。与此同时，他们也经常进行同样的带有实验性的音乐演出。他们的声音越来越大、越来越强劲、有更多的即兴、没有固定的形式，时间也变得更长。他们利用电子手段产生的声音，如反馈、失真、颤音效果等，都受到听众的欢迎。 1966年，"感恩而死"与华纳兄弟（Warner Brother）唱片公司签约，发行了他们第一张专辑《感恩而死》（The Grateful Dead），于1967年获专辑排行榜第73名。他们习惯在与听众交流的情况下，自由自在地在现场演出，而不习惯在录音棚里工作。他们重视现场演出，曾经开过连续演奏5个小时的音乐会、免费音乐会，甚至自己出资50万，带了器材（于1978年）到埃及金字塔下举行义演。 60年代末，"感恩而死"推出的专辑有《太阳颂歌》（Anthem the Sun，1968）、《Aoxomoxoa》（1969）以及根据现场演出录音制成的《生死》（Live /Dead ，1969）。70年代初，"感恩而死"的风格变得简明，并带有明显的乡村音乐成分，如《工人之死》（Workingman ‘s Dead 1970）和《美国的美》（American Beauty，1970）。在这些作品中，加西亚采用原声吉他代替电声吉他，表明乐队离开了60年代末的迷幻摇滚风格。后来的专辑风格更加多样化，如《为真主的布鲁斯》（Blues for Allah1975）带有爵士影响；《龟鳖栖身地》（Terrapin Station，1977）使用了圆号、弦乐和合唱。另外，"感恩而死"的成员们在70年代大都已停止使用LSD。尽管如此，在听众的心目中，他们仍然是迷幻文化的代表，他们表现出来的某种神话般的魅力，仍然吸引了新一代的乐迷们。 詹尼斯·乔普林（Janis Joplin） 詹尼斯·乔普林，1943出生于得克萨斯州的阿瑟港，小时候广泛接触布鲁斯、福音歌和乡村音乐。17岁时从家里逃出来，开始在得克萨斯和加利福尼亚的酒吧乐队里演出。1962年曾第一次来到旧金山 的海特-阿什伯利地区，成为一名"嬉皮士"，后来又回家和家人和好，还去拉马尔工艺学院上了一年学，企图过一种正常生活。1966年（23岁）移居旧金山，参加了一个叫做"大哥和控股公司"的乐队（Big Brother and the holding Company）。詹尼斯在第一次置身于迷幻灯光和色彩中间，与乐队一起表演后说?quot;这是我一生中最惊心动魄的时刻，它是那么痛快，那么令人激动，那么大声，简直疯了，最后我完全无法控制自己。"1967年，"大哥和控股公司"在蒙特利国际流行音乐节上演出，受到全场的热烈赞赏。詹尼斯·乔普林的嗓子本来就够粗犷有力的，为了压倒乐队的声音，她真正地是把歌词喊叫出来的。 音乐节演出以后，格罗斯曼 （Albert Grossman，鲍勃·迪伦的经理人）成了詹尼斯·乔普林的经理人，而且还与哥伦比亚唱片公司签订了录音合同。1968年"大哥"的第一张哥伦比亚专辑《廉价的刺激性》（Cheap Thrills）发行，获专辑第一名，持续8周。第二年年初，詹尼斯·乔普林离?quot;大哥"自己组织了乐队，并推出专辑《包罗一切的布鲁斯》（Kozmic Blues）。在这张专辑里，她那有力的、粗糙的声音在她自己创作的《包罗一切的布鲁斯》、《也许》（Maybe）、《试一试》（Try）等歌曲中有着很好的体现。她的下一个专辑《珍珠》（Pearl，1970）或许是她最好的专辑，其中的歌曲《我和博比·麦吉》（Me and Bobby McGee）获排行榜之首，但是专辑还没发行，她因吸毒（海洛因）过量死于好莱坞一家旅馆里。死后出版的还有她另一张根据现场演出的录音专辑《音乐会中的乔普林》（Joplin in Concert）。詹尼斯·乔普林去世时才27岁，正式的演唱生涯也只有几年，却给人留下了难以磨灭的印象。她是白人，但她的歌唱风格却体现了黑人才具备?quot;索尔"（Soul，详见下文）精神和特征。在"模仿"盛行的流行音乐界，很难有人能模仿出另一个乔普林来。 3、旧金山以外地区 旧金山海特-阿什伯利地区的生活方式，不断吸引着年轻人的到来，但是新来的人当中，有很多人"对曾经是该地区力量源泉的乌托邦理想并没有多少兴趣，更有兴趣的是能够吸毒，免费吃饭，听摇滚乐，尤其是性革命"。随着时间的推移，犯罪、吸毒、紧张的种族关系等，都带来了麻烦。1968年，市政府禁止再在那里举行音乐会演出，于是聚集的人逐渐离去。 旧金山是迷幻摇滚的中心，但在美国其他地区的乐队也受到它的影响，发展起迷幻摇滚风格，另外在英国也有一些乐队发展起迷幻摇滚风格，如"小面孔"（Small Faces）、"交通"（Traffic）、"平克·弗洛依德"（Pink Floyd）等。其中最主要的乐队和个人是吉姆·莫里森和"门"乐队以及吉米·享德里克斯。 吉姆·莫里森（Jim Morrison）和"门"（the Doors）乐队 吉姆·莫里森，1943年出生于佛罗里达，20岁时进入洛杉矶加州大学电影学院研究生班学习，毕业后与同学曼·扎里克（Man Zarek）等一共4人组成乐队"门"。曼·扎里克曾在芝加哥音乐学院上学，受过古典钢琴训练。据莫里森解释，乐队起名"门"是因为"在门里和门与门之间，有些事是知道的，有些事是不知道的"。1966年，他们与埃利克特拉（Elektra）唱片公司签约，发行专辑《门》（The Doors），其中一首歌曲《点燃我的欲火》（Light My Fire，例36）获排行榜之首，随后几年里又发行了几张专辑如《奇怪的日子》（Strange Days）、《等候太阳》（Waiting For Sun）、《平静的游行》（The Soft Parade）等也获得了较大的成功。 "门"乐队的音乐继承了以布鲁斯为基础的主流摇滚风格，曲调简单，音域不宽，有很多重复，有时还带点爵士味道。吉姆·莫里森的演唱夹着尖叫和哭喊，常常因感情剧烈而全身抽搐（《平静的游行》例外，它奇怪地转向温和摇滚，使用了弦乐和铜管）?quot;门"的歌词经常围绕着死亡、暴力、性的威胁等，几乎没有任何乐观向上的内容，体现了"迷幻摇滚中比较黑暗的一面"。吉姆·莫里森除了作为乐队的主唱和歌曲作者在音乐方面进行活动外，还出版了两本诗集，导演了一部电影，与人合写电影剧本等。 早在洛杉矶加州大学时，吉姆·莫里森就已开始吸毒，到60年代末的时候，吸毒和酗酒已成为他的严重问题。1969年3月在迈阿密举行的音乐会舞台上，他因喝得太多，竟然拉开皮裤的开裆，作出下流动作。这件事成了一个丑闻，他因此被逮捕，"门"也成了洛杉矶摇滚乐队中最不体面的一个团体。1971年，莫里森推出他的最后一张专辑《洛杉矶女人》（L·A·Woman）后，移居巴黎，同年7月，被人发现因沉溺于吸毒而造成心脏麻痹死在住所的浴盆里，时年27岁。 吉姆·莫里森死后，"门"的其他成员，作为三人小组继续录制了几张专辑，于1973年解散。"门"所使用的节俭的音乐语言，绝望的歌词和挑战性的姿态对70年代末的朋克摇滚（Punk Rock）运动有着深刻的影响。 吉米·享德里克斯（Jimi Hendrix） 吉米·享德里克斯，1942 年出生于西雅图的一个中产阶级家庭，从小自学吉他，参加各种业余乐队，后来曾先后作为背景吉他手与B·B·金、小理查德等著名歌手一起演出。在这段时间里，他的吉他演奏技术得到了很大提高。他习惯左手弹琴，演奏手法很不"正规"，包括用右手姆指按弦来产生某些和弦等。 1966年，享德里克斯在朋友的鼓励下来到英国演出，在那里遇到了两名英国音乐家，组成三人乐队"吉米·享德里克斯体验"（Jimi Hendrix Experience），获得了巨大成功。他们于1967年在蒙特利流行音乐节和1969年在伍德斯托克摇滚音乐节上的精彩演出使他们赢得了更多的观众。 从1967年开始，吉米·享德里克斯便利用多轨道录音，有控制地反馈、振动以及通过颤动手臂、拔动弹簧开关等来获得各种特殊效果。此后，他对即兴演奏越来越感兴趣，常与爵士音乐家迈尔斯·戴维斯一起合作。在此期间，他开始服用致幻药物，并曾因携带海洛因而被捕。 1969年，他在纽约格林威治村建立了自己的录音棚"电女子国"，开始录制自己的另一张专辑。没想到的是1970年9月因过量服用安眠药死于伦敦。 今天，我们再听吉米·享德里克斯的音乐，也许觉得并不新鲜，因为他的风格和方法已被广泛采用，特别是在70、80年代的硬摇滚和重金属中。但是没有他，就没有后来人。 六、艺术摇滚 艺术摇滚（Art Rock）于60年代末兴起于英国。其特征为：结构庞大，和声语言较为复杂，常借用古典音乐中的主题作为素材，并注重音乐的逻辑性和音乐素材的简炼、统一。 艺术摇滚的创作一般可分为两种：一种是比较简单的做法，在摇滚乐中引用古典音乐片段，或把一首古典音乐作品改编成摇滚风格；另一种做法是将摇滚乐队和管弦乐队（或其他古典音乐合奏形式）混合而成，或者用摇滚乐语言按古典音乐的发展手法、结构形式创作而成。 最早进行艺术摇滚尝试的乐队是英国的"忧郁布鲁斯"乐队。《摇滚音乐50年》说："他们创造了交响摇滚（Symphonic rock），并为平克·弗洛依德铺平了道路。" "忧郁布鲁斯"（The Moody Blues）乐队成立于1964年。1967年，他们推出的专辑《未来的日子消失了》（Days of future passed）是乐队朝着艺术摇滚方向发展的重要标志。它与伦敦交响乐团合作，管弦乐队提供像序曲一样的开头，然后过渡到摇滚歌曲并为歌曲伴奏。"忧郁布鲁斯"的代表作品还有《平衡问题》（A Question of Balance，1970）、《每个好孩子都该爱护》（Every Good Boy Deserves Favour，1971）、《第七次逗留》（Seventh Sojourn，1972）、《长途旅行者》（Long Distance Voyager，1981）等。 "深紫色"（Deep Purple）是英国的另一个进行艺术摇滚试验的乐队，共5人。1969年，乐队成员乔恩·洛德（Jon Lord）创作的《摇滚乐队与管弦乐队协奏曲》（Concerto for Group and Orchestra）与皇家爱乐乐团合作演出，其中的管弦乐风格比"忧郁布鲁斯"乐队的风格更现代一些。1970年，"深紫色"受BBC广播电台的委托，为摇滚乐和管弦乐队而写的《双子座组曲》（Gemini Suite）在摇滚乐与古典音乐的结合上又向前迈进了一步。 "是"（Yes）乐队成立于1968年，乐队的主要人物是乔恩·安德森（Jon Anderson，1944年出生）。1969年他们录制了第一张专辑《是》（Yes）以后，人员便开始波动。1971年推出的专辑《是的专辑》（The Yes Album）标志着乐队后期风格的开始。1972年在经理人的引导下，乐队开始尝试一种叙事性的和交响式的风格，先后于1972年和1974年推出了专辑《靠近边缘》（Close the Edge）和《从地形海洋来的传说》（Tales from Topographic Oceans）。1975年至1976年间，乐队成员开始了一些个人活动。1977年从专辑《为一个目标奔忙》（Going for the one）中可以看出，乐队经过一系列的探索之后，又在一定程度上回到了传统的摇滚乐上。1980年年底，乐队出版了一张现场专辑《是的演出》（Yes shows）后，于1981年4月宣布解散。 同时期，进行艺术摇滚试验的乐队和个人还有"电光乐团"（Electric Light Orchestra）乐队、"创世纪"（Genesis）乐队、"埃默森、雷克和帕尔默"（Emerson，Lake and Palmer）、弗兰克·扎帕（Frank Zappa）等。 当艺术摇滚进入70年代以后，形式变得更加丰富。它主要利用摇滚乐的语言，创作更大型、更复杂的、希望能和古典音乐相媲美的作品。这个时期主要以"平克·弗洛依德"乐队为代表。 "平克·弗洛依德"（Pink Floyd）乐队于1966年由罗杰· 沃特斯（Roger waters）和罗杰·巴雷特（Roger syd Barrett）建立起来，共4人。最初，他们的迷幻摇滚风格引起了人们的极大注意。特别是他们利用当时能得到的最复杂的装备，如灯光设计、幻灯、旋转色彩图案、烟雾等，造成特殊的舞台视觉效果，形成了独特的风格。1966年，乐队推出的专辑《曙光门前的吹笛人》（The Piper at the gates of Dawn）是他们这一时期的代表作。 1968年，乐队中极具独创性的领导人巴雷特因精神崩溃而离开了乐队，另一名吉他手戴卫·吉尔摩（David Gilmour）接替了他的位置。他们于70年代初发行了几张专辑，都只取得一般性的成绩，转折点的到来是1973年发行的《月之暗面》（Dark side of the moon），这张专辑花了9个月的时间制作完成，不仅获专辑第一名，而且榜上有名持续了创纪录的675周（13年）之久。专辑中电子手段的大量使用使"平克·弗洛依德"的超级明星地位进一步得到了巩固。 随着乐队名声的增大，罗杰·沃特斯变得越来越狂妄自大，行为也越来越古怪。这种偏执狂由于乐队又一张专辑《墙》（The wall）的巨大成功而进一步加深。专辑《墙》是以沃特斯的一身为线索，讲述了一个完整的故事：第二次世界大战对他幼时的心灵带来的伤害、上学时古板的教育制度对他的打击、长大后面对现实社会的无奈、最后导致他的精神崩溃。1982年由艾伦·帕克（Alan parker）导演搬上银幕。在这张专辑中，歌曲《墙上的另一块砖》（Another Brick in the Wall，例37）先后出现了三次，作为专辑的主题，它将第二次世界大战后的孩子们比作是墙上的砖，全是一模一样的形状，反映了当时英国教育制度的古板性。而将专辑的主人公比作是墙上的另一块砖，体现了他与这个社会的格格不入。 "平克·弗洛依德"于1983年推出的专辑《最后的乐章》（The Final Cut）具有特别忧郁和绝望的反抗主题，全部由沃特斯作曲。不久，沃特斯离开乐队，"平克·弗洛依德"在戴卫·吉尔摩的领导下继续活跃在摇滚乐坛。 七、温和摇滚和乡村摇滚 1、温和摇滚（Soft Rock） 当摇滚乐进入20世纪70年代后，出现了一种前景不明、失去方向的状态。70年代的美国社会已经基本得到稳定，但是此时的摇滚乐却失去了中心。风格上也没有太大的变化，基本上还是延续过去的风格，只是进一步强调既有类型的某一种倾向，使它更加多样化而已。因此70年代的摇滚乐出现了两极分化的局面，即：柔的更柔，硬的更硬。其中温和摇滚便是前者的代表。 温和摇滚的主要特征是："重旋律、轻节奏"。一般的温和摇滚，都具有较强的旋律性和可唱性。有时温和摇滚和普通的流行歌曲（POP）很难区别，这时，主要取决于它是否具有摇滚乐的节奏形态或摇滚乐式的低音线条。 70年代温和摇滚的著名歌手有卡朋特兄妹、巴瑞·马尼洛、尼尔·戴蒙德、牛顿-约翰（Olivia Newton-John）等。其中以卡朋特兄妹最为突出。 "卡朋特"（The Carpenters）组合由兄妹二人组成，哥哥理查德·卡朋特（Richard carpenter）出生于1946年，妹妹卡伦·卡朋特（Karen Carpenter）比哥哥小4岁，康州纽黑文人。1963年，两人随家迁往加利福尼亚，与一位朋友组成三人小组，录制了两张唱片，因负责给他们录音的唱片公司认为在硬摇滚盛行的当地，温和摇滚不会有销路而未能发行。他们又组成了6人乐队，录制小样寻找机会，但到处遭到拒绝。这样，乐队只得解散。卡朋特兄妹决定单独演出，由卡伦演唱、理查德演奏键盘乐器并负责作曲编配。他们利用多轨录音技术进行创作，吸收了"披头士"、"沙滩男孩"的抒情成分，坚持温和风格。通过卡伦的歌声，终于使A&M唱片公司同意与他们签约，发行唱片。1970年，他们的《靠近你》（Close to you）获得了排行榜冠军，另一首歌曲《我们刚刚才开始》（We‘ve Only just begun，例38）获第二名。这两首歌曲可以说都处于温和摇滚和波普（POP）的分界线上。如在《我们刚刚才开始》中，中间段落里有较强的节拍，铜管的重音在第二拍，加上持续不断的鼓点，完全算得上是温和摇滚，但其他部分听起来则更像波普。同年，卡朋特兄妹获得格莱美最佳新唱片表演奖。直到1975年，他们的作品都很受欢迎，如《昔日重来》（Yesterday Once More）、无赖（Desperado）等都是传唱一时的经典之作。1983年，卡伦因长期患神经性厌食症导致心搏停止而死，时年32岁。 巴瑞·马尼洛（Barry Manilow），1946年6月17日出生于纽约的布鲁克林，马尼洛在纽约音乐学院和朱利亚音乐学院学习时，就在歌伦比亚录音公司的制作室里当临时工。1972年便开始为一些歌手的专辑配器并参与制作。1974年开始了他的独唱生涯。1975年，他的单曲《曼迪》（Mandy）登上了排行榜榜首。马尼洛除了演唱以外，还为电视台广告创作歌曲。 尼尔·戴蒙德（Neil Diamond），1941年1月24日出生于纽约的布鲁克林。他在纽约大学医学院学习过一段时间，而后缀学从事音乐工作。最初，戴蒙德以作曲家的身份出现并为他赢得了声誉。1965年底开始唱歌。1966年，他创作了一系列的热门歌曲，如：埃尔维斯·普莱斯利和"深紫色"乐队都演唱过的《肯德基妇女》（Kentucky woman）等作品使他名声大增。1978年，他和芭芭拉·史翠珊（Barbra streisand）的二重唱单曲《你别给我带来鲜花》（You Don‘t Bring Me Flowers）在美国排行榜名列第一。1980年，戴蒙德在电影《爵士歌手》（The Jazz singer）中的精彩表演使他的明星地位进一步得到了巩固。 2、乡村摇滚（Country Rock） 如前所述，乡村音乐是摇滚乐的三大来源之一，山区摇滚是50年代早期摇滚乐风格的三种倾向之一。可是到了60年代，山区摇滚几近消失，大多数摇滚乐中很少能听到有乡村音乐的影响。但是，到了60年代末，在一些民谣摇滚中又重新出现了乡村音乐的声音。正是受到这种启发，这时在加利福尼亚发展起了一种"把乡村音乐的声音和题材与摇滚乐的节奏和乐器法相结合的流行音乐风格"，它被称作乡村摇滚。 70年代初，乡村摇滚作为一场音乐运动受到了很多人的高度重视。以"老鹰"（The Eagles）乐队和琳达·龙斯塔特（Linda Ronstadt）为首的乡村摇滚艺术家取得了巨大成绩，他们成功地将乡村音乐和他们带有个人特征的轻摇滚和流行风格相结合。其实，乡村摇滚的意义并不完全在于这种音乐本身是否在商业上取得巨大的成功，而是在于这种音乐对于其他音乐或艺人的影响。 乡村摇滚的主要乐队和个人有"乐队"（The Band）乐队、琳达·龙斯塔特、威龙·詹宁斯（Waylon Jennings，出生于1937年）、"克罗斯比，斯蒂尔斯，纳什和?quot;（Crosby，Stills，Nash & Young）组合和"老鹰"乐队等。下面，重点介绍一下"老鹰"乐队和琳达·龙斯塔特。 "老鹰"（The Eagles）乐队原是龙斯塔特的伴奏乐队，共5人，由歌曲作家、主唱兼鼓手唐·亨利（Don Henley，生于1947年）和歌手兼键盘手格伦·弗雷（Glenn Frey，生于1948年）于1971年建立。1972年，他们推出第一张专辑《老鹰》，使用了清净的和声，类似于"沙滩男孩"那样的歌词，被认为是一支很有吸引力的乡村摇滚乐队。第二张专辑《无赖》（Desperado，1973），离开了原先对享乐主义的赞颂，但风格仍是乡村摇滚，配器更加丰富。第三张专辑《在边界上》（on the Border，1974）中的《我的最爱》（Best of My Love）使他们第一次获得了排行榜冠军。第四张专辑《那些夜晚中的一个晚上》（one of those nights，1975），音乐变得更加复杂多样，如《震惊过去之后》（After the thrill is gone）、《好莱坞圆舞曲》（Hollywood Waltz）和《说谎的眼睛》（Lyin‘ Eyes）是70年代乡村摇滚的典型例子。可是《魔法师的旅程》（Journey of the sorcerer）很像艺术摇滚，其中的曼陀林音色使人想起蓝草音乐（Bluegrass）。另外，有些歌曲，如《幻像》（Visions）、《那些夜晚中的一个晚上》等，很少显示乡村音乐的影响，更接近于一种不那么强劲的主流摇滚风格。第五张专辑《加利福尼亚旅馆》（Hotel California，）或许是他们最好的专辑，销量达到5百万张。同名主打歌曲《加利福尼亚旅馆》（例39）成了整个70年代的传唱金曲，其中也有强劲的硬摇滚歌曲，如《快车道里的生活》（Life in the fast lane）。实际上，从这张专辑开始，"老鹰"已经逐渐离开了乡村摇滚风格。1981年"老鹰"解散，成员们各奔东西。其中以唐·亨利的成绩最为突出。 琳达·龙斯塔特（Linda Ronstadt）于1946年出生于亚利桑那州的一个音乐家庭中，具有墨西哥血统，从小受到良好的音乐熏陶。18岁时，参加洛杉矶的一个民谣演唱组，以后又曾和著名的"老鹰"乐队合作，担任主唱。1974年离开"老鹰"乐队，开始了独唱生涯。她的嗓音圆润丰满，演唱风格丰富多样。70年代是琳达艺术生涯的高峰期，她成为当时乡村摇滚的代表人物之一。1975年，荣获格莱美最佳女歌手奖。1976年，琳达进行欧洲巡回演出，使其成为国际明星。该年，她的一首《心潮滚滚》（Heart Like A Wheel）被评为十佳唱片之冠，使她再次获得格莱美奖。此后，琳达还参加了许多轻歌剧、歌舞剧的演出，她大胆开拓，曾用通俗唱法演唱歌剧。1990年，因与男歌手阿隆·奈维尔（Aaron Neville）合作的二重唱《无需知道太多》（Don‘t Know Much）又获格莱美最佳二重唱奖。 八、重金属 1、 重金属（Heavy Metal） 60年代，以"滚石"乐队为代表的硬摇滚以它的粗犷、猛烈为基础，发展了主流摇滚中的强劲风格。到了70年代，作为硬摇滚的延续，出现了一种更为流行的硬摇滚风格，便是从中发展出来的一种更"硬"的硬摇滚，被称作"重金属"。有一位摇滚乐评论家对"重金属"作了这样的解释：从音乐上看，如果硬摇滚的音响是很大的，那么，重金属的音响就更大；如果硬摇滚是简单的，有很多重复，那么，重金属更简单，有更多的重复；如果硬摇滚歌手的演唱是呼喊似的，那么，重金属的歌手是拼了命的呼喊；如果硬摇滚乐队利用电子手段来实验音响失真和反馈，那么，重金属乐队则利用电子手段歪曲一切他们想歪曲的声音；如果硬摇滚爱好长时间的器乐即兴演奏，那么，重金属提供更长、更响、更复杂的器乐独奏；如果硬摇滚是一种与传统相对立的文化，那么，重金属则是一种专事反文化的文化。因此，重金属和一般摇滚乐相比，它缺少音乐性（特别是旋律很简单），而带有更多的"戏剧性"（如演出时利用各种奇特的服装、灯光及舞台效果等）。另外，从传播方式上看，重金属乐队主要以巡回演出或通过录像带来扩大他们的影响而不是通过录音和广播（但并不是全都如此）。 由于重金属自身缺少文学价值，评论界对它的评价一直不高，但它却在商业上取得了巨大的成功。 70年代最重要的两支重金属乐队是来自英国的"莱德·泽普林"和"黑色安息日"。 "莱德·泽普林"（Led Zeppelin）乐队 "莱德·泽普林"乐队是由"新兵"原成员吉米·佩奇（Jimmy Page）与另外三人于1968年建立起来的，主唱是罗伯特·普兰特（Robert Plant，生于1948年）。1969年推出的《莱德·泽普林Ⅱ》是他们第一张夺魁专辑，使他们赢得了很大的荣誉。接着推出的《莱德·泽普林Ⅲ》和《莱德·泽普林Ⅳ》也很流行，其中包括了乐队最著名的歌曲《天堂阶梯》（Stairway to Heaven）。 "黑色安息日"（Black Sabbath）乐队 "黑色安息日"乐队是来自英国伯明翰的一个四人乐队，成立于1969年。主唱约翰·奥斯本（John Osbourne），音区很高，经常发出尖叫似的声音。歌词涉及鬼魂、幻想、精神错乱等神秘领域。乐队具有重金属的典型特点，如：不断重复的、失真的吉他连复段；持续的、强劲的节拍等。确实，如果对比一下普莱斯利或"沙滩男孩"等早斯摇滚乐，"黑色安息日"的摇滚乐已经与他们差别很大。在奥斯本演唱的歌曲《摇滚造反》（Rock‘n‘ Roll Rebel）中，他用青少年的口吻这样毫不留情地告诉父母们："做你们想做的，别想让我来顺从你们"。 70年代英国早期的重金属一直延续到80年代以后，他们在音乐上没有什么不同，不同的只是歌词。 "枪炮与玫瑰"（Guns N‘ Roses）乐队 "枪炮与玫瑰"乐队，1985年成立于洛杉矶。开始他们的成绩平平，但1988年推出的专辑《毁灭的欲望》（Appetite For Destruction）一举登上排行榜榜首，引起极大的轰动。"枪炮与玫瑰"的音乐风格比较多样，他们的歌曲有的带有尖叫似的演唱和快速猛烈的节奏和"挑战性"的歌词（这类歌曲较多）；有的则类似民谣摇滚那样不太激烈的、偏向温和的风格，如《别哭》（Don‘t Cry）等歌曲。 "枪炮与玫瑰"在商业上取得了很大的成功，但是却常常遭到批评，主要是因为他们的某些"挑战性"歌词，还有主唱罗斯（Axl Rose）的不良行为：种族主义、性别歧视和庸俗的作风等。加上乐队的恶习，如推迟演出时间、取消演唱会、斗欧等，也使人们想起当年"滚石"乐队的形象。尽管如此，它在摇滚乐迷中仍享有盛誉，被认为是80年代末重要的重金属乐队之一。 80年代的重金属乐队，除了前面提到的"枪炮与玫瑰"外，还有"范· 海伦"、"邦·乔维"、"铁娘子"、"戴夫·莱帕德"、"AC/DC"和"金属"等乐队。虽然他们都是重金属乐队，但风格却并不完全相同。 "范·海伦"（Van Halen）乐队 "范·海伦"乐队，1973年成立于加利福尼亚。乐队的核心人物是埃迪·范海伦（Eddie Van Halen，生于1957年，主音吉他），他和他的哥哥亚历克斯·范海伦（Alex Van Halen，生于1957年，鼓手）从小受古典音乐训练，后转向摇滚乐。范·海伦发出的是一种更多加工的、平和的声音。1978年，他们发行了第一张专辑，但真正的成功来自于1984年的专辑《1984》。它获专辑第二名，其中单曲《跳跃》（Jump）名列排行榜榜首。主唱戴卫·李·罗思（David Lee Roth）以他色情的坏男孩形象为乐队赢得了商业上的巨大成功，但乐队中真正起到主导作用的是埃迪的吉他演奏。 "邦·乔维"（Bon Jovi）乐队 "邦·乔维"乐队，1983年由乔恩·邦·乔维（Jon Bon Jovi，1962年生于新泽西）建立，他自任主唱。与墨丘利（Mercury）唱片公司签约后，为推销第一张专辑《邦·乔维》他们到处巡回演出。1987年，推出专辑《湿滑》（Slippery When Wet），同时制成录像带，经MTV不停地播放，使"邦·乔维"名声大振。他们吸引了广大青少年，包括众多女性。他们的重金属风格有时也被称作"温和金属"（Soft Metal）或"流行金属"（Pop Metal）。 "铁锒子"（Iron Maiden）乐队 "铁锒子"乐队是由史蒂夫·哈里斯（Steve Harris）等来自东伦敦工人聚集区的几名年轻人于1976年组成。他们以不复杂的连复段（riff，一个小片段的不断反复，经常在独奏中出现）、极度失真而有力的和弦，以及尖叫的人声，赢得了乐迷们的喜爱。乐队人员虽几经变动，但仍能保持较好的表演技巧。1982年推出的专辑《野兽的数字》（The Number of the Beast）获英国排行榜第一名，不久，打入美国市场。接着的几张专辑，如《死后的经历》（Live After Death，1985）等，在大西洋两岸都很畅销。他们也像其他乐队一样，到处巡回演出，甚至应邀到（很少有其他英美乐队到过的）波兰、匈牙利和南斯拉夫访问演出。 "戴夫·莱帕德"（Def Leppard）乐队 "戴夫·莱帕德"乐队是由英国谢菲尔德工厂区的五名年轻工人于1979年成立的一个乐队。当时，他们的平均年龄只有15岁。第二年，他们效仿"莱德·泽普林"的风格，推出第一张专辑。1981年他们的制作人开始对乐队粗糙的声音进行加工。主唱乔·埃里奥特（Joe Elliott）把他们加工以后的声音称作"美好的、朝气蓬勃的、含有旋律的摇滚乐"。果然，专辑《放火狂》（Pyromania，1983）取得了成功。1987年推出的专辑《歇斯底里》（Hysteria ）再次受到听众的欢迎。 "AC/DC"乐队 "AC/DC"乐队于1973年成立于澳大利亚的悉尼，当时，组建人安格斯·扬（Angus Young，吉他手）只有14岁。1976年，他们与大西洋唱片公司签约，推出《高电压》（High Voltage），名声远播国外。他们继续推出专辑，如《通向地狱的公路》（High way to Hell，1979）卖出一千万张，并成为80年代重要的重金属乐队之一。"AC/DC"在英国和法国取得特别的成功。不过，他们那不合准则的风格，结合了吉他手安格斯·扬的技巧和他们第一位歌手邦·斯科特（Bon Scott）嘶哑的嗓子及简单、粗野的模样，也在美国轰动一时。1980年，斯科特因酒后呕吐休克而死，乐队主唱由布莱恩·约翰逊（Brian Johnson）接替。 "金属"（Metallica）乐队 "金属"乐队由詹姆斯·赫特菲尔德（James Hetfield，生于1963年，主唱兼节奏吉他）和拉斯·乌尔里克（Lars Ulrich，生于1963年，鼓手）于1981年建立起来。1983年他们推出了第一张专辑《斩尽杀绝》（Kill‘ Em All），歌词涉及战争、死亡和暴力等，但从整体看，它的音响充满活力。1986年的专辑《傀儡的主人》（Master of Puppets）被认为是"金属"乐队的代表作。1991年出版了一张同名专辑，这张专辑在音乐编排上简洁明了，其中掺入了更多的商业成分，专辑不仅获得排行榜冠军，而且仅在美国就卖出了700万张。随后，乐队开始了为期两年多的巡回演出。1996年，他们又出版了专辑《装载》（Load），受90年代另类摇滚的影响，"金属"改变了自己的形象，他们剪去了长发。《装载》获得评论界的一致好评，获得排行榜冠军，并在两个月内卖掉了300万张。 2、 华丽摇滚（glitter rock或glam rock） 与重金属有关的还有硬摇滚的另一个分支"华丽摇滚"。它的特点主要不是在音乐上，而是在演员的化装、服饰和舞台上的戏剧行为。这方面的领头人是戴维·鲍伊（David Bowie）。他经常被人比?quot;变色龙"，因为他的舞台形象总是在不断地变化。作为摇滚歌星，他更像是一个借助摇滚乐与观众交流的戏剧演员，在音乐上并无太大的贡献。 戴维·鲍伊（David Bowie），1947年出生于伦敦，曾涉足哑剧、先锋派电影和商业广告等工作。1970年推出专辑《出卖世界的人》（The man who sold the world）。在唱片封面上，他故意把自己设计成一个具有男女两性特点的人物。1972年，在首次访美演出时，他穿着女性服装，有时还扮成变性人。他那稀奇古怪的形象和忸怩作态的表演吸引了不少乐迷。1975年，他转向迪斯科风格，推出专辑《年轻的美国人》（Yong Americans）。为配合这张专辑的发行，在进行的演出活动中，戴维·鲍伊又有了一个新的形象：在白衬衫外面穿上一身黑衣服，把淡黄色的头发往后梳得整整齐齐。1980年，他主演了百老汇音乐剧《象人》（The Elephant Man）使其获得了更大的成功。戴维·鲍伊的活动（包括他不断变化的外形）一直延续至今。 在戴维·鲍伊之前，摇滚乐一直以它的粗鲁、健壮的男子形象和真实的表现取胜。戴维·鲍伊却以他的化装：枯黄色的头发、女子气的模样和显然不真实的"人物"，塑造了另一种形象。由于后来朋克运动的兴起，戴维·鲍伊作为它的一名先行者，被主流摇滚格外推崇。 "吻"（Kiss）乐队，于1972年由贝司手吉恩·西蒙斯（Gene Simmons）建立起来。"吻"的音乐风格是纯粹的重金属，而且是直到那时为止美国最"重"的重金属。同时，它又强调戏剧表演和化装，是美国"华丽摇滚"的代表。直到1984年，"吻"共推出16张专辑，但只有4张进入前十名，其中只有一首歌曲进入"最佳十首"（《贝思》Beth ，1976）。正如《摇滚乐名人录》中所说："吻"利用一些鬼把戏，如在演出中摹拟吐血、吞火、爆炸和烟火、干冰喷雾，以及火箭射出吉他等，使他们受到无数青春期前期的少年乐迷们的喜爱。在现场演出中，西蒙斯经常不时的口吐真火、呕假血，要不就伸出一个像脚一样长的假舌头，弄得评论家们也无法确定这些对他们的音乐是否有益，但年轻人却把"吻"捧为70年代最受欢迎的乐队之一。 九、朋克运动 1、朋克（Punk） 朋克运动的兴起和影响主要在英国，它与西方，特别是英国社会日益蓑落有着直接的联系。1973年，英国爆发经济危机：原油价格猛涨，汽车工业几近破产，纺织、煤碳、钢铁工业都陷入困境，国际贸易停滞不前，物价上涨，大量工人失业。年轻一代对此毫无办法，精神上受到严重打击。而这个时候的乐坛却由明星主宰了潮流。这种情况下，青少年对现实社会产生了极大的怀疑。 朋克音乐正反映了这些青少年对现实的强烈不满情绪，甚是绝望的心情。他们愤怒地批评社会的各个方面，而且是用大喊大叫、古怪的形象和疯狂的舞台行为表现出来的。 从音乐上，朋克摇滚作为摇滚乐的一个分支，并没有为摇滚乐带来任何新的东西，它只是把主流摇滚中从硬摇滚到重金属那种比较强劲的风格推向了极端。朋克反对主流摇滚中从"披头士"以后那些进行音乐实验和艺术创新的倾向，如技术性的器乐独奏，摇滚乐和其他音乐相结合的严肃探索等。它比硬摇滚更加强调简单、重复，强调最"基础"的摇滚。歌词也比硬摇滚更加直接了当、明确无误，像华丽摇滚一样，朋克的意义不在音乐，而在音乐之外。他们的一切行为都是为了引起人们的关注，使人震惊?quot;滚石"乐队的挚肌だ聿榈滤担?quot;在朋克中，音乐似乎是最不重要的，重要的是你想恶心什么人"。 英国最重要的朋克乐队是成立于1975年的"性手枪"（Sex Pistols），他们创立了一种愤怒的、反对一切的年青人形象，以及一种渎神和强暴的气氛。他们的音乐恢复了50年代最"硬"的、简单而大声的摇滚语言，只是更缺乏技巧和味道。主唱约翰尼·罗坦（Johnny Rotten）在加入乐队前从未唱过歌。"性手枪"于1976年与EMI签约，发行单曲《英国无政府》（Anarchy in the Uk）。第二年初，在伦敦"今日电视节目中接受采访时，罗坦用粗鲁、下流的语言，对有关社会传统准则等问肆言抨击，引来了从国会到报纸的谴责。EMI付出一万英磅立即解除了他们的合同。不久，"维真"唱片公司与他们签约，并于1977年，在英国庆祝伊丽莎白二世继承王位25周年的同时，发表了他们模仿英国国歌的同名讽剌曲《上帝保佑女王》（God save the queen）。歌中唱道："上帝保佑女王，这个法西斯政体。在英国的梦想里，没有前途。没有前途，没有前途，没有前途。"尽管这首歌曲到处被禁演，但却受到"幻想破灭"的青少年无条件的支持，在英国排行榜上获第二名。同年年底?quot;性手枪"推出他们惟一的专辑《别担心阉割，这里有性手枪》（Never Mind The Bullocks，Here‘s The Sex Pistols）。1978年，罗坦退出"性手枪"，成立了一个新的乐队。维希亚斯（Sid Vicious）成了"性手枪"的主要成员，他的极端主义和对整个世界的憎恨远远超过罗坦。同年10月，他因谋杀女友而被捕。第二年年初，在候审期间，他被发现死于吸毒过量。1979年，"性手枪"乐队解散。 英国其他重要的朋克乐队还有"冲撞"（the Clash）。从歌词和行为来看，他们不像"性手枪"那样让人难以接受，但音乐同样简单、重复、猛烈，有很多尖叫和失真。1977年，他们发表了第一张专辑《冲撞》，其中几首歌曲对一切都提出了抗议：烦人的工作、警察、美国、摇滚乐、暴力和种族主义。 虽然，朋克的兴起和影响主要在70年代中期的英国，但从音乐和歌词来看，类似的特点早已在美国60年代末的一些乐队中出现了。 还需要提到的是"地下丝绒"（the velvet underground）乐队，它是由受过古典钢琴训练的路·里德（Lou Reed）于1965年组织起来的，他们与米高梅唱片公司签约，于1967年发行专辑《地下丝绒和尼科》（尼科Nico，1966年加入乐队任主唱，1967年离队），包括了几首毫不隐讳地涉及吸毒和施虐狂的歌曲。1968年，推出第二张专辑《白光/白热》（White Light /White Heat），其中，专辑标题同名曲就是一首关于吸毒的歌曲；《礼物》（the gift）在充满噪音的、不断重复的音乐伴奏下，用语言说出超现实主义的、与性有关的歌词；《雷大姐》（Sister Ray）长17分钟，半说半唱，内容明确地与性相联系，伴奏音乐不断重复，且被严重歪曲。这张专辑在排行榜上列为第199名。作为反传统的先锋派乐队，"地下丝绒"作品的内容主要强调吸毒和性。他们于1972年解散。 后来，朋克摇滚从英国传入美国。作为一个运动，它在美国的规模较小。而且，它不像在英国那样是一种政治上无政府主义的音乐，而是青少年反对他们的父母和反对他们感到格格不入的中产阶级的一种新的语言。美国主要的朋克乐队?quot;纽约娃娃"（New York Dolls），"雷蒙斯"（Ramones）等，代表歌手有帕蒂·史密斯（Patti Smith）等。 2、新浪潮（New Wave） 朋克摇滚流行的时间虽然很短（约1977-1980），有人却把它与普莱斯利、"披头士"并列，认为是摇滚乐历史上强调反叛精神的第三次"革命"。不管怎么说，朋克摇滚的表现的确太极端了。可能为了逃避别人的指责，使自己不那么被人讨厌，紧接着朋克，出现了摇滚乐的一个新名?quot;新浪潮"。 新浪潮的概念是模糊的。它可以看作是从朋克派生出来的一种摇滚乐，但其目的是为了区别于那些朋克乐队，而且力求在材料和演奏方面更具专业性。于是到了70年代末，英国很多朋克乐队，包括"冲撞"都变成了新浪潮乐队。英国的新浪潮代表人物是埃尔维斯·科斯特洛（Elvis Costello，生于1955年）,他将多种风格与摇滚乐相结合,剔除了朋克中极端的成份,使音乐听起来不显得那么喧闹。同时他也为朋克时期英国的摇滚乐走向专业化道路（使其具有音乐性）作出了很大的贡献。新浪潮的概念在美国用得更为广泛，只要不是明显的朋克或带有先锋派特点的都称作新浪潮。其中，最重要的乐队是"传声头像"（Talking Heads），他们带领其他乐队从朋克走向新浪潮。 "传声头像"由领队戴维·伯恩（David Byrne，生于1952年）建立于1975年。他们避免奇装异服和舞台上的古怪行为，从现代的严肃音乐中吸取材料，产生一种更加复杂的风格，歌词经常强调个人与社会的矛盾冲突。专辑《永不熄灭》（Remain in Light，1980）采用一种来自"简约派"创作原则的摇滚乐风格。在器乐伴奏中，使用了非洲的复合节奏，持续不断的音型贯穿始终，听起来就像是巨大的机器稳定而连续地生产出音乐来一样。在他们的作品中，有时还可感觉到雷盖音乐（Reggae，见下文）和其他黑人音乐的影子。 3、垃圾乐（Grunge，又译"格伦吉" ） 垃圾乐，20世纪90年代初兴起于美国的西雅图，也称"西雅图之声"（Seattle Sound）。 自80年代起，摇滚乐日趋商业化，在MTV和各种高技术手段的包装下，其面目显得新奇华丽，而内容却变得空洞苍白。针对这种状况，一些摇滚音乐家开始探索新的表现形式，力图复兴摇滚乐的本原精神。Grunge 一词来源于Grungy，原意为肮脏、低俗和令人讨厌的意思，"垃圾乐"正是由此而来。采用这一称呼，也许正是为了显示这些音乐家们对包装华丽的商业性摇滚乐的对抗态度。 "垃圾乐"吸取了重金属和朋克中较为粗重的摇滚乐形式，追求节奏与和声的张力，但也时常运用固定音型、旋律化的低音线条和复杂的结构等较为精细的音乐手法。在内容上，多表现青年人在社会的压抑下所产生的悲观、焦虑和愤怒之情。 著名的垃圾乐乐队有"珍珠果酱"（Pearl Jam）、"音响花园"（Sound Garden）和"涅槃"（Nirvana）等。其中以"涅槃"取得的成绩最为突出。 "涅槃"（Nirvana）乐队 "涅槃"乐队的灵魂人物是科特·科本（Kurt Cobain），出生于美国华盛顿距西雅图100英里的阿伯丁小镇上。开始他对"披头士"和重金属感兴趣，但最终是朋克音乐征服了他。乐队曾几经易名,最终在1987年确定使用"涅槃"这个名字。1989年，他们花了600多美元录制了专辑《漂白》（Bleach），出乎意料地成了大学电台的热门歌曲，共销出了3500张。1991年9月他们的《别介意》（Nevermind）出版，这张专辑在美国行情火爆，首批销量5万张，一时出现了供不应求的景象。其中单曲《闻起来像青春的气息》（Smells Like teen Spirit，例40）的MTV疯狂地播放令乐队一时名气大增。1992年初，这首歌曲打入美国排行榜前十名。1992年，科特·科本与"洞穴"（Hole）乐队主唱科特尼·洛夫（Courtney Love）结婚，于1992年8月18日生下一子。1993年，专辑《乱伦》（Incesticide）由于没有整体性概念，因此使"涅槃"极端和矛盾的一面得到了充分体现。1993年，乐队的最后一张专辑《在母体内》（In Utero）面世。这张专辑一经推出，即打上英美两地排行榜首位。为此"涅槃"于当年秋天举办了全国巡演，并在年终之际举行了历史上最有名的一场"不插电"演唱会。之后，他们又赴欧洲巡演。但在罗马期间，科特·科本又萌生了自杀的念头（在此之前发现过类似情况）。1994年4月5日，科特·科本在西雅图的住所开枪自杀。科本死后，其他队员继续活跃于摇滚乐坛，但是再也不可能有第二个"涅槃"诞生。 十、另类摇滚 和"新浪潮"一样，"另类"（Alternative）一词基本上也是一个无实际意义的术语。真正判断另类音乐的真假就是看它是否再次推进或改写了摇滚乐的历史，把各种看似毫无关系的部分连接成一个整体。随着各个时期主流风格的改变，另类也将随之改变。通常，另类音乐经过一段时间的"地下"发展后，会被大公司收买而融入"主流"，此后，便又会有新的另类出现。以另类为标榜的音乐大都有反对商业化包装、强调作品的思想性、追求音乐的原创性和个性化等特点。 在这里，我们所要介绍的另类摇滚（Alternative Rock）主要是指从1983至1984年，新浪潮音乐开始逐渐衰退后出现的各种后朋克摇滚，这种潮流一直持续到1995年，直到另类摇滚成为摇滚乐的主流。 另类摇滚是"地下音乐"和反主流运动的重要组成部分。由于认识上的差异和文化背景的不同，另类摇滚在英美两国表现出了不同的方式。 1、美国另类摇滚 在80年代的大部分时间里，美国的另类摇滚只是局限在一些小型的俱乐部、独立的唱片公司、歌迷杂志和大学电台这一空间，一些歌曲偶尔能闯入MTV和排行榜前40名，一些专辑偶尔能得到《滚石》这样的主流出版物的赞扬。尽管如此，另类摇滚在商业上几乎没有取得过突破性的进展。与之相反，他们赢得了大量地下乐队的欢迎。由于乐队不断地巡回演出以及低成本专辑的制作，另类音乐开始有了自己的听众，渐渐地占据了一定的市场份额。最终是"REM"乐队为美国另类摇滚开创了新局面，"REM"在商业上和艺术上都取得了很大的成功。 "REM"乐队，成立于1980年，他们的队员是主唱迈克尔· 斯蒂普斯（Michael Stips）、吉他手彼得·巴克（Peter Buck）、贝司手迈克·米尔斯（Mike Mills）和鼓手比尔·贝里（Bill Berry），4人都是佐治大学的退学生。他们把清脆、迷人的吉他片段和模糊、神秘的歌词同后朋克的风格结合在一起，并且把传统声响与现代声响相融合。到90年代中期，无论是评论界还是音乐界都一致认为"REM"是另类摇滚的创始者之一。 80年代末90年代初，许多新的另类音乐分支纷纷发展。除去喧闹、松散而凌乱的朋克摇滚外，吵闹的工业摇滚成了美国另类舞台上的主要风格。来自克利夫兰的"九寸钉"（Nine Inch Nails，成立于1988年）乐队在噪音基础上融入了更多的流行元素，使工业摇滚赢得了更多的听众。同时其他许多工业摇滚乐队结合了欧洲电子音乐使其得到更好的发展。 在90年代初的另类乐坛上，当"碎南瓜"等乐队获得商业上的突破之后，地下乐队不失时机地进入了主流摇滚的行列，但也有一些新朋克乐队宁愿留在地下继续做自己的音乐。同时，许多90年代重要的摇滚艺人都落户于地下的Lo-Fi唱片公司（Lo-Fi相对于高保真Hi-Fi，大都是用家庭录音设备录制出的、劣质音响效果的唱片）。 "碎南瓜"乐队（Smashing Pumpkins），成立于1988年，他们的成员有比利·科根（Billy Corgan，主唱，词曲作者），詹姆斯·伊哈（James Iha，吉他手）、达西·雷茨基（D‘Arcy Wretzky，贝司手）、吉米·恰布林（Jimmy Chamblin，鼓手）。他们创造了一种前卫、迷幻、重金属的混合体，是90年代美国另类摇滚的重要乐队之一。 2、英国另类摇滚 英国的另类摇滚同美国相比，存在两个主要区别：首先，英国的另类摇滚比起美国总是显得更为流行化。从整体看，英国的另类摇滚对于单曲的重视程度从不亚于对专辑的重视，因此，英国乐队对于流行性的关注显然要多于美国同行。其次，英国的另类摇滚乐队对于舞曲音乐和俱乐部文化都能够自由地接受，一些乐队经常采用舞曲的节奏和形式。这些事实促成了一个结果：即英国的另类摇滚乐队在1985至1995年的十年时间里，很难在美国取得佳绩，原因就在于两地对于"另类"含义的认识差异。此外，也存在音乐主题的差异。英国乐队写的都是英国人关心的事情，许多乐队的歌词都是建立在英国文化的背景之上的。不过从1995年开始，两地的另类音乐开始吸取对方的成功经验，逐渐消除了英美两地另类音乐的界限。 正如"REM"乐队在美国一样，在英国"史密斯"（The smiths）乐队在使摇滚乐从新浪潮转变为另类摇滚的过程中，起到了至关重要的作用。虽然"史密斯"存在的时间并不长（成立于1982年，第一张专辑于1984年出版，最后一张专辑于1987年出版），但是却给摇滚乐坛带来了巨大的冲击。 80年代后半期，英国的另类舞台以"治疗"（The Cure，成立于1976年）乐队、"新秩序"（New Order，成立于1980年）乐队，"耶稣与玛利亚锁链（The Jesus & Mary Chain）乐队为代表。80年代末、90年代初，英国最具代表的乐队是"石玫瑰"（The stone Roses，成立于1985年），他们的成功促使了许多类似的乐队迅速出现。进入90年代，"山羊皮"（Suede，成立于1989年）乐队的出现，使英国的另类摇滚得到更好的发展，并使另类摇滚在1994年成为乐坛的主流。此后，又出现了"模糊"（Blur，成立于1989年）、"绿洲"（Oasis，成立于1991年）等乐队，使英国另类摇滚充满了生机和活力。 3、其他另类摇滚 90年代以后，女性摇滚歌手开始引起人们的关注。其中像辛妮·欧康娜、比约克、"酸草莓"乐队等一些非英美国家的歌手及乐队也在欧美乐坛取得了极大的成功。下面着重介绍几位比较典型的另类歌手及乐队。 辛妮·欧康娜（Sinead O‘Connor） 辛妮·欧康娜，1966年12月12日出生于爱尔兰的都柏林。自1987年出道以来，她一直以一种傲慢无礼的叛逆形象展现于公众面前。在音乐上，她大胆地尝试摇滚乐的各种风格，跨越了民谣、朋克、舞曲以及艺术摇滚的界限，创造了一种多元音乐的混合体。1987年，欧康娜推出第一张专辑《狮子和眼镜蛇》（The Lion and the Cobra）。1990年，她的第二张专辑《不图奢望》（I do not want what I haven‘t got）取得了很好的成绩，销量为600万张。在这张专辑里，愤世嫉俗的态度也被民族矛盾的话题所取代。1993年，欧康娜因精神崩溃而企图自杀，经过一段时间的调整后逐渐恢复正常，并重新开始写歌和录音。1994年推出的《宇宙母亲》（Universal mother）便是这一段心镜的写照。在这之后，欧康娜开始淡出演艺圈。1996年当了母亲以后使其叛逆行为有所收敛。 比约克（Bjork） 被人称之为"另类女神"的比约克来自冰岛，是当今最为狂野、激进的前卫明星。在她的音乐中经常采用懒洋洋的演唱方法和超越常规的配器方式，有时还通过效果器将人声变得模糊、抽象，给人一种遥远而神秘的感觉。在MTV中，她的造型以怪异而著称，不合时宜的化妆和丑态的形象使观众过目不忘。 比约克，上小学时曾学习过钢琴和长笛演奏。开始，她是冰岛著名乐队"糖块"（The sugar Cubes）的主唱。1992年单飞之后，她摆脱了"糖块"的流行风格转向电子舞曲，并在一些电子音乐家的帮助下完成了首张个人专辑《处女作》（Debut），这张专辑不仅确立了比约克今后的发展方向，而且还在世界范围内引起了轰动。1993年，比约克获得了英国唱片工业大奖的"最佳国际女艺人奖"和"最佳新人奖"。1995年，专辑《邮递》（Post）又一次取得成功。1996年她又发行了《邮递》的混音效果唱片《电报》（Telegram）；1997年9月，比约克推出新专辑《同基因》（Homogenic）。 P·J哈维（P·J·Harvey） P·J·哈维最初是一个由波利·琼·哈维（Polly Jean Harvey）领导的三人乐队，组建于1991年，几年后便解散，此后"P·J·Harvey"的名义为波利·琼·哈维所拥有。 波利·琼·哈维在英格兰的一个农场长大，他的父亲是个石匠，母亲是个艺术家。从小他就学习吉他和萨克斯管演奏，到十几岁时便参加许多乐队的演出。1991年，乐队成立后推出两首单曲，取得很好的成绩。1992年，首张专辑《干》（Dry）大获好评。第二张专辑《干掉我》（Rid of Me）的成功扩大了哈维的个人影响，乐队也因此而解散。1995年2月推出的专辑《带给你我的爱》（To being you my love）为哈维奠定了另类摇滚的明星地位。 "酸草莓"乐队（The Cranberries） "酸草莓"（又译"卡百利"）乐队成立于1990年，这支来自爱尔兰的乐队在音乐风格上受"史密斯"乐队晚期的风格影响颇深，并融合了一些梦幻似的流行曲风和少许爱尔兰民谣的色彩。他们在90年代初崭露头角，女主唱多洛雷斯·奥赖尔登（Dolores O‘riordan）极具穿透力的嗓音一开始就使乐队在英国受到人们的关注。1993年，单曲《逗留》（Linger）为乐队赢得了更多的听众。接着在1993年和1994年连续推出了《每个人都干，为什么我们不行》（Everybody else is doing it，so why Can‘t we）和《无需争论》（No need to argue）两张专辑，并且使"酸草莓"一举成为世界级明星。 August 07 中国摇滚英雄——许巍
1968年7月21日：出生于西安 1984年：许巍十六岁开始练习吉他。 1986年4月：获得西安市第一届吉他弹唱大赛二重唱一等奖，这之后他写出了平生的第一支歌。 1988年：许巍接触到了摇滚乐，受到巨大的冲击，从此便立志做音乐人。 1990年底：许巍从部队复员开始了职业吉他手的生涯，他的吉他技巧是西安音乐圈中共认最出色的吉他手之一。 1991年：创作了“Don't Cry Baby”、“夸父”、“流浪”和“童话时代”等上百首歌曲，成为当地最高产的音乐人。 1993年6月：许巍召集了西安所有最优秀的乐手，组成“飞”乐队，他担任主唱和节奏吉他手并负责词曲创作。 1994年2月：“飞”赴成都做宣传性的演出，非常轰动，演出后乐队接受了成都电台及各大报刊杂志的采访。 1994年5月：“飞”接受日本《Voice》杂志的访问。10月，许巍携作品来到北京，与红星生产社接触，其作品超乎寻常的魅力使红星公司听完马上宣布准备签约。 1994年11月：北京的众多顶级乐手纷纷表示愿意参与许巍作品的录制，不旧就推出了“两天”与“青鸟”。 1995年：著名歌手田震凭许巍作词做曲的《执着》再次走红与大江南北。 1997年4月：首张个人专辑《在别处》正式发表，立刻引起了轰动，专楫在无任何的宣传情况下，销售量达50万张 1998年1月：在北京音乐台节目《新音乐杂志》一九九七年度最佳专辑听众评选活动中，许巍首张个人专辑《在别处》荣获年度最佳专辑奖，再次证明了他在中国原创新音乐圈里的非凡实力。 1998年：作为流行乐界仅有的二位作者，其作品和崔健一起被选入中国当代诗歌文选。 1999年3月：由许巍重新编曲并演唱的“许巍版”《执著》再次引起轰动。 1999年：受香港天后王菲之邀为其量身定做专辑作品《你》。 2000年11月：第二张专辑《那一年》出版发行，制作人由许巍及乐手共同担纲。在没有宣传的情况下，销量仅依靠口碑相传便达到15万， 充分彰显其歌迷群体的极高忠诚度。 2001年：为华纳当家花旦叶蓓制作新专辑《双鱼》并创作主打歌曲《彩虹》。 2002年：许巍出色的音乐才华终是各大唱片公司的关注焦点，最终签约于世界五大唱片之一的环球唱片的大陆代理机构--上海艺风音乐文化传播有限公司。 2002年12月：出版第三张专辑《时光漫步》。 2003年3月：许巍《时光漫步》专辑去年12月17日发行以来，短短2个月的时间就取得了惊人的销售佳绩，特别是在南方有了重大突破，来自上海、南京、武汉等地的销售成绩显示，许巍的新专辑在风格上赢得了更广泛的回响，唱片公司接到的来信、来电也充分印证了许巍音乐路线的延伸。 这张充满改变的新专辑也得到了圈内专业人士的肯定，由音乐传媒人士评选的“华语传媒音乐大奖”第四季评奖中，许巍荣获了3项大奖，而在日前公布的光线电视主办的“音乐风云榜”年度颁奖提名中，许巍摘取了11项提名。 目前，许巍正在紧锣密鼓地进行新专辑的宣传工作，一直以来，由于种种原因，许巍很少到各地进行宣传，这一次新专辑的出版，许巍希望到各地和乐迷进行面对面的交流。与此同时，利用宣传工作的间隙，他还在不停地创作，许巍所属的唱片公司也在紧张策划他的全国高校巡回演出。 2003年6月：签约在摩登天空下属厂牌M2之后，姜昕于近日开始了第三张个人专辑的制作，并向外界透露，这张专辑将选定她多年的好友，著名音乐人许巍担任制作人。姜昕的新专辑正在北京的《声音》录音室录制乐队部分。许巍为姜昕写的两首歌是：1《向日葵》【许巍曲】，【姜昕词】；2。《潘多拉》『暂名』【姜昕填词】，曲是许巍的【那一年】，编曲：粱剑锋。 经典教堂建筑经典教堂建筑
比萨教堂建筑群
公元11世纪时，比萨是海上强国。比萨主教堂，它的钟塔和洗礼堂，是意大利中世纪最重要的建筑群之一。它是纪念公元1062年打败阿拉伯人，攻占巴勒摩而造的。 主教堂是拉丁十字式的，全长95米，正立面高32米。钟塔呈圆形，直径16米，高55米，分为8层。它在建造时便已倾斜，是著名的斜塔。在不远处还有一座圆形的洗礼堂，构成一个教堂建筑群。三座建筑物形体各异，对比很强，丰富且有变化，但它的构图母题一致都用空券廊装饰，风格统一。它们都是用白色和暗红色大理石相间砌成，衬着绿色草地，色彩十分明快，草地上点缀着白色儿童雕像，显得亲切生动，既没有宗教神秘气氛，也没有威严镇慑力量，建筑群显得格外端庄、和谐、宁静。
意大利米兰大教堂是欧洲中世纪最大的教堂，可供4万人举行宗教活动。它始建于公元1386年，到公元1485年才完成。 这座教堂全由白色大理石筑成，大厅宽达59米，长130米，中间拱顶最高45米。教堂的特点在它的外形。尖拱、壁柱、花窗棂，有135个尖塔，像浓密的塔林刺向天空，并且在每个塔尖上有神的雕像。教堂的外部总共有2000多个雕像，甚为奇特。如果连内部雕像总共有6000多个雕像，是世界上雕像最多的哥特式教堂。因此教堂建筑格外显得华丽热闹，具有世俗气氛。 这个教堂有一个高达107米的尖塔，出于公元15世纪意大利建筑巨匠伯鲁诺列斯基之手。塔顶上有圣母玛利亚雕像，金色，在阳光下显得光辉夺目，神奇而又壮丽。
巴黎圣母院始建于公元1163年，一直到公元13世纪才全部建成。 从巴黎圣母院的正面看，纯粹的尖拱形建筑已形成。整个平面还是十字架形的，但东西长于南北向。底部是凹进去的三座券门，门内层层线脚中布满了神的雕像，给整个建筑增添了华贵感。代替罗马式建筑的典型巨塔是十字形交叉点上的小尖塔，它的高耸使整个建筑显得更加巍峨。 圣母院西边正面有两座高耸的巨塔，塔有三层，下面一层设有国王画廊；第二层中央是一个象征天堂的玫瑰花形的大圆窗；第三层是可穿行的回廊。 雕刻是圣母院中不可缺少的装饰，有植物图案和幻想的怪物；还有彩色玻璃大窗，使建筑形成一种恍惚的神的幻境，加强了教堂神圣的宗教色彩。
德国科隆大教堂始建于公元1248年，完成于公元1322年。正面有高达160米的两座塔楼，显得庄严神圣。 科隆大教堂具有后哥特式所特有的非常丰富而精致的建筑装饰。在建筑物所有的细部上都覆盖着有流动感的石造透空花纹。 科隆大教堂坐落在美丽的莱茵河畔，它那纤巧空灵，向上升腾的神奇形象显得格外宏伟壮丽。
英国哥特式教堂除了保持着某些必须遵守的一般原则外，还有许多创造。 撒利斯堡大教堂的外部结构与法国教堂很不相同。法国教堂的紧凑和往上升腾的趋势在英国变成一种拉长、降低、水平伸展的形式。它的体积与高度都是由建筑物的中心——十字形交叉点分散出去，教堂的最高塔楼是放在十字形交叉的地方，也就是建筑物的几何中心，因为这样可使教堂的水平伸展得到平衡，达到整体的统一。 撒利斯堡大教堂只有一座大塔楼，这比其他多塔教堂更具宏伟统一的效果。
圣索菲亚教堂建在基辅罗斯公国城中诺夫哥罗德克里姆林的中央，教堂墙面抹着白灰，上面耸立着五个大穹顶，外观庄严、简朴，但构图欠完整。内部有很好的湿壁画。 这时期俄罗斯教堂在技术和艺术上虽较粗拙些，但追求气派，具有一定的纪念性。
柏拉仁诺教堂始建于公元1555年，公元1560年完成。位于莫斯科克里姆林宫外红场南端，是俄罗斯中后期建筑的主要代表。16世纪中叶，伊凡雷帝为纪念战胜蒙古侵略者而建。建筑风格独特，内部空间狭小，着重外形，较像一座纪念碑，中央主塔是帐蓬顶，高47米，周围是8个形状色彩与装饰各不相同的葱头式穹窿。建筑用红砖砌成，以白色石构件装饰，大小穹窿高低错落，色彩鲜艳，形似一团烈火，具有强烈的节日气氛。建筑师是A·巴尔马和波斯尼克。
维也纳的圣斯提凡大教堂是奥地利哥特式最大的建筑纪念物。这座教堂的前身是一座建于公元1141年的罗马式教堂，公元13世纪初加以改建。教堂有非常复杂的哥特式蜗状拱。比较接近于公元14世纪广泛流行于德国南部的大厅式教堂。 大教堂南北两边，盖有两座锥形的塔楼，以代替废除了的袖廊。北边的没有盖完，南边的塔楼公元1433年建成，非常严整，直向上冲，是成熟哥特式的卓越创作。
鲁昂市政厅始建于公元1376年，到公元1421年建成，是城市建筑中采用哥特式教堂建筑样式的范例。它有狭长的窗、丰富的雕刻装饰和正面的塔楼。其他地方也有相似的建筑。 位于现在的比利时鲁昂市。
位于拜占廷帝国君士坦丁堡(今土耳其的伊斯坦布尔)，原为帝国的宫廷教堂，平面长方形，布局属于以穹窿复盖的巴西利卡式。中央穹窿突出，四面体量相仿但有侧重。大厅高大宽阔，适宜于隆重豪华的宗教仪式和宫廷庆典活动。 中央大穹窿直径32.6米，高54.8米，通过帆拱支撑在四个大柱墩上。穹窿底部密排着一圈40个窗洞，光线射入时形成幻影，使大穹窿显得轻巧凌空。厅内部饰有金色底的彩色玻璃镶嵌画。外形雄伟稳重。设计人为小亚细亚人安提莫斯和伊索多拉斯。 公元1935年改为博物馆。 优雅而动情的德国现代歌特金属乐队------仙朵拉（Xandria ）优雅而动情的德国现代歌特金属乐队------仙朵拉（Xandria ）/ 香蕉鱼 译
自由吉他手/鼓手 Marco 创立至今两年多一点的时间，Xandria 正以他们的首张大碟"kill thesun"，行进于对公众目光的征服之路。这张由dirk riegrer创制的大碟,值得你付出的绝不仅是匆匆一瞥。若想在其中搜寻或绚丽或夸张的音效，完全是徒劳的。毕竟xandria并不是在拼命地急于给自己的音乐定性，而是在简练紧凑的制作同时，将计划表做了巧妙多样的安排，以便给予主唱最多的表意的空间。
乐队的创立者，marco认为，"teearing down of the hard fa?ade"正恰如其分的表达了他从八十年代末期的死亡金属向如今更加复杂的黑色金属的进步，后者为如今乐队制作的核心。 因此，除了在舞台表演要求下进行激情的表演，这支五人乐队从不热衷将体力浪费在其他任何形式的音乐活动中。
Xandria懂得如何同后现代主义带来得影响和平相处。精确的讲，乐队定义的尺度成为与因为他们复杂音乐产生的特定氛围与感情意义相同。引用成为音乐家们正当的媒体，拒绝在同时期歌特形式的文体目录中停步不前，而是有意识的使自己适应音乐的范围。
CLERIC的唯美音乐论CLERIC的唯美音乐论 作者: Cleric 现在漫画圈子盛吹东瀛风之际，乐坛也流行起了日本风和韩国风，狂迷欧美流行摇滚乐的CLERIC实在是有点看不下去，所以无论如何也要为欧美的乐手们正正名。当初CLERIC在没有迷上漫画之前就已经非常喜欢欧美的POP和ROCK，所以在听了N年的欧美之后，再来看看现在流行的日韩音乐，真是哭笑不得的说，现在所谓视觉系的歌手乐队们如果除掉他们那绚丽的形象后还能剩下什么呢？说到底，音乐是用来听的，漫画才是用来看的（笑）。几个月前CLERIC在音像杂志和哈日族的轮番劝说下买了一张日本"天王级"乐队GLAY的CD，听了之后，觉得没什么特别的嘛，比起当年的XJAPAN来真是太……这种演奏和演唱水平的乐队在欧美到处都是……视觉系乐队在音乐上唯一给我留下深刻印象的大概只有彩虹了……汗。不过退一步说，能够组成BAND，自己创作自己演奏，就已经很不简单，应该鼓励！所以日本的乐队水平虽然参差不齐，但是比起只有偶像组合的韩国要好多了，韩国音乐…………我不说不说，省得引起公愤。（估计上面的一段话就已经引起公愤了……汗，我逃啊……）
1 伦敦恶之花--SUEDE 之所以把SUEDE放在第一个介绍，是因为CLERIC认为他们是最最符合"唯美"这个条件的BAND了，呵呵。SUEDE来自英国伦敦，1991年成立，原来就叫SUEDE这个名字，后来因为署名权的缘故曾经一度改名为THE LONDON SUEDE，最后不知怎么的又叫SUEDE了。SUEDE，就是山羊皮的意思啊……汗，这个名字好象不太唯美的说，但是在欧美，乐团的名字很多都是怪怪的，什么"DOG""BUFFALO"的都有，所以我们就不深究了……汗。 SUEDE是20世纪90年代英国乐坛BRIT-POP大不列颠新流行和GLUM ROCK华丽摇滚复兴运动的代表人物。SUEDE的成功主要是因为他们有一位非常有才华、非常美型的超级无敌主唱--BRETT ANDERSON！近几年无论国内还是欧美的权威音乐杂志评选的最"COOL"最"IN"的人物当中，BRETT铁定榜上有名。这个纤细白皙的伦敦男子，无论是杂志封面，还是VIDEO或者LIVE，都是一张千年不变的凌波扑克脸，身上除了黑白绝对不会再穿别的颜色，加上他那独有的一边留着长长刘海的发型（有点像D伯爵哦）……迷倒一片（笑）！当然，如果他只是长的好看那就和什么"视觉系"差不多了，BRETT的才气更多的体现在他的演唱风格和词曲创作上，他的演唱可以用"病态的妖艳和嚣张的凄美"来形容，绝对不夸张！漂亮的真假声转换，华丽而独特。至于他的歌词，推荐一首给各位： 虽然篇幅不长，但是凄美的氛围已经被营造出来了！听着略带寂寞感的钢琴伴奏，BRETT用假声在你耳边娓娓道来，犹如天籁一般，"STARS IN OUR OWN CAR"好浪漫的歌啊！CLERIC觉得听英文的歌曲一定要好好看歌词，因为有很多歌词写的都好棒！所以大家都好好学E文吧！呵呵。说到这首THE NEXT LIFE，是出自他们第一张同名专辑的一首歌。当年他们推出这张片的时候可以说是把所有的乐评都振住了哦，极具颠覆性和前卫时尚感的乐风暂且就不提了，单单是唱片的封面就好大胆！是两个男生在KISSING……超暧昧哦~~，加上BRETT那狡黠隐晦的歌词和震惊四座的双性恋言论……这个SUEDE，还真是恶趣味啊！所以大陆好象从来都没有引进过他们唱片，5555，只有D版和卡口可以听了，想要看他们的LIVE更是不可能…… SUEDE当中除了BRETT，其他队员也不错。高高的贝司手MAT和BRETT中学时就是死党，所以配合无间；安静的鼓手SIMON技术出众；另外SUEDE原来还有一个天才吉他手BERNARD，这个人不简单，一手吉他弹的出神入化，在SUEDE发第二张片《DOG MAN STAR》的时候，BERNARD因为和BRETT意见不和，就离开了（毕竟是登广告找来的，水平是高，但默契不够啊），后来他发行了个人唱片，口碑也很好；现任吉他手是个年轻的帅哥RICHARD，表现也不错，但是和BERNARD就不能相提并论了；SUEDE现在又加了一个键盘手NEIL。 如果大家对SUEDE感兴趣的话，建议去找他们96年发的《COMING UP》来听，这张片的风格比较流行化，旋律很优美，对于比较前卫的音乐不太能接受的朋友也应该会喜欢，CD在国内有D版，还赠送了他们两只单曲的VIDEO和一些排练的片段，MOV格式的，BRETT唱歌的样子真的好棒！ 各位大人对SUEDE的实力还是将信将疑的话，那就去看国内最权威的音乐杂志《音像世界》吧，SUEDE只要一发片，肯定会在年底的十佳唱片中出现，而且名次不低……那帮挑剔的编辑可是很苛刻的哦，但是对于我们SUEDE，他们也只有喜欢的份了。 SUEDE的唱片：1. 《SUEDE》1991 2.《DOG MAN STAR》1994 3.《COMING UP》1996 4.《SCI-FI LULLABIES》2CD 1998 5.《HEAD MUSIC》2000,另外还出过一张EP《STAY TOGETHER》，CLERIC一张不拉的买下来。欧美的乐手发片和国内（尤其香港）不同，绝对不会一年发个3、4张……汗，他们都是慢工出细活的^_^。
2.英国病人--RADIOHEAD RADIOHEAD-收音头，也来自英国，同样是90年代BRIT-POP的干将，不过是牛津的BAND。他们没有SUEDE美型和那么多的噱头，对公众的态度没有SUEDE那么嚣张，形象也不那么时尚，唱的也只是一些例如外星人题材的荒诞不经的东东，与SUEDE擅长的恶趣味题材大不相同。[但是]，他们在英国是和SUEDE齐名的顶级BAND，而且我对他们的喜欢绝对超过SUEDE，因为他们的音乐太美丽了，真的。 和我最喜欢的漫画家CLAMP一样，RADIOHEAD绝对是煽情高手和制造悲剧的行家。……看过《罗密欧与朱丽叶：后现代激情版》吗？片尾的那首"EXIT MUSIC"就是他们杀伤力巨大的一首佳作： 正如一位乐评所说，他从来没有看完任何一部电影的字幕，但是在这部爱情悲剧结束之时，他只有一边郁闷呆座着，一边"breathe，keep breathing"，而根本没有逃离的机会。我也一样啊，第一次听的时候甚至于有一种想大哭的冲动……你不相信音乐有这样大的力量吗？去听听吧。 RADIOHEAD的主唱THOM YORKE的左眼有残疾，主音吉他JOHNNY是个色盲……汗，可能就是因为这个原因，他们的成员都比较的低调，音乐里也都是灰蒙蒙的颜色……英国病人，他们就是这样的一个BAND。对于他们我无法多说什么，只知道他们的音乐是唯美的，他们的声音是天使般的，他们带给我的是浓的化不开的悲剧氛围……用语言来形容RADIOHEAD的音乐是很苍白的，用心的倾听，就知道了。 RADIOHEAD的唱片：1.《PABLO HONEY》1993 2.《THE BENDS》1995 3.《OK COMPUTER》1999 4《AIRBAG/HOW AM I DRIVING?》EP 2000，呵呵，CLERIC也全部都买到了^_^。特别推荐"CREEP""STREET SPIRIT（FADE OUT）""EXIT MUSIC"和"LUCKY"这四首歌曲。"LUCKY"是RADIOHEAD为东欧战火中的孩子们义演写的一首歌，当时他们仅仅用了5个小时就把这首歌赶出来了，但是，"LUCKY"绝对不是粗制滥造的音乐，非常感人，大名鼎鼎的制作人BRAIN ENO这样评价"IT HAD ME IN TEARS。" 喜欢风花雪月和甜歌甜曲的朋友就不要听他们的歌了，RADIOHEAD是很苦涩悲情的说……
3 大都市的游吟诗人--MORRISSEY/THE SMITHS 还是来自英国的……THE SMITHS，80年代英国最顶级的BAND，解散后主音歌手MORRISSEY个人发展至今。我没有许多关于他们的背景资料，因为他们在中国的人气远没有他们的后辈来得那么旺盛，但是THE SMITHS--史密斯乐团曾经是英国最有影响的乐队，MORRISSEY--莫里赛也是英国最成功的男歌手之一，而且……他们的音乐和生活方式是非常符合"唯美"这一说哦^_^。 MORRISSEY这个人，看上去非常的知性和随和，是一个英俊的男子呢，虽然现在已经是欧及桑级的人物了，可还是很有当年偶像的气度。他是一个GAY，所以在他的词作里常常流露出一些GAY的独有的对社会和人生、爱情的思索，很有意思。MORRISSEY的文笔不是盖的，他原来在音乐杂志搞乐评，还出过散文集，后来遇见JOHNNY MARR，吉他手，一起成就了红极一时的THE SMITHS……他们的音乐风格是传统的英式吉他流行曲，非常的简洁和明快，旋律流畅，配上诗歌化的词，MORRISSEY随性的演唱，还是很容易被大众接受的。 MORRISSEY/THE SMITHS发的片加在一起可能有十几张之多，所以CLERIC不可能都买齐，也没的卖啊……再说他们的歌旋律和节奏都差不多，只是歌词比较有趣罢了，所以就不为大家列表了。总的来说，MORRISSEY/THE SMITHS还是80年代英国乐坛唯美主义的一个重要代表，大家了解一下吧。
4 奇花绽放-- BOY GEORGIE/CULTURE CLUB 各位大人们，不要以为只有日韩才有视觉系！！或者视觉系只是刚刚流行的东东！！（笑），现在CLERIC就隆重为你们介绍来自英国的视觉系最完美代表--BOY GEORGIE男孩乔治和他的BAND--CULTURE CLUB文化俱乐部！！鼓掌！！（笑） 提到视觉系就不能不提英国，这里是视觉系的发源地啊！呵呵，至于视觉系的祖宗是谁，我下面再介绍，现在说到的BOY GEORGIE和CULTURE CLUB是英国视觉系最流行的80年代的突出代表。当然，英国人并不称之为"视觉系"，而是"NEW ROMANTIC"--新浪漫，讲究唯美气质，艳丽的外型和电子化的音乐。80年代是新浪漫最流行的时候，当时著名的BAND太多，比如漂亮的偶像乐团DURAN DURAN杜兰杜兰，他们的歌曲却一点也不偶像，相当的实力哦！HUMAN LEAGUE人类联盟，和DURAN DURAN差不多，只不过由四个帅哥变成了两男两女；艺术化的JAPAN日本，这个BAND的名字好亲切啊（笑）；ECHO & BUNNYMAN兔人和回声，音乐非常有水准，就算到今天许多新浪漫乐团悄无声息的时候，他们还是很受欢迎…… 这么多的BAND，为什么单单把BOY挑出来讲呢？首先，BOY是个美人，他虽然是个男性，但是他化妆后的样子让身为女性的CLERIC汗颜，真的好漂亮，好妖艳；其次，他的歌曲走大众路线，不是曲高和寡的那种，很容易就能被大家接受，据说景岗山曾经翻唱过他的歌……汗；再次，BOY的异于常人的性趋向也是媒体和歌迷们的注目焦点，总之，BOY在新浪漫的歌手当中可以说是最有代表性的，在商业上也很成功。 不过BOY在可爱漂亮的外表和风光的歌唱事业下面也曾经有过灰暗的经历，他的键盘手在他家吸毒过量而死，他也因为吸毒藏毒被警方拘捕，人气一下子跌到谷底……不过BOY是一个很有毅力的人，他后来成功的接受戒毒治疗，歌迷们又重新喜欢上他了。BOY现在信奉佛教，剃了个光头，他吃素，89年的时候去了印度……他也开了自己的唱片公司，签了很多的艺人。 BOY就是这样一个很有传奇色彩的歌手，我挺喜欢他的，他的声音很好听，具有磁性，唱起歌来不温不火，他的歌曲旋律都不错,休闲的时候听最惬意。 BOY和CULTURE CLUB的唱片：1.《KISSING TO BE CLEVER》1982 2.《COLORS BY NUMBER》1983 3.《WAKING UP WITH THE HOUSE ON FIRE》1984 4.《FROM LUXURY TO HEADACHE》1986 5.《SOLD》6.《HIGH HAT》7.《TENSE NERVOUS HEADACHE》8.《BOY FRIEND》等……。BOY曾经为导演过《吸血迷情》的NEIL JORDAN另一部GAY题材的电影《THE CRYING GAMES》唱过同名主题曲，也非常好听。
5 怪人！！--THE CURE 呵呵，视觉系的爷爷辈出来了！THE CURE可以译为"治疗"，也可以译为"怪人"，但是"怪人"非常的符合他们。这只驰骋乐坛将近30年的乐队是CLERIC的最爱之一，他们是英国70年代POST PUNK后朋克运动的代表，但是比起阴冷而落寞寡欢的JOY DIVISION，狂燥的PIXIES，他们的音乐更华丽，更唯美，更浪漫，形象也更有创意。 这只乐团成员的变动很频繁，也难怪，30年下来，也会有烦的时候；音乐风格也很多变，他们是很喜欢追逐时尚的。但是主音ROBERT SMITH一直都没有改变，他乱蓬蓬的朝天发，乌紫的唇膏，黑色的眼影和服装……这副视觉系的打扮20多年来就没有变过……汗；他的声音也和过去一样，颤抖的，似乎是怯生生的青涩演唱……敏感，多疑，CLERIC就是喜欢这样执着的"怪人"。 THE CURE的音乐是有口皆碑的，要不然这么多年下来谁还会理睬这些顽固分子，他们擅长用低迷凄美的氛围和旋律来把你留住，用完美的配器让你对他们的技术啧啧称赞，用那些细腻入微的描写人与人之间复杂情感的歌词来让你感动……CLERIC买了所有我看到的THE CURE的唱片，将近10来张，但是最感动我的还是那张92年的《WISH》……这是一张感动过许多人的唱片。 对，[WISH]，就是[希望]…… 每一首歌曲都可以称的上经典，完美，"FRIDAY I'M IN LOVE"的轻松调侃，"A LETTER TO ELLSE"的凄美，"FROM THE EDGE OF DEEP GREEN SEA "的无奈，"HIGH"的迷幻……还有感动我至落泪的"APART"： 一个悲伤的爱情故事，一个男子有了外遇，妻子非常的痛苦，男子希望妻子对自己说"FORGIVE"和"FORGET"，而妻子希望丈夫对自己说"I LOVE YOU"和"NO MORE"……结果他们都错过了彼此，都不能真正的去理解对方，于是"FAR APART"……短短的几句歌词，就可以表达这么复杂和细腻的情感，THE CURE确实厉害！更要命的是他们为这绝妙歌词配上的音乐……CLERIC无法形容，只是每一次听的时候，眼睛里都会涩涩的…… 我不写出他们的唱片列表了，如果你对他们有兴趣，找这张《WISH》就足够。 THE CURE在2000年初推出了他们最新的片《THE BLOOD FLOWERS》，非常完美，据说这将是他们的收山之作，因为岁月不饶人啊！ROBERT也快唱不动了……他们退休之后，又会有怎样的"WISH"呢？CLERIC的WISH，就是希望他们能到中国来做LIVE啊！ 另外，THE CURE的官方网页相当的漂亮，是CLERIC见过的最漂亮的网页之一。
6.红粉心事--TORI AMOS 连续介绍了5只英国的BAND，而且全是大老爷们，不知道各位有没有厌倦？下面出场的是和CLERIC一样的女生哦，而且她也不是英国人，她来自美国的北卡罗来纳，她就是TORI AMOS。 TORI是一个不折不扣的美女加才女，说她美，是因为她有像明日香那样橘红色的长发和晶莹的绿色猫眼，真是美艳无比啊！加上明丽的笑容，苗条的身材，啊……好漂亮！至于她的才气嘛，哼哼，TORI从小就是音乐神童，4岁学钢琴，6岁就在巴尔的摩著名的JOHNS HOPKINS大学学习古典音乐，还获过奖学金，11岁时候她对古典音乐产生了厌烦情绪，激流勇退，她退学了……汗，她的父母大为光火，因为小TORI迷上了摇滚，她疯狂迷恋着英国的著名乐团LED ZEPPLIN，她想用高贵的古典钢琴来演奏LED ZEPPLIN的音乐……从此TORI踏上了摇滚音乐的不归路。 一开始TORI并没有找准自己音乐的方向，太过嘈杂的音乐并不是她的风格，所以她和一帮二流艺人发的第一张片相当失败……好在TORI是个聪明绝顶的女生，她的第二张片《LITTLE EARTHQUAKE》获得极大的成功！融合了古典忧郁的钢琴，尖锐犀利刻画女性心理的诗情歌词和TORI绝妙动人的演唱，真正的引发了一场地震！这张片到底有多成功呢？……告诉各位，红的发紫的王菲曾经翻唱过里面的"SILENT ALL THESE YEARS"，就是那首"冷战"啦；台湾天后许茹云，也翻唱过"WINTER"，收录在她第一张片里面；现在美国的人气女歌手ALANIS MORRISSTE，在谈及对她影响最大的唱片时，几乎是言必提TORI AMOS的《LITTLE EARTHQUAKE》……而TORI也曾经给了她一些温柔的批评，ALANIS只有好好向她学习了，呵呵。 在TORI的唱片中所有的词曲都是她一人包办的，厉害啊！而且担任所有的钢琴演奏。怪异而不失贵气的钢琴是TORI的音乐里最明显的特征，可见当年的古典音乐熏陶为TORI日后的成功还是打下了坚实的基础。说到唯美，除了在音乐方面以外，TORI的歌词也很讲究，她似乎也有那么一点点暧昧的说……汗，有相当大的篇幅是描写两性心理的，最最著名的就是"ME AND A GUN"，描写的是被强暴后女子的内心活动……。此曲推出后反响相当大，许多有过这样痛苦经历的女歌迷纷纷写信给TORI，感谢她的理解和对她们的关注，美国一个反性犯罪组织甚至还为此授予TORI一枚荣誉勋章。 之所以TORI能够写出这首歌，是因为她也有过这样不幸的过去啊……哎，CLERIC在此就不提这件事情了，因为TORI现在已经摆脱阴影，成家立业，过着幸福的生活了呢，我们一起祝福TORI吧。 TORI AMOS的唱片，1.《LITTLE EARTHQUAKE》1992 2.《UNDER THE PINK》1994 3.《BOYS FOR PELE》1996 4.《FROM THE CHOIRGIRL》1998，她在2000年还推出了一套精选加新歌的片，很值得收藏。 说到TORI的名字，是艺名，这个词源于日语，呵呵，桃生小鸟的名字怎么读来着？"KOTORI"？现在知道TORI的意思了吧^_^。
7.自信隽永的加拿大清风--K.D.LANG K.D.LANG同样是一位女性哦，加拿大人，不过她和TORI不一样，无论是外型还是音乐风格。当你第一次见到KD的时候，可能会发出惊叹"她是男……还是女啊？"，呵呵……汗。KD的形象不像TORI那样有着浓浓的女人味，她的外型非常的中性化，短短的头发，朴素的衬衣，不施脂粉……为什么她要这样打扮呢？因为，她是LESBIAN，她喜欢的是女生啊……。她和前面提到的BOY还真是相似……一个打扮的像女生，一个打扮的像男生，而且他们都不回避自己异于常人的恋爱态度。就算这样，CLERIC还是认为KD是一个美人哦，她戴着牛仔帽，温柔的微笑着站在加拿大的草原上，真是英姿飒爽！ 与她比较前卫的外型和生活方式相比，KD的音乐就温和的多了，就连欧及桑欧巴桑那个年纪的人听了都会喜欢呢。也许有人会问，KD长的那么像男生，会不会她的声音也……放心，KD的声音不但很女性化，而且还很温柔，是真的很温暖的感觉^_^，所以CLERIC很喜欢听她的歌声。KD的音乐风格是乡村音乐和流行音乐的折衷，热情而敏感，很入耳，很EASY_LISTENING的。 KD对社会问题是非常关注的，她经常参加为爱滋病患者的义演活动，为保护野生动物捐款……KD是在为她心目中的那个唯美世界而努力啊！在别的艺人眼中KD也是很受欢迎的，MADONNA、ROY ORBISION、BOB DYLAN和JONI MITCHELL都曾公开的表示觉得KD是个很优秀的人或者与她合作录过唱片，KD在1992年发的片《INGENUE》是她最成功的作品，为她赢得了当年的GRAMMY最佳流行女歌手奖！在此之前，KD也获过GRAMMY的最佳乡村女歌手奖呢。 KD的唱片很难买到，国内没有引进（其实这些倾向唯美主义的歌手乐团国内引进的可能性都不大，所以只能买到像BACKSTREET BOYS那种偶像的说……汗），D版也几乎没有，CLERIC只有她最新的片《INVINCIBLE SUMMER》，还有她和其他艺人合作的合辑唱片。KD去年曾经发过一张翻唱老歌的《SMOKE》，CLERIC在电台里听过，非常精彩的唱片！！恿懒和怀旧的感觉，所有的歌曲名字里都有"SMOKE"这个词，KD把"SMOKE"的境界真正的用音乐表现出来了……以至于把CLERIC迷到晕晕忽忽，隐约看见星史郎大人鬼笑着坐在面前缓缓点燃手中的MILD SEVEN……（笑）。
8 会跳舞的死人--DEAD CAN DANCE 好吓人的名字啊！呵呵，DEAD CAN DANCE死人跳舞，这是我非常喜欢郑重推荐的一个乐团，如果他们的名字让你觉得神秘和恐怖，那么BINGO！你猜对了。DCD的乐风在当今乐坛绝对是独一无二的，他们的正式成员只有两位英籍爱尔兰人，女生LISA GERRARD和男生BRENDAN PERRY，这两个长的就一副仙风道骨不食人间烟火模样的神秘人物相识于19年前的澳大利亚，也许这就是缘分，他们的相遇造就了伟大的DEAD CAN DANCE。 DCD在我介绍的这几位乐团/歌手中的商业成就也许最低，但是他们的音乐素养绝对是最高的。因为他们并不是那种为了商业利益而做音乐的人，他们的原版CD贵的吓跑了不少人，CLERIC是怎样也买不起的（买D版也快把我买的倾家荡产了，5555），因为他们是追求音效的HI_FI狂热分子（笑），录音制作的成本很高，所以就算D版也可以让你听到流耳油；他们的演唱会也很有意思，在一个黑漆漆的舞台上面，LISA穿着圣女一样的衣服，表情极其严肃，非常的投入，而BRENDAN则衣着随便，拿着个铃鼓晃晃悠悠，观众很少，绝对不会出现MICHEAL JACKSON那种几万人闹哄哄的局面，演出的时候很安静，宛如举行一个神秘的宗教仪式；他们的音乐是属于高格调的那种，和现在的流行音乐完全不一样，可以被称为世界音乐或NEW AGE，但是和前者还是有很大的不同，他们在全世界范围采风，会使用的乐器琳琅满目，有些甚至叫不出名字来，他们还会弹奏中国的扬琴呢，听着我们熟悉的乐器到了他们的手中居然能发出那么新鲜和神秘的音色，实在是很棒的感觉；他们不仅仅使用英语演唱，还有阿拉伯语、意大利语、各种民族的土语……，英语嘛，CLERIC马马乎乎能听个明白，但LISA有时一首歌下来像昴流念咒一样哼哼哈哈（笑），实在是超出CLERIC的理解范围了，他们简直是语言天才！两位歌手的演唱功力甚是了得，换气吐字都十分特别，很有异域风味。 在那些神秘未开化的音符所营造的氛围中，不仅使人联想到巫师、法术、吸血鬼和中世纪的神话故事，DCD是神秘而唯美的，他们以一种独特的审美观来创造自己理想中的音乐，他们做到了，一旦你掉进这个黑色的陷阱，必定不可自拔，所以你会想买齐他们所有的CD（笑），因为他们每张CD的风格都差不多，只要喜欢上一张，那么其他的你也肯定会喜欢。 值得一提的是DCD的平面设计很讲究，CD的封套和小册子非常的漂亮，绝对不会像这里弄一张歌星大头照，再加几个五颜六色的字搞定，他们的封套才叫设计！一些或抽象或具象的图案和照片，类似于某种咒符一样，具有历史感的色调，神秘而令人回味。 CLERIC有他们5张片，《SPLEEN AND IDEAL》《INTO THE LABYRINTH》《A PASSAGE IN TIME》《AION》《TOWARD THE WITHIN》，其中《TOWARD THE WITHIN》还有一张LIVE的VCD，非常好看，还有记者对他们的简短采访，可以让你对他们神秘的音乐和生活世界做进一步的了解。LISA出过一张个人的片，《MIRROR LAKE》，这张CD的音效简直无可挑剔，喜欢HIFI的朋友不该错过，BRENDAN刚出的个人专辑没有买到……5555。最近很火的电影《角斗士》的OST就是HANS ZIMMER（他制作的《狮子王》还记得吧）和LISA一起制作的，非常好听的一张唱片，喜欢电影的人不该错过。
9 为《樱花雪》做BGM的世纪仙音-- ENIGEMA 如果说DEAD CAN DANCE是会使用黑魔法的死灵巫师，那么ENIGEMA就是会施展白魔法的光明牧师了！ENIGEMA的曲风其实和DCD非常的类似，一样的使用各地民族音乐的元素，一样的讲究唯美和神秘感，一样的是追求HIFI的音效……只不过他们加入了舞曲的节奏，使得音乐更加商业化，更加的明快和容易流行，流行到连中央电视台的广告BGM都一再采用……汗。ENIGEMA的音乐还真的是很适合做BGM呢，在N_CHAN的小说《樱花雪》里面，他们最著名的采风自台湾阿美族民歌的"Return to innocence"就一再的出现，甚至让我最爱的昴流阿星在这首歌的伴奏下共舞一曲……啊，所以CLERIC无论如何也要把ENIGEMA作为压轴乐团推荐给各位。 ENIGEMA来自德国，主要的创作者是MICHEAL CRETU，受过正规的古典音乐教育，他那位有着迷人声线的妻子SANDRA也参与演唱的工作……这两位也是神龙见首不见尾的神秘人物，基本上不接受采访，埋头做音乐。他们认真的付出是值得的，ENIGEMA的唱片叫好又叫座。 在国内想要买到他们的唱片真是太容易了，几年前就有第一张片的引进版，卖的很快，现在精装或简装D版铺天盖地，经常看到唱片店的老板把ENIGEMA的四张CD用牛皮筋捆起来卖，一下子就买到一套，只要30多块钱，爽啊！有"Return to innocence"的是他们的第二张片，《THE CROSS OF CHANGES》，这张CD真的是太符合星昴了……NATALIE BANN小姐的眼光令人佩服！除了"Return to innocence"，还有一首歌，可以说是为他们度身定做的，歌曲的名字是--"I LOVE YOU…I'LL KILL YOU"！！歌词写的更是太像了，而且ENIGEMA音乐上的宿命论和神秘感更符合他们的故事，什么DON'T PLAY GAMES WITH THE ONE WHO LOVES YOU,什么LONELINESS,I FEEL LONELINESS……难道ENIGEMA也喜欢《东京巴比伦》和《X》？很多星昴的专题网站都喜欢摘录这首歌的歌词，所以想看的朋友就自己细心浏览搜索吧^_^。 如果觉得DCD黑暗压抑的让你喘不过气来，那么ENIGEMA是一个非常好的选择，随着他们的音乐和昴流阿星一起来跳舞……
10 唯美狂人的集中营--4AD 4AD不是一个歌手，也不是BAND，4AD是一个唱片公司。之所以要介绍这样的一个公司，是因为当今乐坛上，4AD是最[特别]的。做为一家独立运营的小公司，他们没有加入全球五大唱片公司的任何一家，完全的保留了自己鲜明的特色，基本上没有被可怕的商业力量污染。他们的老板IVO在独立音乐界是出了名的唯美狂人，呵呵，所以他网罗了一帮和他臭味相投的同好（笑），把4AD搞的神秘兮兮的……汗。前面介绍的DEAD CAN DANCE就是他们那伙人里面响当当的厉害人物。 4AD的特别和唯美体现在很多方面，首先就是他们的唱片卖的贵……人民币要200以上啊！而且还买不到，因为他们几乎不让大公司做全球代理，这里的朋友想要买一张他们的CD是很费事的。因为都是唯美狂人，所以什么都要作到最好，音乐本身就不谈了，录音都是HIFI级的，平面设计有专门的制作小组和摄影师……这样一搞，成本刷刷的就上去了。 唯美、神秘、抽象、哥特、暧昧、凄美、悲观、另类、低调、宿命论、宗教意识……这些词汇都可以加到4AD任何一只BAND和任何一位歌手的身上。4AD旗下优秀的艺人太多，除了DEAD CAN DANCE，CLERIC再为大家简介一下其他的艺人吧。 COCTEAU TWINS，这是老板IVO非常偏爱的一只BAND，来自苏格兰，两男一女，被誉为"代表4AD的声音"。CT在4AD大家族中是属于比较流行化的那一类，轻松的旋律，如梦如幻的吉他，女歌手游吟诗人般的唱腔……非常迷人。王菲也经常翻唱他们的歌……汗（王菲这人真是……翻唱中岛美雪、CRANBERRIS、BJORK、TORI AMOS还有COCTEAU TWINS，居然还能这么红，也不羞！）。 THE BIRTHDAY PARTY/NICK CAVE，澳洲人，比起CT来他们的音乐就比较的激烈和夸张了，他们后来改名为THE BAD SEEDS。这只BAND的唱片也许太燥了，大家不能接受，但是他们的灵魂人物NICK CAVE后来发过一张非常有创意的唯美概念唱片，CLERIC郑重推荐给各位，就是《MUDERER BALLADS》。这张片10来首歌，是NICK CAVE和几位美女歌手合作演唱的，包括英国的"另类MODONNA"P.J.HARVEY，还有在这次奥运会闭幕式上表演的澳洲美人KYLIE MINOGUE，每一首都娓娓动听的讲述了一个情杀的故事，有的是NICK CAVE把情人杀了，有的是情人把NICK杀了，还有的双双徇情……别怕，这些故事都非常美丽，歌曲都是慢板抒情的，整张唱片散发着死亡的妖艳之美，大有CLAMP"温柔的杀死我吧"那种气势（笑）。CLERIC很喜欢这张唱片。 RED HOUSE PAINTERS，宁静的乡村之声；LUSH，无论形象还是音乐都最具有偶像气质最美型的4AD乐团；PALE SAINTS和THOWING MUSES追求完美的吉他表现；哥特摇滚的代表乐团BAUHAUS……4AD旗下好的艺人太多，CELRIC就不一一列举了，大家有兴趣的话可以去他们的主页看看，www.4ad.com应该是这个，4AD的主页和他们的音乐一样的神秘难懂，虽然漂亮，但是浏览起来极不方便……汗，也许这也是他们追求的特色吧。 CLERIC介绍的这些乐团和歌手，其实在欧美乐坛的唯美风里也只是沧海一粟，而且是最最容易被听众认同的那种，很多更加另类和前卫的CLERIC都没写，但是考虑到很多朋友没有接触过这类音乐，所以也只能写这么多了……就算这样，我想听惯了H.O.T或者宇多田光的MM和DD们还是不能接受的说……可能有大人会兴致勃勃的买一张DEAD CAN DANCE的唱片来听，被CLERIC形容的阴暗魅惑的DCD在大人的耳中可能就像巫师和尚念经做法一样；CLERIC最喜欢的无敌华丽的SUEDE，也许你听了后会大呼上当，那个BRETT的声音哪里病态妖媚啦，简直是阴阳怪气；至于RADIOHEAD，那首他们的成名曲"CREEP"，刚听的时候还是优美动人的情歌，THOM深情款款的赞美着自己的恋人是"SPECIAL"的，是[特别]的人，可是忽然一个重和弦敲下去，THOM的情绪一上来，歌词居然变成了"You're so fucking special！"，就把MM们吓的花容失色了……呵呵，汗。还好CLERIC有心理准备，各位大人不喜欢也没关系，CLERIC的这篇文就当看着玩玩，了解一下欧美的音乐风情吧。毕竟漫画、音乐、电影和文学都是艺术，艺术是不分家的。 意大利金属意大利金属浪潮转载自：《重型音乐》第2期 [2001年] 意大利，欧洲历史最悠久的国家之一。在两千年的漫长岁月里，这片土地上，曾崛起将地中海当作内湖、横扫欧亚非三大洲的罗马帝国。伟大的文艺复兴从这里开始 —— 提香、米开朗基罗、普契尼、帕格尼尼......无论是现代美术还是音乐，无不得益于这些亚平宁艺术巨匠的恩惠。 20世纪60年代，摇滚乐浪潮席卷全球，各种各样的音乐潮流，非英既美，形形色色的摇滚明星如过江之鲫，此时的亚平宁半岛却成为一片被遗忘的角落。提到意大利，人们能想到的似乎只有三大男高音。所幸“条条大路通罗马”—— 到了九十年代，年轻的意大利音乐人传承了自文艺复兴时期以来的人文主义精神，汲取着祖先留下的丰富营养，以金属乐为载体，祭起了“意大利金属”的大旗。随着Rhapsody、Labyrinth以及Heimdall等充满个性的乐队的崛起，越来越多的歌迷开始关注这片盛产旋律及叙事音乐诗的热土。以叙事为主要题材，在传统金属乐的基础上，加入大量前卫摇滚和古典音乐的元素，成为了意大利重金属音乐最为显著的特征。早在日后声名大噪的意大利重金属风暴形成之前，意大利国内也曾出现过几支重金属乐队。80年代的DEATH、SS、WHITE SKULL等一些老牌金属乐队，在他们从最原始的Heavy Metal发展到Thrash Metal的历程中，都是用意大利语进行排练，象这样能够兢兢业业继续其音乐创作的乐队至今已所剩无几。可以说，当时的意大利Hard Rock /Heavy Metal乐队并未给世人留下深刻印象。但令人惊奇的是，今日人所共知的Joe Satriani、Alex Masi以及John Petrucci（梦剧院），竟然都是意大利裔的吉他手。他们都是到了英、美等国生活和发展之后，才有了展露头角的机会，当然这条路是充满了艰难险阻的，决非坦途。 进入90年代以后，以美国DREAM THEATER为首的技术型先锋金属和德国以HELLOWEEN为基本的叙事性旋律力量金属开始流行。在他们的影响下，意大利摇滚音乐界出现了前所未有的繁荣景象，诞生了一批独具个性的新乐队。尤其在93年，来自巴西的古典式旋律金属ANGRA发行了他们的首张专辑。可以说，这张专辑更是为意大利重金属界打了一针催生剂。但究其根源，70年代的意大利音乐界，由于受到了诸如GENESIS、KING CRIMSON、JETHRO TULL等先锋摇滚的强烈影响而活动频繁。许多乐队频频外出巡演，虽然其中不乏一些现在已经销声匿迹的乐队，但象P.F.M、BONCUE、LEORME这样能打入美国市场，并在日本进行了巡演，使乐队取得了不容忽视的重要地位。从那时开始意大利就被称作“先锋盛行的国度”，而作为先锋艺术的一种，这种将叙事性置于首位的音乐，正是体现意大利传统的最佳载体。作为文艺复兴的发源地，古典主义和人文主义影响渗透于意大利社会生活的方方面面。 到了90年代中期，属于所谓的“DREAM THEATER”派的BLACK JESTER和像TIME MACHINE这样处于先锋与重金属之间状态的乐队，在意大利音乐界十分活跃，被认为非常有前途的先锋叙事性题材乐队。BLACK JESTER第二张专辑《Welcome To The Moonlight Circus》发表之后的五年里，演唱“意大利独有声音”的乐队如破堤潮水般涌出—LABYRINTH、ATHENA、SKYLARK、ELDRICH等乐队纷纷粉墨登场，而紧跟其后的RHAPSODY以压轴者的身份出现时，可以说这场意大利金属风暴的中心已经形成。 真正令世界震惊的，是RHAPSODY在97年推出的《Legendary Tales》，它就象一颗瞬间释放能量的核弹，带给人们一种从未有过的强烈冲击。当时恰逢LABYRINTH的首张专辑《Nolimits》推出一年之际。整个欧洲金属界都被拉进了这股“先锋＋叙事”的潮流，HEIMDALL、DGM、SHADOWS OF STEEL等带着浓厚意大利气息的乐队相继浮出水面。其中，最为突出的莫过于RHAPSODY的吉他手Luca Turilli推出的首张Solo专辑《King of the Nordic Twilight》。以万夫不当之势地将这场风暴推上了至高点。在意大利，还有一些极端金属乐队如TORMENTOR、SADIST、MORBUS、TRONUS ABYSS、OCEANA、OPERA IX等。这些经历了由旋律金属发展为死亡或哥特的乐队，在不断完善自身的过程中日益壮大，成为了意大利金属风暴中一股不容忽视的力量。 亚平宁金属潮流势不可挡，罗马的光辉再次照耀世界。 前卫摇滚揭开Progressive Rock的神秘面纱转载自：《重型音乐》第2期 [2001年] 在我们生活的环境里，摇滚乐在很多人眼中仅仅是用来现代社会环境中人们的生活方式和个人情绪的表达、发泄，似乎没有人并没有从真正从纯艺术的角度分析它，尤其是对那些震耳欲聋的HEAVY METAL音乐乃至极端金属，经常会被认为充满暴力倾向，缺乏深度。然而有一类摇滚乐恰恰以它们丰富的内涵和及具深度的空间感，证明了摇滚甚至重型音乐不仅在艺术手法上的探索充满创新精神，而且对创作灵感的发觉上也和其他成就非凡的音乐类型有着异曲同工之妙，当然更具可听性。这就是PROGRESSIVE ROCK（前卫摇滚或叫做激进摇滚）。在这里，给大家描绘一下它的大致轮廓，对于这些定义,不同的人可能会有不一样的想法或理解。但无论怎样,应该相信自己的耳朵,最终还是要去听，去感知，体会作品当中不断创新、无穷无尽的艺术魅力。Progressive Rock，是由古典音乐的空间感，和现代摇滚乐最具代表意义的暴烈的穿透力相结合的产物。通常杂糅进了多种音乐元素包括古典乐、R&B、爵士乐、民谣、先锋音乐和世界音乐等等。在形式上，它通常是借助多变的键盘和吉他演奏来表现其结构的复杂性、多样性以及充满活力的音乐风格。早期大多数的Progressive Rock乐队（如KING CRIMSON,ELP等）在编曲和诠释上都很接近管弦乐队。活力也是Progressive Rock中的一个重要组成部分。一种由宣泄的嘶吼， 轻柔的低语和逐渐增强的声调混合而成的音响不但增加了作品的感情色彩，并且在作品中大幅延长了独奏时间，给即兴创作表演带来了机会，使我们经常可以在此类作品中听到大段的吉他或是键盘的长时间SOLO。基于这一点，对于乐队创作来说，营造一个有着较长延续性的，集中于一个核心音乐主题的分段落多变奏作品也是常见的。其中充满感情的赞美内容，大都来源于科学幻想小说，神话，幻想和乌托邦主义文学等中。从某种程度上来说,它具有以下几种类型： 坎特伯雷流派 电子流派 FUSION NEO-PROGRESSIVE RIO（ROCK-IN-OPPOSITION） SPACE ROCK SYMPHONIC ZEUHL ......这些话题很可能让你一头雾水,离我们的聆听习惯似乎越来越远，越来越陌生。唉,本来定义音乐就很难。还是让我们回到重型音乐的主题上来吧，PROGRESSIVE ROCK还有一种重要的组成： PROGRESSIVE METAL 工业革命2工业革命2转载自：《重型音乐》第2期 [2001年] Nitzer和Skinny Puppy（瘦狗）是最早进行所谓“工业表演”的代表，他们向人们呈现了八十年代中期“工业摇滚”美好的一面，也展示了潜在的商业市场价值。 一个阶段的结束同时标示另一个时代的开始。1982年，德国的Einsturzende Neubauten发行了首张专辑《Kollaps》。Einsturzende Neubauten直译指新建筑物的崩溃，代表摧毁一切新事物的意思。他们通过音乐精确地解释了“工业音乐”的概念。在他们的编曲及配器中使用了包括气锤、接合混频器在内的诸多令你无法想象的“重型工具”，和传统的摇滚乐乐器（如吉它、贝司、鼓）配合使用。Blixa Bargeld（现在是Nick Cave的吉它手）是对Trent Renzor影响很大的“工业音乐”先驱者之一，他有着英俊而又略带痛苦冷峻的外表，在黑色的皮衣下，刺青的皮肤和赤裸的身躯犹如他的信念：表演就是一种发泄，爆发出怒火和力量。在舞台上，Bargeld总是不停地折磨他手中的乐器，发出地狱恶鬼般的声音。贝司手Mark Chung也给予“滑把吉它”新的意义，他顺着一根特制的加长吹管，把贝司弦在上面滑来滑去。那时Einsturzende Neubauten的每一次表演都充满令人窒息的气氛。1983年，他们在一所洛杉基老剧场的舞台周围有目的地撒上汽油，向那些浸泡在汽油中的陈年干地板抛出火种……对下面的观众来说，这种刺激带来的感觉—麻木而又永远让人难以置信，突然产生的恐惧快感就象急速掠过，逼近剧场旧窗帘的火焰，但转瞬即失。俗语说：永远不要在拥挤的剧院中叫喊“失火啦！”。Einsturzende Neubauten没有喊，他们只是有预谋地放了一把“火”。他们的每一次表演都象是恐怖主义行动。 以这些来自柏林的“纵火狂”作为先头部队，开创了八十年代早期的新噪音时代，并成为“工业音乐”的代表。这样的团体还有英格兰的Whitehouse（白宫）和Test Department（测试部），德国的D.A.F（Deutsche Amerikanische Freundschaft或German American Friendship）和Die Krupps，澳洲的S.P.K。（注意：Test Department、D.A.F和S.P.K后来向更容易被接受的舞曲方向发展。所以你如果想听重型的噪音，最好去寻找他们早期的专辑。） 关于“工业音乐”第二次浪潮，有一个与众不同、不可遗漏的方面就是Jim Thirlwell—一个充满激情的人。Jim Thirlwell出生于澳大利亚，1978年搬到伦敦。他是衔接“工业音乐”第一阶段和第二阶段的重要纽带，尽管他对此说法并不认同。他在伦敦牛津大街的一家Virgin唱片店工作时，组织发行了Throbbling Gristle 1979年的专辑《Heathen Earth》（异端地球），在这过程中，他和Peter Christopherson合作非常愉快，后来帮助他们组建了Coil乐队。在他的影响下，Einsturzende Neubauten的音乐顺利地被介绍到英国，他还把乐队从德国带过来进行演出，这也是Einsturzende Neubauten后来走向世界的关键一步。 Jim Thirlwell最大的贡献还是他自己的音乐。早期Foetus的唱片—《Deaf》（聋）（Self Immolation/Ze/PVC，1981出品），《Ache》（痛）（Self Immolation/Ze/PVC，1982出品）和另一张精彩的作品《Hole》（洞）（Self Immolation/Ze/PVC，1984出品）联系十分紧凑，就象一部令人难以置信的、完整的启示录。Thirlwell巧妙地避开了早期“工业音乐”无组织的噪音，向人们展示了如何把同样粗糙的音乐元素有机地组织起来，加以编排，使其在保持原有猛烈、凶狠的基础上不失简洁，特别是那些极端暴力的歌曲。他同时引进了一种新音乐元素—混乱的幽默。Foetus的“角色特点”—顽皮的反社会论者，可怕的连环杀手、丑陋的恶人…这些对后来的“工业音乐”艺术家产生了极大影响，甚至波及到流行文化领域。再次仔细聆听Foetus的专辑《Gash》（切）（哥伦比亚出品），Thirlwell谈及：“嗨，我再也不想碰到那家伙了！” 无论Foetus的名字在早期唱片中如何排列，所有的乐器演奏都是由Thirlwell一个人完成的。 经历过早期不愉快的乐队经验，Thirlwell决定独奏是最好的办法。最初的贝司手（孩提时受过一点大提琴和鼓的训练），他在录制唱片过程中，在演奏所需的乐器时没遇到什么困难，任何乐器都拿得起放得下。“很多人认为《Hole》和《Nail》（钉）（Self Immolation/Some Bizarre/Homestead，1985出品）只是采样，其实，所有的鼓、吉它声都是真实的，当然还有其他的一些。”Thirlwell如是说。 没有人敢怀疑Jim Thirlwell的才华，但更重要的是他的艺术影响力。“在我的早期作品中，特别是在结构组成上，我尝试通过做一些实验来改进，从John Cage（前卫作曲家）那里借鉴了许多，特别是他的数字系统。就象原来每间隔十七个节拍，要加入一个打击乐的音色，那么每间隔九个节拍，能不能加点儿别的呢？事物就是如此不断发展变化的。”Thirlwell的许多吉它灵感来源于以下影响，明确而又深刻：七十年代英国“GLAM ROCK 华丽摇滚”艺人Gary Glitter和他的乐队。在早期Thirlwell的唱片就是由其乐队的成员来制作的。“我是Gary Glitter的忠实歌迷，于是我一头扎进去，试图去了解他们的一切—他们如何去创作音乐，包括歌唱方式、演奏方法、采样……他们所做的就是对每一个音阶、每一个小节都进行细致的调整，用乐器去实现。我尝试象他们一样去做音乐，所有这一切都要靠我一个人，仔细地聆听，找出和弦。这就是有时候我认为自己的音乐是地狱来的Gary Glitter之声的原因。” 象许多“工业音乐”先驱一样，Thirlwell也特别注重录音效果的处理，并成为这方面的高手。“采样技术还没出现时，我就开始尝试这么做了。”Thirlwell说。“我利用录音机的循环播放和暂停功能来实现我的目的，达到我想要的效果。当采样技术成为现实后，我发现它与我一直做的事情没什么两样，只不过现在变得更容易了。” 这些年，Thirlwell（1983年已经搬到纽约的布鲁克林）致力于运用他的经验和技术制作更激动人心的“音浪”。他为Nine Inch Nails、Front 242、Pantera、White Zombie、Ethyl Meatplow、Prong、Megadeth等乐队混音，赢得了很高的声誉。他自己的新专辑《Gash》，利用“Verklemmt”巡演的吉它采样，和他自己那把Fender吉它制造的开放音色混合在一起，再加上另一音轨—地下艺术家Marc Ribot的疯狂喊叫，把这些都通过模拟录音机记录下来，再交给合成设备去处理，达到和歌曲匹配的效果。这种强烈的音效、分布起伏的结构也正是“工业音乐”的主要特征。我们身边有许多素材可供利用，还有无数好的技术和设备，新的创意，但是大部分都没有引起人们的注意。发掘，并创造，这就是每一个工业战士的使命。象大多数音乐形式（Rap、Punk）一样，“工业音乐”也经历过一段消沉。在那段时间，“工业音乐”好象要逐渐消失了。最初的低潮大约出现在1983-1984年，Einsturzende Neubauten等噪音乐队带来的影响逐渐消失。尽管Jim Thirlwell和Cabaret Voltaire仍在努力地创造出不错的作品，但整个形势不容乐观，似乎“工业音乐”已迷失了方向，丧失了前进的动力。两支乐队适时出现：Nitzer Ebb和Skinny Puppy，今后你将在“工业音乐”名人堂中看到他们的位置。但在那时候，看上去他们的出现并不合时宜。 “1984年时，我们正在制作唱片，但是没有人关注这个。”Nitzer Ebb的Bon Harris在1990年的采访中谈到。“我的意思是新闻界根本不关心这个。我记得当时有人说我们所做的东西晚了两年，已经不再是潮流，但是我们还是乐在其中。一部分原因是我们太年轻-当我们开始做音乐的时候还是小孩子。实际上，有许多事情我们是早做了两年。那时流行的是‘酸摇滚’和‘家庭音乐’。” 在流行音乐界，一步跟不上可能导致步步落后，你将为这一点点滞后付出代价。Nitzer Ebb和Skinny Puppy是最早和大唱片公司（Geffen和Capitol）签约的“工业音乐”团体中的两个代表。在八十年代中期，他们向人们展示了更加美妙、更趋向市场的“工业音乐”类型—这种转型并不是由Nitzer Ebb和Skinny Puppy开始，他们只是进一步发扬光大。他们的音乐是令人满意的，创作态度是真诚的。 与Nitzer Ebb一样，Skinny Puppy也成立于1983年，通过加拿大地下磁带交易网络，早期“工业音乐”对他们影响很大，“那时在加拿大有很多磁带交易活动进行，“Skinny Puppy的Nivek Ogre说，“对我们来说，在那期间，建立起‘反摇滚’的概念，并付诸行动。我们对抗的是类似于Mo..tley Crue这样的乐队，听到他们的音乐我们就忍不住要笑。在一些人的影响下，我们一头扎进了‘噪音’，它同样出色，是一种时尚。所有这一切都是从Genesis P-Orridge和与他相关的一些人开始的，象Thomas Leer和Robert Rental，都对我们产生了巨大的影响。随后我与一个女艺术史学家一起工作，通过一个叫‘Transportation Mutations（运输的转变）’的大规模展览会（和“工业音乐”有什么关系吗？），我们把Einsturzende Neubauten和Test Department带到了温哥华。于是我可以陪在他们身边，更多的了解他们，他们的音乐。“尽管从Skinny Puppy的早期录音，可以感受到Genesis P-Orridge和Throbbling Gristle对他们的影响很大，继承了低沉厚重的传统风格。但他们还是为北美的青年带来一种清新的“工业音乐”类型，全新的音乐理念。最初的工业乐队并不把Mo..tley Crue这样的乐队放到自己的对立面，认为这些都与己无关。只是低头去做自己喜欢的音乐，不在乎别人的观点和评价。这一切从Skinny Puppy开始改变。他们勇于表现自我，善于对外宣传，对“工业音乐”从地下正式融入主流乐坛起到了很大的促进作用。 Skinny Puppy从《Nightmare On Elm Street（榆树街梦魇）》等恐怖电影的音乐中采样，他们的歌词，甚至名字都是混乱不堪的，看了让人摸不清头脑或感觉恶心。就这样，Skinny Puppy的录音带通过加拿大的一家独立厂牌，被Capitol公司发现。 其间，让我们再回到欧洲，“工业化”向不同的方向发展：工业舞曲。主力先锋是比利时的Front 242，他们在“Play It Again Sam（再来一次，森姆）”的厂牌下发行自己的唱片。在某种意义上,他们把Cabaret Voltaire在七十年代注入“工业音乐”的旋律性东西进一步给予最大化发挥。在他们的带动下，涌现出众多新的电子舞曲类型、乐队和作品。不管怎样，刺耳的音乐结构、扭曲的嗓音、色情的造型及音色采样都鲜明地表示其“工业音乐”的特征。 德国的KMFDM是这一时代出现的另一支重要乐队。乐队创建者Sascha Konietzko最初从事前卫表演艺术（他的首次演出只用真空吸尘器作为乐器）。不久他就放弃了。“我们做了所有该做的一切：在身上涂满面粉和鲜血，向电视射击，在舞台上点燃火焰......对此我都感到厌烦了。”他叹着气说。后来Sascha和高挑、古怪的吉它手En Esch一起组建乐队，他们两人成为了KMFDM的核心。 “事实上，当KMFDM成立后，我们就以Throbbling Gristle和Cabaret Voltaire为榜样，特别是那种无规则的结构、忧郁的情绪。”Sascha解释说，“我们想对照他们的一切来做，我们想写舞曲，想做成Zappa那样，我们想做自己的音乐。我们关注于歌曲的结构-引子、过门、韵律、合声...和更多的东西，不是单纯地做‘流行音乐’。” KMFDM于1986年发行了首张专辑《What Do You Know，Deutschland？（德国，你知道什么？）》（Wax Trax），紧跟着是他们在电子舞曲方面的突破—1988年发行了单曲和LP唱片《Don't Blow Your Top（不要发怒）》（Wax Trax）。在美国，如果没有Wax Trax—一个有进取心的芝加哥唱片厂牌（由Play It Again Sam和其他一些欧洲“工业音乐”公司共同创建），你可能永远也不会听到象KMFDM这样的乐队。在八十年代中后期，Wax Trax是美国“工业音乐之声”的大本营和根据地。从这里走出的乐队是整个工业音乐界的坚强核心，很快，来自地狱工厂的愤怒之火开始蔓延，Wax Trax培养出了美国本土的“工业音乐” 人才—一个非常值得关注的年轻人AL（Alain Alien） Jourgensen。他就是日后声名显赫的Ministry乐队的领军人物。 Ministry的处女作—EP唱片《Cold Life（寒冷生活）》（Wax Trax）是Jourgensen终生的遗憾。它听上去不温不火，有点儿象八十年代早期英国电子流行乐的变种。很快，Jourgensen找到了乐队今后的发展方向，才导致了今日的成功。1986年的《Twitch（抽搐）》表明Ministry在音乐上取得了长足进步，这也是乐队在Sire唱片公司发行的第一张专辑。就象它的名字一样，整张唱片就是一种痛苦、抽搐的白色噪音和原始吼叫的高度混合体，对那些患有“工业音乐狂燥症”的人们来说，它就象一付及时开出的灵丹妙药。由此Jourgensen也证明了自己是伟大的天才，是“工业音乐”的独特代表和领航者。1998年Jourgensen接受采访时把他的经历比喻为“用大锤砸蚂蚁-大材小用”。 Jourgensen有一个众所周知的工作习惯对后来的“工业音乐”界影响很大，渐渐也成为传统：不同团体成员间的即兴组合与合作，大家在一种宽松、愉快的气氛中各自发挥自己的优势来做音乐，共同完成唱片的制作。与Jourgensen一起，不管是谁，都会陶醉于这种美好的境地，在录音室中与他整夜工作，做出“最牛X的工业音乐”。于是产生了一系列奇妙的组合：The Revolting Cocks（反叛公鸡）—阵容多次变化，曾包括Trent Reznor、Nivek Ogre和Front 242的成员；1000 Homo DJ's（1000个同性恋DJ）—和Trent Reznor合作；Acid Horse（酸性马）—Cabaret Voltaire合作；Lard（猪油）—Dead Kennedy（死肯尼迪）的Jello Biafra合作；还有Pailhead（桶头）—Fugazi（浮加泽）的Ian Mackaye合作。就象Jourgensen所说的那样，大家在一起非常愉快，整日嘻嘻哈哈的，谁喝得最多就由谁来打鼓。 合作的风潮迅速传遍整个“工业音乐”界。KMDFM的Sascha和My Life With The Thrill Kill Cult（我生命和惊恐杀戮祭祀）的Buzz McCoy组成了Excessive Force（极度力量）。 August 06 罗马式艺术罗马式艺术
法国罗马式工艺
法国的工艺美术有各种小型雕刻和珐琅制品。尤其是珐琅制品是世界闻名的，原是由东方传到欧洲的，在罗马式时期，铜坯上的凹糟珐琅制品已很普遍。如里摩日的珐琅制品的特点是，看上去好像在器物的平面上盖上一层珐琅釉，它的色彩鲜艳华丽，大多数是明快的浅蓝色调。 在晚期的里摩日珐琅制造中，珐琅只用来做底子，人物则成为高出来的金属浮雕。浮雕上镀金，显得异常华美富丽。由于器物造型的逐渐复杂化，直接影响到以后的哥特艺术的发展。
西班牙的罗马式壁画以粗线条表现人体的轮廓，造型刚劲有力，色彩主要是红褐色、白色、黑色和饱和的蓝色(通常是蛋彩)，色调特别响亮。 公元12世纪时，西班牙有一种绘在木板上的画非常风行，这种画叫作“弗隆塔勒斯”。在巴塞罗那博物馆保存有许多这样的祭坛画。“弗隆塔勒斯”在风格上接近同时代的壁画，但其色调更响亮鲜明。画家们喜欢用朱红和金黄色调相配合，在这种调子的背景前、黑色的、粗硬的，有棱角的人体轮廓线和衣褶显得非常突出。 西班牙的书籍插图艺术在罗马式时期最早的细密画，主要特征是刚劲的素描，饱和的色彩和典型的黄色和深紫色的对比。具有生动的构图和梦幻般的气氛。
在德国公元10—11世纪的教堂壁画大多数已经被破坏，保存下来的有雷赫瑙岛的奥贝尔采尔圣乔治教堂壁画。它具有庄严肃穆的特点，但没有神秘气氛。构图清晰，人物动作自如，姿式多样，下垂的衣褶线条柔和自然。画中的人物是用明暗调子画成的。尔后的壁画中不再有情节和复杂构图，人物布局亦自然，对空间理解接近现实。 但是位于德国东南方教皇派中心累根斯堡附近教堂中的壁画就画得非常枯燥和抽象，带着一股冷漠的味道。 在德国细密画已呈现出繁荣局面，在修道院的文献和手抄本中制作已相当精美。在福音书中的插图接近拜占廷画风，但构图及形体造型更加生动，有明显罗马式美术特点。 到了公元12世纪，书籍的插图已不再是纯粹的宗教题材，而更多的是世俗题材，还出现插图年鉴和历史著作。从这些细密画的风格看，已接近哥特式的形式，其中人的身体画得修长而柔软，都穿着当时而非古典式的服饰，不失文雅之风度。 新的内容给细密画的技术带来了变化，画风变得更加柔和了，这种细密画实际上如现代的钢笔画。
德国的罗马式雕塑以科隆大教堂的《基督磔刑》(公元970年作)为范例。 这是一件钉在十字架上的基督雕像，受难的基督，完全没有殉教者的样子，而是普通的人。但人体解剖是不准确的，可是人物的表情与死的沉闷结合得比较好，造成一种静穆的悲壮气氛。
中世纪的意大利还没有形成一个艺术中心在雕刻方面由于地方的分散性，形成了不同的地方学派。 南意大利的雕刻基本上是沿着罗马艺术的途径发展的，大多数是对罗马时代雕刻的直接模仿。 伦巴底是意大利最早形成城市公社制度的一个地区。雕刻家威廉创造性地继承了古代艺术的传统。在莫德纳教堂的浮雕中创造的人物动态已十分动人，具有自然的身体姿势和面部表情，有的已塑造了真实优美的人体。在作品中已经出现了世俗的场面和世俗人物形象。 公元13世纪初，雕刻家安泰拉米的出现是雕刻发展的新阶段。他的作品构图已经达到自由活泼，优美雅致的境地，人物的身体比例更趋匀称，衣褶的线条柔顺有力度，整个浮雕画面显得平和。
意大利的绘画也各具地方画派特色。在南意大利的绘画中，镶嵌画占有很重要的地位。12世纪时在西西里境内制作了一系列拜占廷风格的镶嵌画，多出于君士坦丁堡画派的几位希腊大师之手，可与拜占廷的宏伟艺术形象相媲美。 在意大利发现的希腊大师的作品，形象已具体积感，人物的动态手势自如且富有表情，具有独创意义。 公元12—13世纪作于蒙特利尔教堂的镶嵌画早期，清楚地显示出罗马式风格：基督的形象粗笨，其他的人物身姿也没有什么动态，令人感到一种森严的宁静。但到后来逐渐表现出画家的个性特征，人物造型、动态已有表现力，画面具有叙事意味。 东意大利地区的代表拉文纳教堂的镶嵌画，开始放弃了拜占廷画家那种严格遵守形象配置的呆板形式，人物表现开始具有个性表情。 威尼斯圣马可大教堂的镶嵌画是威尼斯绘画发展的重要阶段。绘画处理具有罗马式造型艺术的固有特征——轮廓坚实有力，姿势富有表情，但仍保留一些拜占廷艺术的特征，这种特征一直延续到公元15世纪。 意大利的细密画也有很大发展，但拜占廷风格仍有一定影响，在有的手抄本中发现精工描绘的人物是用水粉画的，文字用伦巴底特大字母写成，起着字母保持难认的连体字，还有植物图案和动物装饰纹样。
随着教堂建筑的兴起，法国的雕刻绘画工艺开始复苏了。教堂建筑开始使用浮雕和圆雕装饰。将圣经的故事和代表人物雕在墙上和柱上，成为教民看得懂的“石头圣经”。 公元12世纪法国罗马式雕刻进入繁荣期，兴起了许多地方不同的学派。朗格多克、普罗凡斯等学派。 朗格多克学派作品主要特点是在充满虚构性的形象中有着崇高的感情与戏剧性。人体拉得很长，人物的服装往往有像鳞片一样的装饰或者是在光滑的平面上形成两三道纹路的衣褶。这个学派的代表是莫阿萨克的圣彼得教堂和苏亚克教堂的雕刻。 普罗凡斯学派在许多方面接近意大利北部城市公社的罗马式雕刻风格。代表作品是马赛的老教堂高浮雕。构图稳定均衡，形象的塑造基本上不是线条式的装饰，而是具有真实感的立体造型。 在法国东北部巴黎地区的雕刻家们用完全独立的方法来处理安放在建筑装饰框子里的圆雕像，形成了一个出色的罗马风格的雕刻学派，这对以后哥特式雕刻的形成起着重要作用。代表作品是夏特尔教堂的雕刻作品。雕刻家们尽力使人体服从于建筑形式的节拍。这些雕像都富有肖像性特点，脸部比较生动，而且有一定程度的个性表现，这属罗马式晚期成就。
在法国教堂里，壁画十分盛行。画面多为单线平涂的罗马式特征，画面充满幻想、夸张。细密画是当时法国艺术的一个重要组成部分。法国北部的圣洛仑成为大规模的细密画创作中心，那里发展着版画风格的细密画。在亚眠图书馆藏的福音书中可见绘画技术十分熟练，人物形象充满了丰富的表情。在手抄本中，细密画的线条所塑造的形象极富扭动感。还发挥了轮廓线的作用；在这些轮廓线中又平涂上鲜明的颜色，具有平面装饰效果，它和雕刻一样，呈现一定的抽象化和象征化的倾向。 公元12世纪初勃艮第的修道院产生了一个细密画派，他们的特点是素描细致、优美，关注人物性格的刻画。这一时期的作品表明了罗马式风格，画家在作品中追求一种抽象、明朗和新鲜的感觉，使表现性、象征性和装饰性结合为一体。 浅浅谈死亡金属之三 － 概念
浅浅谈死亡金属之二 － 各种流派
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乐队的歌者，lisa，通过这张专集表明了，对于那些针对在歌特金属表演中的女性的另人迷惑的标准，她不试图去遵守，她的每一个声音都发自于乐音与自己感情的共鸣中。她那多变而完美的吟唱，即便称不上幽雅，但她与我们分享的是她内心真实的倾诉。时而是精灵般的轻灵美丽，时而又充斥暴躁与尖锐 ，但始终是注满激情的。
处于最核心地位的是旋律，而有时歌声会比金属音效更使人成沉溺正是这一理论的明证。一旦你承认了流行与商业化间并没有紧密不可分的必要，你将发现跨越这广阔领域的赢家只能有一个：一首好歌。他也许会不自觉的将Xandria与Germany's answer to Lacuna Coil,Nightwish,After forever和Within Temptation相提并论，但这种比较对于完全不同的音乐质地来说，是不公平的。
Aandria没有丝毫压抑的轻松引用，同时又参考于其他艺术家对他们自己音乐的创作过程，在抽象的器乐的鉴赏方面加以利用，正如他们已经做过的一样。在这种最初等级上推定“Kill the sun”的价值恐怕很不准确，毕竟乐队正处于他们音乐前进史的开端，无论如何，还有一件事仍然可以肯定，这张专辑是同期最令人愉快的一张处女碟之一！因为他抓住了现代歌特金属的本质精髓：优雅，富有感情，令人感动。
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